viernes, 31 de mayo de 2013

Spinnerette - "Spinnerette"

Esta vez les traigo el disco del proyecto de una interesante mujer del rock en la actualidad.

Spinnerette es el proyecto musical de Brody Dalle, ex cantante y líder de la banda punk The Distillers y ahora también conocida como la esposa de Josh Homme, líder de Queens of the Stone Age (QOTSA).

Su carrera musical empezó tras mudarse a California con su entonces esposo Tim Armstrong, líder de Rancid (habiéndose casado con tan solo 18 años).

Al llegar ahí, formó The Distillers, con quienes lanzó 1 EP y 3 álbumes. La banda tenía una base punk con influencias de rock alternativo,  hardcore y en algunos momentos algo cercano a un punk de adolescente como Green Day. En el 2003, Dalle se divorciaría de Armstrong y  3 años luego, se separaría de su banda haciendo que la misma se disolviera.

En el 2006 se casó con Josh Homme. Esto hizo que Dalle conociera a Alain Johannes (fundador de la banda Eleven y guitarrista y multi-instrumentalista en varios otros proyectos  como Queens of the Stonge Age), quien sería su principal colaborador en Spinnerette. Luego de sacar un EP en el 2008 titulado “Ghetto Love”, lanzó, en el 2009, el disco del que voy a hablar, que es, hasta ahora, el último trabajo de este proyecto.

Spinnerette no es una banda, sino un proyecto de Brody Dalle en el cual ella pide la colaboración de diversos músicos que ella considere ideales para sus ideas. Esto hace que las ideas, en su mayoría, salgan de la cabeza de esta mujer y que se terminen de amoldar con la ayuda de quienes colaboren.

El sonido de este disco sin duda tiene una base punk, es no se cuestiona. La voz de Dalle ronda entre Patti Smith y Joan Jett, siempre entonando perfectamente y en momentos cantando dulcemente, pero, en lo general, usando una voz podrida y punk.

También encontramos mucho de rock alternativo y de grunge, recordando en momentos a PJ Harvey, Hole, Ida Maria y otras bandas (me es imposible no compararlo con estos 3 actos musicales femeninos).

Pero hay algo que no se puede discutir: las influencias de Josh Homme son muy evidentes. En la gran mayoría de los temas podemos encontrar de Eagles of Death Metal (EDM) y del lado rock and roll de QOTSA. Esto se ve en los riffs (tanto por sus movimientos melódicos como rítmicos), en los ritmos de las canciones, en las progresiones acórdicas y en las melodías vocales. Las influencias son notorias. En algunos temas más que otros. En sí, diría que las influencias son fuertes en el comienzo del disco y a medida que éste va avanzando, las mismas van disminuyendo.

Aun así, nada de lo que acabo de mencionar es motivo para bajar de nivel este disco, pues de serlo, no lo recomendaría, ¿o no? Estas influencias son fuertes, pero hay muchísimas bandas cuyas influencias son muy evidentes y aun así tienen muchísimo para ofrecer. Y este es el caso.
Algo espectacular de este disco es que es super homogéneo, tanto estilísticamente  como en calidad, pero que a su vez todos los temas son diferentes. Todos rondan por el mismo género y mismas influencias pero son bastante diferentes entre sí.

“Ghetto  Love” y “All Babes are Wolves” arrancan el disco con un rock and roll crudo bien al estilo de EDM y QOTSA, siendo la 2da la más cercana a estas bandas (podría decir que de ser Homme quien la cantara, sería un tema de alguna de esas 2 bandas), ya que la forma de tocar la guitarra, el swing de la batería e incluso ciertos arreglos vocales son prácticamente idénticos. La 1era se separa un poco más, sobre todo, por la voz, la cual es bastante punk y las melodías son diferentes.

Con “Cupid” aún podemos notar las influencias de QOTSA, tal vez más cercano al QOTSA de “Songs for the Deaf”. Sin embargo el estribillo ya es otra cosa. El estribillo es genial, logrando que este tema sea de los mejores del disco. Aquí la voz llega a su gloria sin duda, haciendo excelente uso del registro más grave y excelente uso del registro más agudo.

“Geeking” es el 1er tema que encontramos en el disco cuyas influencias maritales ya no se encuentran. Es difícil liberarse de eso si venimos escuchando el disco de principio a fin, pero si se escucha este tema aisladamente, notamos que no tiene nada que ver. Es un tema bastante más punk con algo de garage. Facilmente podría encasillarse en algo como garage rock revival.

“Baptized By Fire” ya nos lleva a un rock alternativo con algo de electrónica en el estribillo. En momentos puede recordar a PJ Harvey, aunque el estribillo no tiene la oscuridad de la misma y es bastante más inocente.

“A Spectral Suspension” es otro de los grandes temas del disco. Lo interesante es como en el verso, a pesar de estar bastante tranquilo, nos hace notar que pronto explotará, lo cual se logra en el estribillo con un volumen más bajo del que esperaríamos y con un riff de guitarra que recuerda un poco a Page en “Physical Graffiti”.

“Distorting Code” vuelve un poco a las influencias de QOTSA. Esta vez con un aire a “Lullabies to Paralyze”, disco en el que Dalle participó.

“Sex Bomb” es un rock and roll bastante punkie con un tono más sexual. La voz acá es bastante más cruda, al estilo de las bandas grunge con influencias punk de finales de los ’80.

“Driving Song” es una simple balada pero decorada con rock distorsionado. Si le sacáramos la electricidad y le pusiéramos un piano, sería una balada como todos las conocemos. Nuevamente el estribillo brilla por su calidad (al parecer esta chica tiene un don para hacer buenos estribillos).

“Rebellious  Palpitations” nos lleva a un rock que va variando de influencias a medida que avanza, tocando algo de garage y puramente alternativo. Es el tema más alegre del disco sin duda.

“The Walking Dead” arranca con la misma idea de “Ghetto Love”, como si fuera un retorno pero arreglado de manera diferente. Sin embargo el estribillo se acerca más a un rock de los 70’s pero arreglado como uno actual.

“Impaler” es otra de las joyas del disco. Acá nos vamos a un mundo totalmente diferente: un folk con base de blues-americana arreglado con instrumentos más tradicionales como mandoguitar, flauta y una percusión que va muy al estilo. También encontramos una guitarra eléctrica, haciendo que la fórmula tenga una potencia increíble. Estilísticamente podría compararse con el trabajo actual de Robert Plant, aunque sin duda es otra cosa. Junto a “Cupid”, el mejor tema del disco. Pero más que eso, el que demuestra que Dalle tiene una enorme versatilidad.

“A Prescription for Mankind” es el más sucio y crudo del disco, y también el más apocalíptico. Sin duda es una explosión que cierra al disco como se debe. Es un tema que en vivo debe sonar de puta madre.  Es muy interesante el coda que se encuentra segundos después de finalizarse: un estilo de improvisación en estado trance, al estilo de bandas neo-psicodélicas de comienzos de los ’90, como Loop y Spacemen 3.

Este es un disco con mucha calidad. Muchos (e incluyo a otros críticos que he leído al respecto) le dan menos valor por su parecido al estilo musical de Homme. Aunque esto es cierto, tiene su originalidad, su personalidad propia. Si me preguntaran “¿Podrías este ser un disco de QOTSA o de EDM?”, les respondería que no. Como dije, la base de este disco es punk, lo cual ya lo separa de estas 2 bandas, ya que la base de QOTSA es stoner rock y rock and roll en el caso de EDM.

La voz de Dalle ayuda mucho a darle personalidad al disco. Sin duda encontró una buena fórmula al combinar punk con distintas influencias.

No es de los mejores discos del momento sin duda. Podría nombrar decenas de discos actuales que me parecen mejor. Pero lo que tiene es que, como debut, es muy bueno y da la esperanza de que esta mujer saque más material y demuestre una enorme versatilidad al igual que su esposo.

Sin duda una de las mujeres más atractivas musicalmente del rock actual



Como siempre, les dejo para que puedan escuchar cada tema:

All Babes Are Wolves: 
Cupid:
Geeking:
Baptized by Fire:
Sex Bomb:
Driving Song:
Rebellious Palpitations:
A Prescription for Mankind: http://www.youtube.com/watch?v=mYesM4Rruus




HASTA LA PRÓXIMA SEMANA!




jueves, 23 de mayo de 2013

Queens of the Stone Age - "...Like Clockwork"


Hoy me toca reseñar un disco que saldrá a la venta el 3 de Junio pero que ya se puede escuchar en internet.

En los últimos 15 años hemos visto muchas grandes bandas aparecer en la escena del rock. Pero me he dado cuenta que ninguna supera la calidad y el enfoque de esta banda, Queens of the Stone Age (QOTSA).

La banda es liderada (y más bien manejada en todos los sentidos) por Josh Homme. Este hombre empezó su carrera musical con Kyuss, una banda de comienzos de los ’90 perteneciente a la escena musical de Palm Desert, escena donde se originó el stoner rock (género dentro del rock con bases blueseras, psicódelicas y pesadas, con un toque “desértico”, donde la improvisación y el “jam” son elementos importantes, llegando a un sonido muy particular que puede recordar a bandas como Black Sabbath, Blue Cheer, Hawkwind, Cream y el primer Led Zeppelin).

Después de la disolución de la banda, Homme formó parte, por poco tiempo, de Screaming Trees, banda liderada por Mark Lenegan, con quien Homme colaboraría más de una vez, dentro y fuera de QOTSA.

Luego de esto, Homme decidió formar su propia banda. El nombre original fue Gamma Ray, pero fue sustituido por QOTSA porque ya existía una banda alemana de power metal con ese mismo nombre. La banda lanzó un EP titulado “Gamma Ray” y al poco tiempo ya estaba tocando en vivo.

Tiempo después grabaron su 1er disco, en el cual Homme tocaba guitarra y bajo y Alfredo Hernández (último baterista de Kyuss y miembro fundador de la primer banda de stoner rock, Yawning Man). En su 2do disco, “Rated R”, ya sería una banda más consolidada, con Nick Oliveri (bajista de Kyuss) en el bajo. Con este disco empezarían a tener mayor reconocimiento. Pero sería en su 3er disco (y tal vez su mejor trabajo), “Songs for the Deaf”, que obtendrían fama mundial, merecida fama mundial. Desde entonces han sacado 2 discos más, “Lullabies to Paralyze” y “Era Vulgaris”.

Definir a QOTSA es un tanto difícil. Sí, es stoner rock. Sí, es una banda pesada. Pero es mucho más. La base de la banda es stoner y por lo tanto tiene su pesadez y su tono bluesero con aire de droga. Pero de un tiempo a esta parte, la banda ha pasado por mucho, tanto por dentro como por fuera. Es una banda que está en constante evolución, haciendo uso del verdadero significado de la palabra, pues no es que mejoren (definición errónea que se la ha dado a la palabra), sino que están en constante cambio. Pero es un cambio que sigue una línea. No van a hacer un disco sumamente pesado y al siguiente tocan solo baladas pop electrónicas. No. Es una evolución que va de a poco, tiene una linealidad. Y esto lo podemos ver en cada disco.

En su primer disco, “Queens of the Stone Age”, la banda era puramente stoner rock, incluso más densa que Kyuss. Tenía una base blusera muy fuerte, con un sonido más sucio, distorsionado y oscuro, un sonido de garage.

Para su 2do disco, “Rated R”, la banda perdería bastante su sonido denso y pesado llegando a un sonido un poco más limpio y agregando nuevas influencias, como rock and roll, folk, algo de rock alternativo e incluso algo de punk.

Para su 3er trabajo, “Songs for the Deaf”, la banda agregaría un toque más potente, enérgico, pesado y oscuro pero manteniendo la limpieza de su disco anterior y a su vez agregaría un poco más de swing, llegando a un sonido de metal alternativo.

En su 4to trabajo, “Lullabies to Paralyze”, la banda se tranquilizó un poco. Aún había energía, pero el álbum se asemejaba a los últimos trabajos de The Desert Sessions, un proyecto de Homme donde varios músicos de diferentes generos, como Mark Lenegan, Brant Bjork, PJ Harvey, Alain Johannes, etc., se reúnen para crear varios temas y finalmente un álbum. A su vez, para este álbum, Nick Oliveri ya no se encontraba presente y sin duda era un engranaje importante para la fórmula “pesada” de la banda.

En su 5to álbum, “Era Vulgaris”, nos encontramos con una banda retornando a esa energía pero con un sonido más rock and roll (recordemos que Homme tiene también una banda llamada Eagles of Death Metal cuya base es rock and roll y estaba en gran actividad en ese momento), glam rock e incluso algo industrial.
“…Like a Clockwork” nos trae un nuevo cambio en la banda, siguiendo, como los anteriores, una línea evolutiva.

Cuando uno escucha este disco, se da cuenta rápidamente que se trata de QOTSA: la base stoner sigue, las melodías desérticas están intactas y la potencia sigue ahí. Sigue siendo una banda pesada con mucha energía. Pero sin duda es un disco diferente. Bueno, cada disco es diferente, lo cual hace que uno se ponga contento sabiendo que la banda sigue encontrando territorios sin explorar.

Como es algo característico de la banda, lo “aprendido” no se deja por detrás. En este disco encontramos la suciedad del 1er disco, la versatilidad del 2do, la pesadez del 3ero, lo “alternativo” del 4to y el rock and roll y el glam del 5to. De todo esto, lo más notorio es lo último, pues es con lo que nos habíamos quedado la última vez que escuchamos algo nuevo de ellos y reafirma que la banda “evoluciona” y no “cambia”.

Lo industrial se ha perdido bastante. Eso no está mal. No era algo que caracterizaba al estilo de la banda en el disco anterior, sino más bien una forma de encarar la producción del mismo.
Sin duda hay mucho rock and roll. Se nota que lo que Josh Homme ha hecho junto a su colaborador Jesse Hughes en Eagles of Death Metal está presente en el actual sonido de QOTSA. Ya desde “Era Vulgaris” era notorio. La banda ahora tiene mucho más swing que en sus principios. A su vez, las guitarras hacen ritmos más claros y cortantes, sumándose al swing de la batería.

Pero tal vez lo más notorio es que, dentro de todo, es un álbum más tranquilo. Sigue teniendo mucha potencia y energía, pero no es esa crudeza como en “Era Vulgaris” o “Songs for the Deaf”. Hay algo de balada y un aire más épico y grandioso. Y esto es porque entre este disco y el anterior, sucedió algo muy importante: el nacimiento de Them Crooked Vultures, banda integrada por Homme en guitarra, Dave Grohl, líder de Foo Fighters y antiguo baterista de Nirvana, en batería y John Paul Jones, el grandiosísimo bajista de la amada banda Led Zeppelin, en bajo y teclados. Esta banda, entre otras cosas, se caracteriza por un sonido bastante épico. Entonces podríamos decir que esa energía, en vez de producirse por velocidad, suciedad y crudeza, se produce por mayor volumen y un sonido más espaciado con melodías y tiempos más imperiales.

Algo a destacar de este álbum, que hace aún más fuerte el pretexto anterior, es que Dave Grohl toca la batería en este disco. Anteriormente había participado como baterista en “Songs for the Deaf”, una participación que sin duda marcó una diferencia. También vuelven a aparecer viejos conocidos, como Nick Oliveri y Mark Lenegan en coros.
Como ya es costumbre desde “Rated R”, el disco está lleno de pequeños arreglos. Ninguno es muy notorio, pero son esos detalles que sumados entre sí forman un gran álbum.
“Keep Your Eyes Peeled” es de los temas más densos, haciendo una conexión entre el 1er álbum y “Era Vulgaris”.

“I Sat By the Ocean” nos lleva al lado rock and roll de la banda, con melodías más pegadizas, guitarras y baterías con mucho ritmo y hasta palmas. En el estribillo nos encontramos nuevamente con las melodías y acordes desérticos.

“The Vampyre of Time and Memory” es la 1er balada del disco. Es un tema bastante tranquilo y melancólico pero con melodías más psicodélicas.

“If I Had a Tale” empieza como un tema de rock and roll con un toque de glam, pero para el estribillo se vuelve más épico, pesado y sombrío que hace recordar a Them Crooked Vultures.

“My God is The Sun” tiene un principio que recuerda a “Songs for the Deaf”. Las guitarras aquí son algo a destacar, que en momentos recuerdan a las de Metallica en “Death Magnetic”. Es sin duda el tema más elaborado, con diferentes secciones. Es un tema con mucha energía y gloria.

“Kalopsia” nos lleva a una cara que nunca antes vimos de la banda. El estribillo sigue la línea del tema anterior, pero el resto de la canción (que es en su mayoría) es muy tranquila y cristalina, con una alta reminiscencia a aquellos temas tranquilos de Jimi Hendrix en sus últimos años, tanto por el ambiente como por las melodías de la guitarra.

“Fairweather Friends” es un ejemplo perfecto de lo que comente anteriormente: grande y épico. Es un tema con bastante volumen y energía y esto es logrado con melodías majestuosas, un piano de fondo tocado por el mismísimo Elton John, baterías no muy complejas pero con gran uso de los platillos y unos coros muy bien arreglados.

“Smooth Sailing” es el regreso del sonido de “Era Vulgaris”. Es el único tema con un sonido bastante industrial combinado con glam, logrado por guitarras distorsionadas con diferentes filtros a través de un wah-wah, guitarras super agudas y chirriantes, una batería con un ritmo bastante claro y con pocas piruetas, melodías cantadas en falsete y riffs de pentatónica de blues con un toque bastante punzante y cortado. En cierto modo, hace acordar un poco a David Bowie.

“I Appear Missing” es de los temas más tenebrosos del disco. Nuevamente hay que destacar las guitarras, sobre todo las que se encuentran cerca del final. Acá se llega al ambiente desértico con mucha energía pero sin la suciedad y la actitud pesada de los discos anteriores. Excelente ejemplo para demostrar lo que decía anteriormente.

Finalmente está “…Like Clockwork”, el tal vez mejor tema del disco. Es una balada per-se. Empieza con un piano simple y muy melancólico al cual se le suma la voz de Homme cantada más que nada en falsete trasmitiendo un sentimiento de perdición enorme. Casi por la mitad del tema, se agrega una guitarra simple pero con un sonido muy atrapante (algo que, de no ser Neil Young, pocas veces se ve). Aunque puede que no sea el tema favorito de uno (no es el mío), es el que más se aparta del trabajo anterior de la banda. Es el que define el enfoque de este álbum. Es el que demuestra que QOTSA ha evolucionado nuevamente.

Sin duda es un excelente disco, demostrando que esta banda siempre puede avanzar y encontrar nuevas formas de encarar su música. La fórmula es la misma de siempre pero, como en cada disco, con nuevos aderezos y manteniendo lo adherido anteriormente. Esto es lo que le da continuidad a la banda. Uno escucha este disco y el primero y se da cuenta que es la misma banda pero nota claramente los cambios. Y si uno escucha en orden cada disco, va a notar la línea que los une.

Aquellos que les haya gustado Them Crooked Vultures quedarán muy contentos con este disco, pues hay mucho de lo trabajado en esa banda, lo cual es inevitable, pues es lo más reciente del líder de la banda y a su vez, 2/3 de TCV se encuentran presentes.

Esperemos que esta banda siga sorprendiéndonos por varios años más y que siempre sigan con la misma seriedad y enfoque que han tenido hasta ahora.

La banda lanzó 5 videoclips de temas del álbum antes de su lanzamiento y aquí se los dejo:


Pero como debe ser, les dejo un link de Rock & Pop FM donde podrán escucharlo entero: http://www.fmrockandpop.com/2013/05/like-clockwork/



Hasta la semana que viene!!!

jueves, 16 de mayo de 2013

The Middle East - “I Want That You Are Always Happy”


Este blog se perdió el avión y quedó varado en Australia. Hoy les traigo otra banda de este país pero con un enfoque totalmente diferente.

Esta banda llamada The Middle East se formó en Townsville en el 2005. Luego de algunos toques por su ciudad natal y la costa este de Australia, incluyendo festivales como el  Woodford Folk Festival, e incluso en EEUU como la banda telonera de algunas bandas reconocidas como Grizzly Bear, se enterraron en el estudio y empezaron a grabar su primer EP titulado “The Recordings of the Middle East”. Previo a esto, la banda había dejado de tocar, pero fue por un período muy corto. Luego de algunos toques más, decidieron grabar su primer álbum, “I Want That You Are Always Happy”, lanzado en Abril del 2011. Pero en Splendour in the Grass Festival anunciaron que ese sería su último concierto. Luego de esto, la banda se separó y ahora cada miembro ha tomado su propio camino.

The Middle East es lo que uno denominaría como una banda muy versátil dentro de un rango de estilos no tan variados. La base de la banda es sin duda folk. Podemos encontrar cosas de Crosby, Stills & Nash, algo de Joni Mitchell, Nick Drake y varios de los folkies de los ’70. Pero también hay algo de country, algo de folk con influencias de blues, algo de rock al estilo sureño como Allman Brothers, algo de góspel. Todo esto con un sonido actual. Todo esto obviamente lleva a que la denominación general de la banda sea “Indie”. Pues está definición, en general, es una muestra de la baja calidad de la crítica musical, ya que se trata de una denominación utilizada para no gastarse en absoluto en analizar el contenido musical. Lo mismo para “Alternativo”.  ¿En qué mundo es Sonic Youth parecida a Coldplay o TV on the Radio? Y las 3 son denominadas como “Alternativas”. ¿Y en qué mundo es Yo La Tengo parecida a Bon Iver o The New Pornographers? Y las 3 son “Indie”. Basicamente, si el sonido es eléctrico y tiende a generar “espacios grandes” y “con mucho sonido” (y si además llega a tener un piano), entonces es “Alternativa” y si es más simple, con tal vez un toque de folk y bastante alegre y amigable, entonces es “Indie”. Pues en este caso, denominar a The Middle East como una banda “Indie” con varias influencias es encasillarla dentro de una categorización que les quitaría el valor que de verdad tienen. Y permítanme demostrarles porque.

Como les contaba, The Middle East tiene una base folk, pero es mucho más que eso. Nunca se van por lugares lejanos. Sin duda no nos encontramos con un “Houses of the Holy” de Led Zeppelin donde hay blues, reggae, funk, psicodelia, folk y de todo. Pero lo increíble es que, manteniéndose dentro del folk, country, rock actual, esta banda logra hacer que cada tema sea único, diferente a los demás.

No es un disco como el de Tame Impala en donde hay una búsqueda de un sonido particular para todo el álbum, donde cada tema funciona, pero es la unión lo que logra el gran trabajo. Aquí cada tema funciona como un mundo aparte, funciona por sí solo. Obviamente que el conjunto hace que el álbum sea genial, pero no hay un sonido en común. No es un disco con un concepto sonoro. ¿Es esto mejor o peor?  Ni uno ni el otro. Son 2 formas diferentes de elaborar un álbum y cada una tiene su vuelta. Cuando uno hace un disco conceptual, tiene que ser muy riguroso a la hora de elaborar ese concepto, pues debe generar homogeneidad a lo largo de todo el disco, generar un hilo conector y mantenerlo interesante. Puede haber alguna canción que se destaque más que otra, pero es el todo. Tiene que tener la capacidad de generar una necesidad de escucharlo entero (discos como “Who’s Next” de The Who, “Born to Run” de Bruce Springsteen, “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd, etc). En el otro caso, que es el de este disco de The Middle East, cada tema debe funcionar por sí solo. Cada tema debe funcionar como algo genial y único. El álbum no funciona por su unión, sino por ser un conjunto de grandes temas (discos como “Houses of the Holy” y “Physical Grafiti” de Led Zeppelin, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” de The Beatles, “Songs for the Deaf” de Queens of the Stone Age, etc.)

Es el caso de “I Want That You Are Always Happy”. Cada tema sirve por su cuenta, cada tema es único y ninguna suena como otro. Podrá haber una canción favorita y tal vez alguna que no guste, pero desde un punto de vista objetivo, uno se da cuenta que cada tema tiene su propia personalidad.

El disco ya arranca con un tema bastante oscuro, “Black Death 1349”. Uno diría que es triste, pero es más bien contemplativo, de un sentimiento introspectivo. Pero ya le sigue una de las gemas del disco, “My Grandma Was Pearl Hall”, un tema que destruye el alma, tanto por el piano como por las voces. Lo genial es el final del mismo: un solo de piano muy tranquilo y simple pero aniquilante como un puñal en el pecho acompañado de unos sonidos electroacusticos que, aunque no tienen una conexión coherente con la música, sirven perfectamente para evocar el ambiente del tema.

El tema más “conocido” sería el 4to, “Jesus Came To My Birthday Party”. Es un tema con una base folk, pero electrificada. Uno puede escuchar algo de Neil Young, sobre todo en la sección del solo de guitarra. Sin embargo los arreglos van por otro lado, tal vez un poco más pop. Tal vez se podría considerar como una mezcla de Neil Young, R.E.M. y un aire lejano de Fleetwood Mac.

También nos encontramos con temas con un toque más country como “Land Of The Bloody Unknown” y “Hunger Song”, folk-blues bastante pesado y desgarrador como “Mount Morgan”, folk más inglés al estilo que se encuentra haciendo Fleet Foxes como “Months”, algo más como rock suereño en “Dan’s Silverleaf”, algo con un toque más góspel en “Deep Water” y hasta un cuasi free jazz en el bonus “Mount Morgan End”

2 grandes temas del disco son “Hunger Song” y “Dan’s Silverleaf”. Ambos tienen arreglos bastante simples pero minuciosos, melodías bastante interesantes y originales y punteos de guitarras simples pero pegadizos. Pero lo que más los caracteriza es su ritmo. Son el tipo de tema que denomino “para la ruta”. Es una denominación muy subjetiva, pero al escucharlos entenderán a qué me refiero.

Algo que ayuda mucho es que la banda cuenta con 3 cantantes con voces muy diferentes. Por un lado tenemos una voz algo nasal muy entrañable, luego una voz mas sucia y gastada pero con gran pasividad y finalmente una voz femenina aguda y tierna que le agrega un toque más gentil a la música.

Como instrumentistas, ninguno se destaca por virtuosidad. Nadie va a hablar de ninguno de ellos como un grande en su instrumento. Sin embargo, hay que reconocer que es un conjunto que funciona. Los instrumentos por separados no serían la gran cosa, pero es al unirlos, al unir el detalle de este y este otro, que se logra una sonoridad espectacular.

Algo que llama la atención es el orden de las canciones. El disco empieza con temas folk tranquilos y de a poco va subiendo el volumen y la energía. Se mantiene un poco, explota con “Dan’s Silverleaf” y “Hunger Song” y de a poco va aflojando hasta despedirnos de una forma muy entrañable con “Deep Water” (ya que como dije, “Mount Morgan End” es considerada un bonus). Es una manera muy buena de ir llevando el viaje por este disco. Generalmente empezaría en explosión y terminaría en explosión, o se mantendría estático, o haría una mezcla de fuerte-tranquilo-fuerte-tranquilo etc. a lo largo de todo el disco.

Sinceramente quedé sorprendido con este disco. Cada canción es única y genial. Cuesta decidir cuál es la favorita del disco! Algo que me ayudó mucho a lograr amar este disco es el momento en el que lo escuché por primera vez y desde entonces lo he escuchado: en las afueras de la ciudad, preferiblemente en el campo, luego de la caída del sol. Es muy subjetivo, pero como sabemos los amantes de la música, nada mejor que los rituales para escuchar este arte.

Es una lástima que esta banda se haya separado, pero por suerte varios de ellos han iniciado carreras como solistas que dan ganas de seguir escuchando, como Bree Tranter y Rohin Jones, de quienes les dejo 2 links para que escuchen sus canciones. Debo admitir que la canción de Tranter llega a una soledad y oscuridad que no he escuchado en largo tiempo.



Dejo los temas del disco para que puedan escuchar


"My Grandma Was Pearl Hall"http://www.youtube.com/watch?v=Ev_pNMNiEhQ 
"As I Go To See Janey": (a partir de 8:25 en este link): http://www.youtube.com/watch?v=_SJKK4bBySA 
"Jesus Came To My Birthday Party"http://www.youtube.com/watch?v=GhQ6j68fcZs      
"Land Of The Bloody Unknown"http://www.youtube.com/watch?v=68DANp3e7v4             

"Mount Morgan"http://www.youtube.com/watch?v=M-KgDb30onc          
"Months"http://www.youtube.com/watch?v=0fLyIUCe1Pc          








Espero que les guste este gran disco y nos reencontraremos la próxima semana!


jueves, 9 de mayo de 2013

Tame Impala - "Lonerism"


Como arranque del blog, decidi escribir sobre esta banda que ya se está ganando su merecido lugar en la escena del rock actual.

Alla por el 2005, Kevin Parker formó una banda de blues-rock pscicodelico llamada The Dee Dee Dums, con la cual empezaría a desarrollar los proyectos que futuramente formarían parte del mundo de Tame Impala. Ya en el 2007, la banda cambiaría su nombre a Tame Imapla y luego de varios conciertos, la discográfica Modular Recordings se acercó a ellos para grabar un álbum.

Por Setiembre de ese mismo año lanzaron su 1er EP, el cual tuvo un gran éxito en Australia y con él, ganaron un gran número de seguidores.  Pero el verdadero boom sucedería en el 2010 cuando lanzaran su primer álbum titulado “Innerspeaker”.  Fue un enorme éxito, tanto en Australia como en países de Europa y llego a ganar el premio de “Mejor álbum del año” por la revista Rolling Stone. En varias reseñas se apreciaba la capacidad de Kevin Parker para mezclar el sonido de los 60’s con un enfoque más actual, lo cual es indiscutible.

Pero aún les esperaba más a estos muchachos, porque sería con su segundo álbum, “Lonerism”, del cual hablaré esta vez, que recibirían el reconocimiento debido. El éxito que ha tenido este disco es enorme, ganándose nuevamente el premio a “Mejor álbum del año” por la Rolling Stone así como varias otras revistas.

Tame Impala es sin duda una banda revival por donde se les quiera ver. Por un lado, su look es sin duda muy parecido del de las bandas psicódelicas pseudo-hippies de los 60, lo cual parece venir dentro de toda la bolsa de marketing de las productoras que contratan estas bandas (no significa que sea como en los 60 mismo que los obligaban a tener cierto look para vender más, pero sin duda que si la música ya viene con el look, la productora se ahorra mucho tiempo). Por otro lado la música tiene muchísimos elementos típicos del rock psicodélico de los 60s, sobre todo el under, rozando bandas como The United States of America, The Field Hippies, 13th Floor Elevators, Strawberry Alarm Clock y bueno, básicamente todo lo que presentaba aquella colección de singles de bandas under titulada Nuggets. A su vez podemos encontrar varios elementos de la época psicodélica de The Beatles, sobre todo la marcada en “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y “Magical Mystery Tour”.  Pero la banda también tiene un lado más garage, con cierto toque de The Yardbirds y el primer The Who. Debido a la calidad de producción de estudio y otros elementos como ciertas progresiones acórdicas y el swing de las baterías, uno se da cuenta que es una banda actual. Sin duda se puede encasillar dentro del Garage Revival que ha traído bandas como The Strokes, The White Stripes, The Vines, etc. Ha habido ciertas comparaciones con otra banda actual llamada Ty Segall Band (de la cual hablare también en algún momento). Sin embargo, Tame Impala carece de agresividad y “suciedad”. Más allá de su enfoque retro, es una banda que suena bastante limpia, otra razón por la que nos damos cuenta que es una banda actual.

Aunque Tame Impala lleva la denominación de “banda”, en verdad se trata de un proyecto de Kevin Parker, ya que, en el estudio, es él quien graba absolutamente todo: guitarras, teclados, batería, bajo, voces, etc. Ni en su EP ni sus 2 discos de álbum, salvo en algunos poquitos temas, hubo participación de otro músico más que Kevin Parker. Esto es sin duda algo a destacar. Aunque obviamente el concepto de “banda” se pierde totalmente, aunque no es algo con lo que parezca haber problema ya que ningún participante (en vivo) de Tame Impala parece quejarse, esto demuestra la capacidad musical e instrumental de Kevin Parker. Pero lo más asombroso es que demuestra que no es un hombre que llega al estudio y graba un número de canciones para poder hacer un disco y listo, sino que llega al estudio con una idea, un proyecto. Y esto se los intentaré confirmar.

En este álbum, Kevin Parker toca todos los instrumentos excepto el piano y teclados en “Apocalypse Dreams” y “Elephant". También participa Melody Prochet (con quien Parker colaboró en el 2012 en otro proyecto titulado Melody´s Echo Chamber y de quien también hablaré en un futuro) cantando textos hablados en "Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control".

Aunque Parker no ha comentado mucho al respecto, sin duda hay un concepto en este álbum, tanto en las letras como en la música. 

Por el lado del primero,  son letras bastante introspectivas , tratando sobre temas como el aislamiento, la soledad, la vergüenza; sentimientos de una persona con problemas de sociabilización (algo que hoy en día se está volviendo más común y que sinceramente creo que es la propia sociedad, por su constante sobrevaloración de la imagen y como uno luce ante los demás, tanto física como mentalmente, quien los ha creado).

Por el lado de la música, también hay un concepto. El disco tiene un sonido, un estilo. En ese sentido es bastante homogéneo. No nos encontramos con discos como los de Led Zeppelin a partir del IV en que cada tema era muy diferente y se exploraban varios mundos. Kevin Parker trajo un idea concreta, lo cual hace que el álbum se transforme en un todo. La música tiene una base de rock psicodélico típico de los 60 pero sin duda menos colgado, con bastante más beat, más movido. No vamos a encontrar ningún tema al estilo de “See-Saw” de Pink Floyd en donde la psicodelia llega al punto en que la música “te droga” y uno siente que estuviera flotando. Acá hay mucho ritmo. Esto lo hace sonar bastante actual, ya que el ritmo con bastante swing cuasi-maquina a-la-Ramones se ha vuelto muy común en las bandas de garage-indie hoy en día. Como tenía que serlo, obviamente el disco está plagado de sintetizadores (que en realidad suenan más a los de bandas de rock progresivo de los 70) y de sonidos sintéticos y concretos. Estos sin duda se adaptan al estilo musical y en su gran mayoría, a mi consideración, están bien utilizados, mezclándose a veces con el ritmo, la melodía y la armonía presente en el momento (un ejemplo es en el principio de “Be Above It” donde una segunda pista de la batería se desfasa para dar un efecto de mayor velocidad o en la unión de la primera y segunda parte del verso de "Why Won't They Talk to Me?", donde un sonido sintético granular va aumentando su velocidad y altura hasta llegar a una “explosión” y uniendo estas 2 partes). Sin embargo, hay momentos en los que estos sonidos no tienen sentido y parecen un set de fuegos artificiales, como si fuera una demostración del nuevo “juguete” de la banda y nos decimos “Bueno chicos ya entendimos que son locos y tienen juguetes interesantes”. Aun así, nunca llega a una exageración muy grande y no impide seguir escuchando el disco tranquilamente.

Como dije anteriormente, el disco no es agresivo ni sucio. Es bastante limpio y amigable. Lo más agresivo que se encuentra aquí, y que sin duda se separa del resto del disco, es el tema “Elephant”, un tema, dentro de todo, bastante sucio y con fuerza, con bastante distorsión. Es un tema que suena mucho al estilo de Jack White en sus diferentes proyectos.

Según Parker, el álbum está enormemente influenciado por el Pop plástico a-la-Britney Spears. Quería un álbum audible y fácil pero inteligente. En mi opinión, no tiene absolutamente nada de Spears, por ningún lado. Y para ser sincero, habría sido tétrico tratándose de una artista que no ha aportado absolutamente nada a la música y su éxito se debió a un buen marketing y no creo que sea recordada por su música. Pero es verdad que hay algo de “audible y fácil” en el disco. Yo lo asemejaría más a The Beatles. Las melodías, además de la voz de Parker que tiene una gran reminiscencia a la voz de Lennon en la época psicodélica de The Beatles, tienen mucho en común. Y una de las cosas que tuvo esta gran banda fue el tener melodías fáciles y pegadizas.

Pero la verdadera máxima influencia de este disco fue “A Wizard, A True Star” de Todd Rundgren, un disco que también maneja todas estas cosas y más, como sonidos sintéticos y concretos para crear paisajes sonoros, elemento que también es muy importante en este disco de Tame Impala.

El 2do trabajo de Tame Impala es sin duda una joyita de la escena del rock de hoy en día y porque no del rock en general. Es un disco que trae una propuesta sonora consistente y homogénea. Es sin duda un disco conceptual, tanto del lado lírico como musical. Y lo increíble es que es recién el 2do trabajo discográfico de la banda (bueno, el 3ero contando el EP), lo cual abre la posibilidad de que en el futuro lleguen con cosas aún mejores. Gran banda, gran disco.

Como será costumbre en este blog, dejo links para que puedan escuchar los diferentes temas:

"Mind Mischief"http://www.youtube.com/watch?v=IF5E2X55_kg             
"Music to Walk Home By"http://www.youtube.com/watch?v=5LLEefqlc84          
"Why Won't They Talk to Me?"http://www.youtube.com/watch?v=HQ7hdF7Xyns               
"Feels Like We Only Go Backwards"http://www.youtube.com/watch?v=wycjnCCgUes     
"Keep on Lying"http://www.youtube.com/watch?v=0YGNdAQsI4o              
"She Just Won't Believe Me"http://www.youtube.com/watch?v=-AiXNnpvTBk    
"Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control"http://www.youtube.com/watch?v=C1VelTQ3hdY     



Hasta el próximo viernes