tag:blogger.com,1999:blog-11053588476771193482024-03-05T07:48:43.198-08:00 Hobo BluesSantiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.comBlogger31125tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-59555534450938253552019-09-24T07:23:00.003-07:002019-09-25T05:09:24.062-07:00Mansalva - "Invocar"<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaz19sSs7RD6SOe4X2Vn3nLwi1CXBsIgh82jVBgGzXkYvGr9KovMSc0CkhdiUZYFpn6CogjfOzPUzGYcm2_BnGmBfDILWUwCDEMEUpculn_6OywYvXQ4jbWysxH7Rr6bftWDunbrp5EiLg/s1600/a3380863665_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaz19sSs7RD6SOe4X2Vn3nLwi1CXBsIgh82jVBgGzXkYvGr9KovMSc0CkhdiUZYFpn6CogjfOzPUzGYcm2_BnGmBfDILWUwCDEMEUpculn_6OywYvXQ4jbWysxH7Rr6bftWDunbrp5EiLg/s400/a3380863665_10.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La realidad uruguaya siempre ha sido
desfavorable para el arte. Teniendo en cuenta que es un país
bastante tradicional y conservador en lo que a cultura concierne (y
bueno, si uno cree que la cultura es uno de los máximos referentes
que definen a una sociedad, tal vez podemos hasta extender esta
declaración), sumado a la comodidad y desinterés por la vida activa
desde un aspecto humano y filosófico, algo que varios declaran como
en estado creciente, uno puede imaginar que hacer arte, del que sea,
es algo no sólo difícil, sino que parece imposible....e imagina
bien.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Cuando hablo de arte no hablo sólo del
hecho práctico, sino del arte como una expresión y desarrollo del
ser, que incluye no sólo la relación afectiva-emocional, sino, a su
vez, un trabajo intelectual constante y en constante diálogo con esa
práctica. Arte como una expresión emotiva, filosófica, ideológica,
política, social, o sea, una expresión humana.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">No hay que olvidarse que la sociedad a
nivel mundial no sólo desvalora cada vez más el arte (y por ende
las humanidades....y por ende la cultura), sino que, en general, para
todo, hay una actitud de consumidor pasivo: la información corre
automáticamente mientras uno está ahí, quieto, sin interactuar
realmente con esa información, y uno pesca lo que se engancha a las
antenas receptoras de uno. Y esto es algo de lo que Uruguay no
escapa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Unos podrán decir “....pero no todo
tiene que ser nuevo”. No, claro que no. De hecho, es imposible,
pero seamos sinceros: en Uruguay poco y nada lo es y mucho menos bien
recibido. No hay interés en ello. Hacer arte, el que sea, que
proponga algo realmente diferente no despierta la curiosidad e
interés de la enorme mayoría. Basta con ver qué se premia, qué se
reseña, qué suena en las radios, qué se comparte en las redes, a
qué conciertos se atiende. Y esto, todo lo mencionado, no sólo por
parte del público. Los músicos también.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero falta otro gran detalle: TODO
esto, en su enorme mayoría, es arte generado por hombres. Porque el
machismo no escapa ni en el arte en este país. La mayoría de las
propuestas son por hombres, la mayoría de las reseñas, los
espacios, todo. Hay menos oportunidades para las mujeres para hacer
música que para los hombres. Y no es porque no quieran. Varias de las
personas más interesadas en la música que conozco son mujeres.
¿Pero qué motivación va a haber en hacer algo en lo cual van a
tener muy poco espacio? Y aún más, teniendo en cuenta que las
propuestas novedosas, o que intentan buscar un giro de tuerca y no
caer en la complacencia del público, son cuasi escasas, sumado a lo
anterior....¿qué motivación va a haber para una mujer hacer música
y sobre todo con esta actitud para, en fin, arrojarse a un charco sin
agua? Para peor, cuando se intenta ser compasivo, la discriminación
sigue. Basta con escuchar frases como “...y es mujer!” cuando se
trata de una propuesta bien lograda.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">En este panorama bastante desencantado
y que no motiva mucho, han aparecido en los últimos tiempos algunas
artistas que se han animado a recorrer este camino, propuestas serias
y con un trabajo fino y comprometido. Y estas propuestas además, de
alguna forma, parten de algo en común: la tradición de la canción
popular uruguaya más “experimental” (uso comillas porque es un
término que desprecio, pero en este momento no se me ocurre otro y
de esta forma se va a entender), una forma que ha sido dominada por
hombres desde su inicio y que ahora en los últimos años ha sido
tomada por varias mujeres, algunas con varios de los trabajos más
interesantes en los últimos tiempos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Una de esas propuestas, que es la que
nos concierne esta vez, es Mansalva.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El cuarteto está formado por <span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><span style="font-style: normal;"><span style="font-weight: normal;">María Eugenia (coros, guitarra), Eva Luna (coros, percusión), Mika
Echeverría (Voz) y Sofá Alves (guitarra)</span></span></span></span><span style="font-size: small;">
</span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Su
trabajo es reciente, habiéndose formado en el 2017. Su primer
lanzamiento (y por ahora único), “Invocar”, fue grabado en vivo
el 18 de noviembre de 2018 y lanzado el 23 de diciembre del mismo
año. Por ende, podríamos decir que hablar de este disco es hablar
de la música de Mansalva, y eso haré.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDPYFR0ao012wUwgh2FPlN8AcJNXZWzw6vfYAGxc7QgTB1kwX2XuRmPEPQUtyhmqxFYeChxIYTBmVT0N0L58T5wYXGY0sP5RM2QGe8stOsy0iWeHv6MwePUNWHOBUOP6VG7Tfo7xd28L6h/s1600/930768b7-2f3a-4826-a87f-77d4749d8d54.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1067" data-original-width="1312" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDPYFR0ao012wUwgh2FPlN8AcJNXZWzw6vfYAGxc7QgTB1kwX2XuRmPEPQUtyhmqxFYeChxIYTBmVT0N0L58T5wYXGY0sP5RM2QGe8stOsy0iWeHv6MwePUNWHOBUOP6VG7Tfo7xd28L6h/s320/930768b7-2f3a-4826-a87f-77d4749d8d54.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Como
dije anteriormente, se podría decir que siguen la tradición de la
canción popular uruguaya “experimental”, por lo cual, tienen
algo que las hace sonar uruguayas. Pero esto puede significarse
varias cosas teniendo en cuenta que, aunque muchos puntos de
conexión, los antecesores eran diversos (como Mateo y Lazaroff). En
este caso, hay de esos 2 ejemplos y más.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: small;">Por
un lado, la música de Mansalva es clara y “económica” (simple
no sería el término correcto). No hay una sobrecarga de arreglos ni
de capas. En cada una de estas últimas, lo que hay es concreto. No
hay una especie de líder ni individualismo, sino que cada pequeño
objeto está al servicio de los demás y así se forma un “todo”.
E incluso una vez formado ese “todo”, sigue siendo claro y
concreto. De alguna forma, toda la información está puesta a la
vista y uno la atrapa rápidamente. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: small;">Pero
por otro lado hay un grado de abstracción bastante interesante. Las
letras tienen un tono bastante oscuro, contemplativo y hasta triste.
Las melodías son siempre cantadas entre una voz requebrajada y un
canto bastante estridente, acompañada de coros suaves hasta en el
momento de mayor dinámica. Las guitarras (adrede o no, consciente o
inconscientemente) pretenden acercarse a acordes tonales pero están
infectadas de microtonalismos por las afinaciones. Y en general la
energía de la música lidia entre la calma y la tensión. Así se
crea un ambiente bastante oscuro y desesperanzador, una especie de
reflejo y visión no muy positiva de la realidad que rodea a estas
artistas. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">La
mezcla de estos 2 lados, la claridad y “economía”, y la
oscuridad y la tensión, hacen que el ambiente que se intenta
generar, llegue a uno con la primera escucha y al apenas comenzar. A
la vez, hace que esa simpleza se equilibre, sostenga y hasta
justifique con lo difuso que genera ese otro lado, que, nuevamente,
se trata de esas melodías que parecen estar sostenidas por palillos
o que revientan para transformarse en otra voz, o los arpegios de
guitarras que logran cuasi consonancias, siempre rozándose pero
nunca encontrándose de verdad.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Es
que el interés del juego entre las armonías de las guitarras y las
voces no van por lo que son en lo macro, sino en lo micro. No es el
contorno melódico general, sino lo que pasa entre nota y nota. Y lo
mismo con las armonías de las guitarras. A la vez, en la forma y
estructura de las canciones, no es la forma general lo que interesa,
sino esos pasajes que conectan una sección y otra, pasajes que a
veces son cortos, como un estallido, y hacen que esa linealidad por
un momento se corte.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">No
hay que dejar atrás la percusión, que siguiendo esa línea
“económica”, es siempre la base de cómo se “mueve” la
canción. A veces son pequeños detalles y arreglos sobre una base
cuasi estática. Otras son cambios más bruscos. Pero lo más
interesante es que en vez de dejar el trabajo de definir cada sección
a la parte armónica y melódica, como suele suceder en una enorme
cantidad de ejemplos de música popular con descendencia occidental,
aquí la percusión también logra definir cada sección por su
impronta, tal vez más que los demás. Todo esto siempre llevado a
través de guiños de ritmos de folclore latinoamericano, algo que
muchas veces las guitarras también incorporan.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF-NtJyEyywzOcfD08jyw-LDxW9pE0yNEJpbAdsJtFaAXqotcPpDbnNUs3hDBs5D3uGMLOArvER9BrHAxowS6MCdWLTATa0auozUXeS5j55UU0ouDRe5YRIp4goCwBrlWEbgAOctMBONm0/s1600/BLZ_0527.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1068" data-original-width="1600" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF-NtJyEyywzOcfD08jyw-LDxW9pE0yNEJpbAdsJtFaAXqotcPpDbnNUs3hDBs5D3uGMLOArvER9BrHAxowS6MCdWLTATa0auozUXeS5j55UU0ouDRe5YRIp4goCwBrlWEbgAOctMBONm0/s400/BLZ_0527.JPG" width="400" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Volviendo
a las armonías y melodías por las guitarras y voces, uno podría
decir “está desafinado”. Bueno, eso sería una lectura
incorrecta. Para empezar, “afinado” es en base a un sistema
deliberado, el que sea. Segundo, siempre es en referencia al sistema
temperado occidental, que para muchos es el punto de partida de lo
que “es” naturalmente, y que el resto son deformaciones de ello.
Tercero, ese sistema es uno de tantísimos más, y ni siquiera es el
más añejo (de hecho, es de los más nuevos). Cuarto, y más
importante, deliberado o no, consciente o inconscientemente, esas
afinaciones son las que la banda decidió usar, y están en todo el
disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">La
razón por la cual uno podría llegar a esa conclusión es porque el
discurso musical no escapa de algo tradicional, o sea, son canciones,
y a la vez todo apela a acercarse a algo tonal o modal, o sea,
melodías y armonías más tradicionales. Esa mal denominada
“desafinación” es la afinación de esta música, y es lo que
hace que suene de esta manera y no de otra, y más que nada, que
suene a algo peculiar y no mundano.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Porque
lo que logra esto es que esa claridad que se da en la presentación
de los elementos, engaña con que la misma también esté en los
elementos mismos. Y ahí está la trama: saber dónde es y dónde ya
no es, pero no saber bien a partir de dónde. Uno puede saber que no
es tal acorde y creer que está más cercano a tal otro (o que simula
ser ese), pero no se sabe exactamente dónde. Uno puede decir si la
voz está requebrajada o está cantando en un sentido más
tradicional, pero nunca está del todo ni en una ni en la otra, y el
peso de la melodía más tradicional sigue ahí.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Algo
que claramente define este disco, y por ende la banda, es cómo logra
pasar varios ambientes, cómo logra presentar diferentes arreglos,
incluso algunos contrastantes, y nunca alejarse ni de la idea de
“economía”, y aún más, sin nunca alejarse de los materiales en
su “estado puro”. De alguna manera, se logran diferentes
contextos no mediante el uso de diferentes elementos, sino por la
recontextualización. Es que hay algo interesante en la música en
general: un objeto “es” por sí solo, pero “es”, en fin,
según su contexto; A es A, pero A puede ser B si el contexto lo
obliga a devenir en B.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Es
que en el fondo es una música que, por más que sea canción, tiene
un gran pie en algo ritualista, algo que es muy reforzado por
plantear una idea y dejarla estática, en un paulatino desarrollo, o
transformando el mismo objeto en otro simplemente por combinarlo con
otro.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">El
disco empieza con “La niña”, un tema que, por un lado, tiene una
clara forma A-B-A'-B', siendo A una parte más calma, mientras que B
tiene una dinámica más fuerte (es interesante como la percusión a
su vez adopta un ritmo diferente para cada una). Pero por otro lado,
parece ser un tema que no va a ningún lugar, pues se escucha
constantemente una nota pedal en La y la armonía es siempre la
misma. Es como si fuera una gran forma y dentro de sí adopta otras,
varias partes dentro de una sola gran parte. A diferencia de los
otros 3 temas, aquí claramente la voz es estelar, mientras que los
instrumentos marcan los cambios de parte pero manteniéndose en ese
cuasi estatismo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHlf4hXeh1zmkUa0H1V5g07WBCyxT4nazljvDsPRjVopdqeRs3Vd_Y9g9D0PnkhEAZFEHimKxHwQfen2Yoi-dIoHjSz58coMxhzIkmYWagUmEEytbyyC_z919VaufofFRpMQhDLoBDiYBq/s1600/IMG-20190505-WA0003.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHlf4hXeh1zmkUa0H1V5g07WBCyxT4nazljvDsPRjVopdqeRs3Vd_Y9g9D0PnkhEAZFEHimKxHwQfen2Yoi-dIoHjSz58coMxhzIkmYWagUmEEytbyyC_z919VaufofFRpMQhDLoBDiYBq/s320/IMG-20190505-WA0003.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">El
segundo tema, “Idea”, debe ser la gema del disco. Ya desde el
inicio, con el contrapunto de<br /> arpegios de la guitarras que evidencian
estas afinaciones microtonales y el platillo frotado, se nos presenta
un ambiente bastante peculiar. Algo interesante es como el tempo de
los arpegios va aumentando en form exponencial sin que uno lo
perciba, llegando a la estabilidad cuando empieza la letra. A esta
creciente la acompaña el desarrollo de la percusión que poco a poco
se va formando (y cabe destacar los arreglos simples pero drásticos
a lo largo del tema).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: small;">Nada
como el microtonalismo de los arpegios de las guitarras finalizada la
primera parte de la letra, que aumentan su velocidad y se forma un
entretejido tan claro como difuso. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Es
también interesante como las voces juegan por el mismo lado que las
guitarras, sea adrede o por verse “infectadas” por el contexto
que dibujan las últimas. Seguramente el punto álgido de la voz
principal en el disco sea en la 2da sección del tema.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">La
consonancia “imposible” final cierra de manera tan inconclusa
como fue el tema entero.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“<span style="font-size: small;">Niño
calor”, por más que sea el tema más accesible y asemejado a algo
de rock alternativo de los '90, contiene varios arreglos
interesantes, destacándose aquellos por la guitarra eléctrica que
lidera en todo el tema. Mientras que esta última y la percusión
llevan adelante el tema con ritmo y bastante swing, la voz hace suyo
el espacio no tomado por los demás y decanta en una melodía
bastante estirada que evidencia su pulso sólo gracias al
acompañamiento. Algo llamativo es el arreglo que hay en el 2do verso
de las primeras 2 estrofas, que siempre va sube la dinámica y la
tensión de esa calma, pero a cada palabra estelar le da su color
(“sangre” por un lado, y luego “suspiro”). Es sin duda el
tema más delicado y cristalino del disco.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“<span style="font-size: small;">Mujer
tortuga” cierra el disco. Empieza con unos guiños de malambo
llevado de la mano de una guitarra y una voz bastante calma, pero
pronto empieza a crecer en algo más psicodélico (logrado por la voz
acompañante). Es interesante como en el pico de intensidad, la voz
parece quebrarse más de lo que en realidad está gracias a la
distorsión que genera el micrófono, un efecto que da un color más
personal a esa sección. “Quietita en tu lugar”, la frase final
con un retorno al dúo de voz y guitarra en un estado calmo, despide
el disco de la misma manera que empezó: intensa y problemática.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXEGNoC1-H-og9wEbDuO8gWWT_pXfGyPjJH8vetkx83f490QkAmx-NKTy2p4Pe9bxvFeYH6Ksg1QI7dZa0eQhgfxViMwgaY-sOjhCx79ac1fsAzW-66hTrVE6mOwg3qDPsqRxDwjQ0NhQu/s1600/BLZ_0558.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1068" data-original-width="1600" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXEGNoC1-H-og9wEbDuO8gWWT_pXfGyPjJH8vetkx83f490QkAmx-NKTy2p4Pe9bxvFeYH6Ksg1QI7dZa0eQhgfxViMwgaY-sOjhCx79ac1fsAzW-66hTrVE6mOwg3qDPsqRxDwjQ0NhQu/s320/BLZ_0558.JPG" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Hay
que admitir que como disco debut, es un tremendo disco. Todas las
composiciones tienen ya en la base algo interesante y particular, y a
esto se le suman varios arreglos que van adornando y dándole forma
para llegar a una imagen sonora más personal. Es que es un disco con
una personalidad definida, y sorprende el grado de madurez que tiene
el material tratándose de una banda de artistas que recién empieza.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Las
voces, las guitarras, las percusiones, los arreglos en la forma y la
estructura, los contrastes entre secciones y sub-secciones, todo está
ya en un nivel que no sólo no tiene nada que envidiarle a una gran
mayoría de materiales uruguayos que andan por la vuelta
recientemente (e inclusive hace tiempo), sino que ya se arroja desde
el principio en una búsqueda sumamente personal y arriesgada.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;">Mansalva
ya en su primer disco marca un territorio muy interesante y dejan las
ganas de saber en qué evolucionará esto. El potencial es enorme. Y
es por que es música comprometida con la causa, con el momento en el
que se vive y con lo más interesante del arte: aportar una nueva
visión, sin temerle al riesgo, de manera honesta....tal vez lo que
más se precisa en el mundo hoy en día.</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El disco se puede escuchar en su sitio Bandcamp: </span><a href="https://mansalva.bandcamp.com/">https://mansalva.bandcamp.com/</a></div>
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Y LO MÁS IMPORTANTE:<br />
El jueves 10 de octubre se estarán presentando en la Sala Camacuá, a las 21hs, junto a otro conjunto uruguayo, Maleza. La mejor manera de conocer y apoyar su arte, es presenciarlo en vivo</div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ugtU1ArBJRjxVHVnAfe7w_VrpjHzjBFSlep6s-ZQ1lUA0vINB-9gwgbLKJBuDi0NAVgzuFNwL3B0X1ecTaHoWkIhUEuu4eHM4g9UcyBOFX61zg70vV_Yj04zUv0Ny-2iZuZAjFKVG2_F/s1600/cc8a522b-25d7-4eb9-8646-95b1150c443e.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1522" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_ugtU1ArBJRjxVHVnAfe7w_VrpjHzjBFSlep6s-ZQ1lUA0vINB-9gwgbLKJBuDi0NAVgzuFNwL3B0X1ecTaHoWkIhUEuu4eHM4g9UcyBOFX61zg70vV_Yj04zUv0Ny-2iZuZAjFKVG2_F/s400/cc8a522b-25d7-4eb9-8646-95b1150c443e.jpg" width="380" /></a></div>
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<br />Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-69215254262977518912018-11-08T13:17:00.001-08:002019-02-19T11:01:27.814-08:00Juan Ibarra - "Naumay"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWfNlFgweuVyHAofuXtAlhvSaV2IcGZ-eBsz6hk3TXsrKdRlk4jUL3KvjnZC-thDzUkuyWDbb_qmj9_hc_1o6wRgM1OVpdE-WhLJ1C-KzDz9bC93btMyc6raAXz7CIcMr4rrXmff4ePye3/s1600/1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="471" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWfNlFgweuVyHAofuXtAlhvSaV2IcGZ-eBsz6hk3TXsrKdRlk4jUL3KvjnZC-thDzUkuyWDbb_qmj9_hc_1o6wRgM1OVpdE-WhLJ1C-KzDz9bC93btMyc6raAXz7CIcMr4rrXmff4ePye3/s400/1.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
El tiempo parece ser uno de los grandes problemas hoy en día. Bueno, tal vez siempre lo ha sido, pero quién escribe no llega a los 30 y todo lo anterior es historia (incluyendo casi la mitad de la vida propia).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
La duración del día no ha variado, pero bien sabemos que el pasaje del tiempo es una interpretación, la cual varía entre persona y persona, cultura y cultura, época y época. Hoy parece ser que, en general, esa percepción concluye en que el tiempo avanza a una velocidad extremadamente rápida. Hay mucha información, más la supuesta necesidad de absorberla toda (aunque en la mayoría de los casos ese “todo” es el dictado por fuerzas externas). Cuanto más variedad, supuestamente mejor. No hay posibilidad de tomarse gran tiempo en cada cosa, menos si estas no traen consigo una rentabilidad tangible.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
La música no escapa de esto. Cuanto más corto, mejor. Cuanto más simple y claro, mejor. Cuanto más digerido y explicado previo a la confrontación con la misma, mejor. Esto obviamente es tomado por la industria, que es quién decide qué se expone y qué no a las masas, y por ende, obviamente limita el abanico musical con el cual esa masa puede toparse. Esto deja afuera a un sinfín de posibilidades de expresión, y obviamente que el jazz es uno de ellos.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Cuanto más corto, mejor, pero no se va a encontrar jazz que dure de 3 mins para abajo. Cuanto más simple y claro, mejor, pero el jazz es, casi que por definición, algo complejo, a menor o mayor medida. Cuanto más digerido y explicado, mejor, pero no hay palabras ni explicaciones en el jazz (es más, por lo general los músicos de jazz las desprecian para justificar su música…y con buena razón).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Entonces la gran pregunta es: ¿cómo hacer jazz en un momento en el cual la complejidad, la larga duración y más que nada las preguntas (antes y después de la experiencia) son despreciadas por la cultura? Y más aún: ¿cómo hacer jazz en esta sociedad y en un país (siendo en este caso Uruguay) donde, en gran medida, no hay una tradición de jazz con la que la sociedad se sienta representada (además de que siempre se ha caracterizado por darle más aplausos a lo extranjero que a lo nacional, merecido o no)? Aún más aún: ¿cómo empezar casi de 0, con menos de 30 años, una escena de un lenguaje musical que intenta presentarse en un lugar donde las condiciones dan como conclusión teórica un total fracaso?</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
<img alt="19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n" class=" wp-image-51 alignleft" data-attachment-id="51" data-comments-opened="1" data-image-description="" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"0"}" data-image-title="19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n" data-large-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=354&h=354?w=960" data-medium-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=354&h=354?w=300" data-orig-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=354&h=354" data-orig-size="960,960" data-permalink="https://hobobluesuy.wordpress.com/2018/04/16/juan-ibarra-naumay/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n/" height="354" sizes="(max-width: 354px) 100vw, 354px" src="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=354&h=354" srcset="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=354&h=354 354w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=708&h=708 708w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=150&h=150 150w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/19399862_1590904404261724_1477274297864376569_n.jpg?w=300&h=300 300w" style="border-radius: 3px; border: 0px; display: inline; float: left; height: auto; margin: 5px 20px 10px 0px; max-width: 100%; vertical-align: middle;" width="354" />Esa pregunta hace un tiempo se la están intentando responder un grupo de jóvenes que han creado, en mi opinión, lo que es una nueva escena de jazz uruguayo, con un sonido actual y propio. Es un colectivo reducido pero muy fuerte y más que nada, perseverante.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Este colectivo está conformado por (y disculpen si me olvido de algún nombre) Gonzalo Levin y Benjamín Barreiro (saxofón), Juan Oliver y Federico Lazzarini (trompeta), Martín Ibarra, Manuel Rey, Santiago Olariaga y Jeremías Di Polito (guitarra), Maximiliano Nathan (vibráfono), Manuel Contrera, Federico Ahunchain e Ignacio Labrada (piano), Antonino Restuccia (contrabajo), Juan Ibarra y Mateo Ottonello (batería).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Todos estos músicos tocan juntos frecuentemente. Algunos hasta más de 2 veces por semana. Todos han colaborado en 1 o varios discos de ellos mismos (varios bajo el sello independiente Domus Jazz).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Musicalmente, aunque no tienen una originalidad absoluta y es fácil rastrear sus más directas influencias, tienen su propio estilo.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Si trazáramos una línea temporal, podríamos decir que lo suyo nace de la escena del post-bop de los ’60, aquella del entonces increíble colectivo de gente como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Joe Henderson, James Spaulding, Tony Williams, Ron Carter, Freddie Hubbard, Lee Morgan y Bobby Hutcherson, y en paralelo, al estilo más de cámara de Bill Evans. Esa línea continuaría hacia el jazz fusión muy arraigado al sello ECM, que se caracteriza por una fuerte combinación de esos 2 mundos con un agregado de algo “ambiental”, para luego llegar a lo que les es más cercano, que es ese jazz post bop con una fuerte conexión con el rock alternativo de los ’90 y ’00 de gente como Brad Mehldau, Brian Blade, Joshua Redman, Kurt Rosenwinkel, Jakob Bro, etc. A todo esto se le añade un ingrediente super importante: el candombe.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
¿Qué da como resultado todo esto? Una música de armonía bastante clara, melodías muy cantables, sobre una base rítmica super contrapuntística, que a veces ronda en algo con un pulso muy marcado y a veces en un pulso cuasi flotante (sin nunca perder la raíz de donde parte), con improvisación que, por más que en momentos hay estelar, nunca se separa del todo del conjunto general, el cual siempre está totalmente activo.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
De alguna forma es una música de ensamble en su mayor definición: todos hacen un solo y a la vez nadie hace un solo; todo parece una gran unidad pero a la vez hay varias capas sucediendo al mismo tiempo; todo está arraigado a un tiempo, pero ese tiempo, más que un punto, es una zona. Encontramos momentos en los que el solista-acompañamiento es más prominente y evidente, pero en otros (y tal vez en su mayoría), la música es un gran ensamble, que van todos juntos hacia el mismo lado.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Todo esto se da para lo que parece ser una forma de trabajo consciente de este colectivo: la improvisación y la composición son ambas de igualmente importantes, ninguna está al servicio de la otra. Nunca vamos a encontrar una composición “fácil” que permite una improvisación más libre, ni una improvisación super restringida por las reglas compositivas. Cada tema, por lo general, tiene un alto grado de composición, tanto armónico como melódico y rítmico, intentando darle un carácter particular (siempre siguiendo la línea estética general), y la improvisación siempre intenta ser el mejor desarrollo dentro de ese contexto. Pero ambas cosas nunca deben perder de vista lo que ya he dicho y vuelvo a reiterar: el ensamble es lo más importante.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Y es esto último tal vez lo que evidencia más que nada la importancia del candombe en su música: no es sólo un lugar de donde parten para llegar a un resultado sonoro, sino que es más bien una forma de pensar la música. Es más, en muchísimos momentos de la música de este colectivo no se escuchará nada de candombe, en absoluto. Pero al escuchar toda la música de ellos, uno se puede dar cuenta que como concepto de trabajo, la unidad de varios componentes que dan como resultado 1 solo (más allá de sus múltiples planos) es algo que está siempre presente.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Naumay”, lanzado el 3 de enero de este 2018, es el disco debut de Juan Ibarra como líder, y sería el 8° del sello Domus Jazz (todos se pueden encontrar en el sitio oficial: <span lang="zxx"><a href="http://domusjazz.com/" style="background-color: transparent; color: #0087be; text-decoration-line: none;">http://domusjazz.com/</a></span>).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
<img alt="24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o" class=" wp-image-39 alignright" data-attachment-id="39" data-comments-opened="1" data-image-description="" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"0"}" data-image-title="24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o" data-large-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=416&h=277?w=1024" data-medium-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=416&h=277?w=300" data-orig-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=416&h=277" data-orig-size="2048,1365" data-permalink="https://hobobluesuy.wordpress.com/2018/04/16/juan-ibarra-naumay/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o/" height="277" sizes="(max-width: 416px) 100vw, 416px" src="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=416&h=277" srcset="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=416&h=277 416w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=832&h=554 832w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=150&h=100 150w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=300&h=200 300w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24837700_1894942300835825_3299817527735029546_o.jpg?w=768&h=512 768w" style="border-radius: 3px; border: 0px; display: inline; float: right; height: auto; margin: 5px 0px 10px 20px; max-width: 100%; vertical-align: middle;" width="416" />Aquí nos encontramos con Juan Ibarra (batería), Gonzalo Levin (saxo soprano, alto y tenor), Antonino Restuccia (contrabajo), Martín Ibarra (guitarra) e Ignacio Labrada (piano) como el quinteto principal. También cuenta con Benjamín Barreiro (saxo tenor) y Federico Lazzarini (trompeta) en 2 temas.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Más allá de las similitudes que comparte el colectivo en general, este disco, como todos, tiene su propio sonido.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Para empezar, cada tema contiene una armonía “simple” y clara, dejando desarrollar cada acorde, lo cual permite un mayor trabajo en lo rítmico y melódico, tal vez en un sentido más pop, pero siempre con un gran énfasis en lo rítmico. De alguna forma, es un contexto más “popero” donde se llevan a cabo conceptos de jazz.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Las melodías son siempre claras y muy cantables. Por lo general, de notas largas, que hace que cada nota empiece como parte de la melodía pero de a poco se permeabilice entre todos los demás instrumentos y deje de ser protagonista.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Como había dicho, la composición es tan importante como la improvisación. Nos encontramos con temas que rondan entre los 8 y 10 minutos, cada uno con varias secciones, muchos arreglos. Es un disco que, a diferencia del formato de jazz clásico, en el cual se tiene un tema y se repite varias veces para darle espacio a la improvisación a cada músico, o sea, algo así como un círculo que se repite, aquí cada tema tiene su principio, desarrollo y fin.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Estas composiciones, esta música, tiene siempre un carácter muy épico, grandilocuente, algo que obviamente es el resultado, en parte, por este acercamiento tan compositivo. O sea, más que temas, son piezas.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Las influencias son claras y en momentos evidentes, aunque aún así tiene su propio carácter y nunca se podría decir “esto es un plagio”. Tal vez los principales nombres que vienen a la cabeza (en el caso de quien escribe), además de los previamente nombrados, serían Avishai Cohen, Brad Mehldau, Brian Blade, Pat Metheny y Paul Motian. Los 4 primeros son claros por la cuestión armónica y rítmica, además de que los 4 siempre ponen la composición como algo importante y siempre tienen un carácter épico. Paul Motian está sobre todo por una cuestión ambiental y del trabajo de ensamble, que es característico del sonido clásico del sello ECM, en donde éste grabó (tal vez lo más cercano a este disco de Motian fue su gran trío junto a Joe Lovano y Bill Frisell).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
El candombe también es super importante como dije previamente. Pero por más que tenga de ello, no es asociable directamente a la tradición de jazz-candombe post-Fattoruso. Más bien es el jazz contemporáneo de los 90-2000 con candombe. Es porque la base rítmica y ensamble es candombe, pero no los solos (que no se adjudican a una rítmica de candombe, mucho menos a la lógica).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
A su vez, los músicos tienen sus claras influencias (o más bien artistas con quiénes uno puede asociarlos), lo cual determina varias cosas de esta música.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Gonzalo Levin podría estar en algo entre Wayne Shorter y Joshua Redman: un saxo bastante puro y “limpio”, donde el material es casi que estrictamente melódico y no tímbrico.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Martín Ibarra tiene siempre algo de John Scofield, Kurt Rosenwinkel y Bill Frisell, tal vez hasta se entromete algo de Pat Metheny. Aunque su estilo puede que ronde en una tendencia que a algunos les pueda resultar bastante común hoy en día, me atrevo a decir que es tal vez de las figuras más interesantes del disco y hasta uno de los guitarristas más interesantes en la escena musical uruguaya de hoy en día.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Ignacio Labrada es, a mi consideración, mejor acompañante que solista (aunque <img alt="20690224_1419639274785429_916249636647286130_o" class=" wp-image-37 alignright" data-attachment-id="37" data-comments-opened="1" data-image-description="" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"0"}" data-image-title="20690224_1419639274785429_916249636647286130_o" data-large-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=448&h=299?w=1024" data-medium-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=448&h=299?w=300" data-orig-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=448&h=299" data-orig-size="2048,1365" data-permalink="https://hobobluesuy.wordpress.com/2018/04/16/juan-ibarra-naumay/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o/" height="299" sizes="(max-width: 448px) 100vw, 448px" src="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=448&h=299" srcset="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=448&h=299 448w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=896&h=598 896w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=150&h=100 150w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=300&h=200 300w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/20690224_1419639274785429_916249636647286130_o.jpg?w=768&h=512 768w" style="border-radius: 3px; border: 0px; display: inline; float: right; height: auto; margin: 5px 0px 10px 20px; max-width: 100%; vertical-align: middle;" width="448" />cualquiera de las 2 las hace con gran nivel). Es un piano super rítmico y claramente influenciado por los pianistas de jazz con un lenguaje de esa índole, como Keith Jarrett y Chick Corea.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Antonino Restuccia parecería ser el más difícil de definir. Claramente tiene un enorme pie en la tradición del contrabajo de jazz, pero a la vez el candombe, lo rítmico, parece nunca despegarse, ni cuando acompaña ni cuando hace un solo, siempre con un sonido robusto y no muy punzante, muy abrasivo. Me es difícil asociarlo a alguien.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Finalmente el líder, Juan Ibarra, tiene un concepto bastante interesante: como hacer un ensamble de percusión con 2 manos y 2 pies sin llegar al punto del exhibicionismo, sin nunca dejar de pensar en la banda como unidad. Es más, en sus solos, que son siempre de enorme interés, nunca deja el rol de base rítmica. De alguna manera, sus solos y acompañamientos son siempre variaciones de una misma célula. Cuando acompaña, las variaciones son más sutiles. Al solear, son más elaboradas, pero aún así no pierde nunca de vista el punto de partida.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
El disco cuenta con 8 temas, cada uno con su perfil pero siempre con un gran hilo conductor, una estética general que hace que se trate de un álbum y no de una colección de grabaciones ni la documentación de una sesión de grabación.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
El disco empieza con “REM”, un inicio con una llevada medianamente lenta, pero con mucha energía que ya establece ese espíritu épico del cual hablaba. Éste puede ser un claro ejemplo de ese contexto más “popero” donde se desarrolla una idea de jazz, y es a su vez, un claro ejemplo del peso compositivo que tiene el disco.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Angkor” puede asociarse mucho al trabajo de Avishai Cohen, debido al comportamiento del piano y la base rítmica. Es un tema energético con algunas de las secciones más interesantes de todo el disco: un potente dúo de saxo y batería sin ningún otro instrumento acompañando, un excelente pasaje solista de guitarra con una excelente línea melódica en el solo, al cual le sigue un diálogo entre esta y el saxo, acompañado de una batería que desde el solo de guitarra no para de agarrar cada vez más fuerza.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Indigo” es, de todas, la que tiene un devenir del tiempo mucho más construido que todas las demás. Es, literalmente, una suite, con sus varias partes claramente distinguibles, con introducción, desarrollo, desenlace, pero siempre con una linealidad clásica. Se podrían ver, algo así, como 6 partes:</div>
<ul style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; list-style-position: outside; margin: 0px 0px 1.75em 2em; padding: 0px;">
<li style="margin-top: 0.4375em;">Un comienzo con un pulso bastante flotante, donde cada acorde entra no de una forma marcada, sino de a poco, como un fade-in. El comienzo es muy Coltrane, y recuerda muchísimo al comienzo de “Spiritual” del disco “Coltrane Live at the Village Vanguard”.</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">Le sigue un solo de contrabajo bastante particular, ya que parecería dar vueltas en el mismo lugar, tanto melódica como rítmicamente. Es como una larga introducción a lo que viene, pero podría lucir también como un limbo</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">En la 3era sección es donde recién se siente que empieza el tema, con un ostinato largo hecho por el piano y el contrabajo, en un compás bastante complejo pero que por su reiteración, uno lo termina asimilando sin problema. Éste le da esa sensación de “tren a toda velocidad” que caracteriza al tema, llevándolo a su punto más alto. Es muy interesante como se da el juego entre el ostinato y la melodía un poco más lenta. El ostinato es el que evidencia ese compás complejo, pero al estar todos los ataques se vuelve más digerible que la melodía, que en momentos parecería que su movimiento es impredecible.</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">Siguiente sería una sección con algo más “latino”, donde el piano se destaca por sobre todo, con un muy buen solo.</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">Al finalizar el solo, el conjunto entero pasa a una variación del ostinato puramente rítmica, donde cada instrumento destaca cierto ataque, amagando a que es una polirritmia. Esto le abre el campo a la batería a hacer un solo que está puramente basado en ese ostinato. Un excelente ejemplo de ese enfoque de Ibarra de hacer un solo sin nunca dejar en el olvido la base rítmica sobre la cual está construida la composición, o sea, como ser el solista sin serlo a la vez.</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">La conclusión del tema lleva a una zona más tranquila, sin alejarse del motivo que llevo todo lo anterior.</li>
</ul>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
<img alt="24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o" class=" wp-image-52 alignleft" data-attachment-id="52" data-comments-opened="1" data-image-description="" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"0"}" data-image-title="24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o" data-large-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=720&h=290?w=1024" data-medium-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=720&h=290?w=300" data-orig-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=720&h=290" data-orig-size="2100,848" data-permalink="https://hobobluesuy.wordpress.com/2018/04/16/juan-ibarra-naumay/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o/" height="290" sizes="(max-width: 720px) 100vw, 720px" src="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=720&h=290" srcset="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=718&h=290 718w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=1436&h=580 1436w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=150&h=61 150w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=300&h=121 300w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=768&h=310 768w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/24831396_10213579114179517_4313822233916516287_o.jpg?w=1024&h=414 1024w" style="border-radius: 3px; border: 0px; display: inline; float: left; height: auto; margin: 5px 20px 10px 0px; max-width: 100%; vertical-align: middle;" width="720" />“Océanos” nos trae la primer balada del disco. Sin duda es la más tradicional y predecible del disco. Aún así, no pierde la frescura e interés generado previamente, además de dar una pausa luego de tanta intensidad. Sirve, en fin, como el cierre de la primer parte del disco.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Pepper Blade” abre la 2da parte del disco con lo característico del mismo: lo épico, aunque esta vez un poco más desolador (algo muy acentuado por el slide de la guitarra, que a su vez, da algo particular, ya que es algo muy poco escuchado en jazz). Su base es muy americana, bastante de blues y folk, siempre dentro de la estética de la banda. Se podría definir como un tema con variaciones sin nunca irse de la secuencia de acordes. Aquí la base rítmica trabaja de forma más restringida, desde un punto de vista armónico y rítmico, por más que luego haya un poco más de movimiento. En fin, toman una actitud claramente más rockera. Algo interesante es como hay pasajes compuestos entre cada solo, lo cual le da una estructura que varíe un poco la clásica del género. De esos solos, destacaría el de piano (el cual debe ser el mejor del disco), que empezando muy desde abajo, lleva a la banda entera consigo y llega un gran nivel de energía. También el de saxo y batería dialogando, sobre todo en el pasaje que empieza en el minuto 7:33.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Te abracé” es un tributo a Paul Motian (sobre todo a su trío con Frisell y Lovano), quien es una de las claras influencias de esta escena. Y como tal, nos encontramos con varios aspectos muy interesantes:</div>
<ul style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; list-style-position: outside; margin: 0px 0px 1.75em 2em; padding: 0px;">
<li style="margin-top: 0.4375em;">Un pulso flotante, el cual más que un punto, es una zona</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">Todos están haciendo un solo a la vez, pero a la vez todos están marcando cada cambio armónico. De alguna manera es un concepto muy ligado al antiguo contrapunto, donde cada línea melódica debe valerse por sí sola, pero a la vez el resultado del conjunto debe definir claramente el terreno donde se mueve.</li>
<li style="margin-top: 0.4375em;">Hay una melodía pero esta es como un flujo, un canon constante entre los instrumentos. Las melodías son claras pero a la vez parecería que todo fuese totalmente etéreo.</li>
</ul>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
En “Nair”, es interesante porque nace del candombe, con un contexto que recuerda mucho a lo más movido de los ’60 de la escena de Hubbard, Hancock y los otros previamente nombrados, pero a la vez tiene algo muy cercano al rock alternativo, más que nada gracias a la guitarra. Aquí nos encontramos con 2 de los mejores solos de todo el disco. El de saxo es uno, que logra ser más escurridizo que nunca, yendo en momentos a algo más melódico y en otros a algo más tímbrico (sobre todo en el sobreagudo). El otro es el de batería, ya que mientras el resto de la banda sigue de manera rítmica, la batería, en la 1era parte de su solo, hace algo más libre y aún así no se pierde el beat, para luego pasar a algo que expande la polirritmia del ensamble más que ponerse adelante y mostrarse como el líder.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
“Pataskala”, el último tema, cierra el disco de manera movida y bastante misteriosa. Tiene una melodía principal lenta y poco predecible que adopta un carácter diferente según el acorde. Como tema propiamente dicho, debe ser sin duda el mejor del disco, ya que cada nota y cada cambio parece ser algo inesperado y aún así muy conexo. Hay que destacar el solo de guitarra, que llega a su punto máximo en este tema y deja en claro el excelente guitarrista que es Martín Ibarra (claramente, por ende, podría considerarse lo mejor de la guitarra en todo el disco).</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
<img alt="23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o" class=" wp-image-38 alignleft" data-attachment-id="38" data-comments-opened="1" data-image-description="" data-image-meta="{"aperture":"0","credit":"","camera":"","caption":"","created_timestamp":"0","copyright":"","focal_length":"0","iso":"0","shutter_speed":"0","title":"","orientation":"0"}" data-image-title="23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o" data-large-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=455&h=304?w=1024" data-medium-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=455&h=304?w=300" data-orig-file="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=455&h=304" data-orig-size="2048,1365" data-permalink="https://hobobluesuy.wordpress.com/2018/04/16/juan-ibarra-naumay/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o/" height="304" sizes="(max-width: 455px) 100vw, 455px" src="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=455&h=304" srcset="https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=455&h=304 455w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=910&h=608 910w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=150&h=100 150w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=300&h=200 300w, https://hobobluesuy.files.wordpress.com/2018/04/23632179_1732136606798896_6228805648402388292_o.jpg?w=768&h=512 768w" style="border-radius: 3px; border: 0px; display: inline; float: left; height: auto; margin: 5px 20px 10px 0px; max-width: 100%; vertical-align: middle;" width="455" />Este disco de Juan Ibarra, su primero como líder, es un claro ejemplo del nivel de este conjunto. Como instrumentistas, tienen su lenguaje y un gran dominio del mismo. Hay un enorme trabajo de ensamble, totalmente consciente, bajo un concepto que claramente nace de sus raíces natales, sin nunca caer en clichés. Hay un buen trabajo compositivo, que aunque no es algo que llegue a sorprender de verdad, ayuda mucho a darle a relatar la música de una manera que escapa un poco de lo tradicional del jazz.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Pero lo más importante es que el conjunto entero de estas cosas dan como resultado algo que, aunque no es 100% original, tampoco es imitación. Sí, las influencias son claras y es claro que son músicos de hoy en día (bueno…agradezcamos por eso). Pero estas son influencias y no pretenden ser replicadas. Y lo más interesante es que incluso al combinar el candombe, algo que algunos pueden considerar que ya está trillado a la hora de decir “somos de Uruguay”, no caen en lugares comunes. No tratan al candombe, ni musical ni conceptualmente, de la misma manera que se suele tratar. Incluso dentro del jazz, no tienen para nada un vínculo explícito con la herencia de los Fattoruso.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
Es un jazz que suena actual y fresco. Suena de ahora y suena de Uruguay. Y lo mejor es que es por un conjunto de jóvenes que recién empiezan y tienen mucho para ofrecer aún. Como todo en Uruguay, “a puro pulmón”, pero discos como estos demuestran que la lucha vale. Ahora lo que hace falta es nuestro apoyo.</div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
<br /></div>
<div style="background-color: white; color: #383838; font-family: georgia, "times new roman", serif; margin-bottom: 0.875em;">
El disco se encuentra en Spotify y en: <a href="https://juanibarra.bandcamp.com/" rel="noopener" style="background-color: transparent; color: #0087be;" target="_blank">https://juanibarra.bandcamp.com</a></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-88161019071223396922015-12-29T12:24:00.001-08:002015-12-29T12:27:55.114-08:00LO MEJOR DEL 2015<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl0aZE92SV7kW4QMNNeK5TqvmbpiLB9Cl0R9bUW870NLpIxzsKvx1aUG09ZsayxOlzHV6phVOknBpV9ej_7w47j3wfA7L4MYcfX5ITlgevwYvLBeXVz6pZoY3xE_jWYH2ulFpFxH6NmLvS/s1600/FSDFSD.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="158" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl0aZE92SV7kW4QMNNeK5TqvmbpiLB9Cl0R9bUW870NLpIxzsKvx1aUG09ZsayxOlzHV6phVOknBpV9ej_7w47j3wfA7L4MYcfX5ITlgevwYvLBeXVz6pZoY3xE_jWYH2ulFpFxH6NmLvS/s400/FSDFSD.png" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Otro
año termina y por suerte, otro año más podemos decir que nos hemos
topado con muy buenos lanzamientos por el lado de la música. Como
siempre, hubo discos que por más que sean disfrutables, pueden pasar
un poco desapercibidos. Sin embargo, este año tuvimos el gusto de
recibir lanzamientos que son verdaderos grandes trabajos. Tal vez
hubo menos cantidad de “grandes” álbumes este año en
comparación con el año pasado, pero si comparamos unos con otros,
puedo decir que los de este año son ampliamente mejores.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esta
reseña, la última del año, se trata de un listado de lo mejor del
año. Pero de este tipo de listas hay miles y, en mi opinión, un 99%
no explica bien cuál es el criterio (directamente nunca se explica).
Hay varias en las que podemos confiar porque su selección en cuanto
a géneros es más acotada, y si además conocemos a quién hace el
listado, podemos entender aún mejor esa selección. Aún así, esa
gran mayoría está basada puramente en gustos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
lista no deja eso de lado. TODO lo que está aquí, como siempre, es
algo que recomiendo y por ende, me gusta. Sin embargo, también como
siempre, intento que dentro de ese gusto, lo que elija sea algo que
de verdad considero que lo merece. Discos que me gustan hay miles,
pero aquí estoy hablando de “discos del año”, que es una cosa
bastante mayor, o sea, cuando uno define a tal como tal. Ahí entra
la parte más objetiva, la cual a su vez puede ser subjetiva, porque
los puntos de valoración pueden variar entre una persona y otra. Por
ende, definiré cuales fueron en mi caso (que son los mismos de
siempre).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Antes
que nada, por razones más que obvias, no incluí ninguno de aquellos
discos en los que participé, que en este caso serian el de Matador y
Los Nuevos Creyentes. No porque no crea que tengan valor (sino no
participaría en ellos), sino porque consideraría muy falso elegir
algo mío como lo mejor del año. Si son elegidos, mejor que sea por
otros.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Mis
criterios fueron, por un lado, el trabajo, o sea, el grado de
elaboración que hay, dentro del género. Con esto no me refiero a
complejidad. Me refiero a teniendo en cuenta el género, el trabajo
que hay en lo instrumental, en lo compositivo, etc. Claro, esto se
puede hacer difícil comparando géneros, pero bueno, sería más o
menos dentro de una escala dentro del género, luego comparar (o algo
así, no es que está hecho con un medidor). O sea, es el grado de
interés que puede tener el disco por lo que presenta. Si hay una
línea que une el contenido, una especie de concepto, cuán parejo es
en cuanto a trabajo, etc. No es lo mismo, en mi opinión, 2 discos
que presenten música dentro de un género ya muy conocido pero que
uno tenga una elaboración mayor que otro. Esto dentro de mis
términos. El resultado puede ser 100% correcto si es lo que ellos
buscaban. Esto otro son mis criterios para elegir qué disco
considero que puede marcar algo y cual otro es disfrutabe pero no es
un disco que considere que hay mucho para hablar (porque lo que está
dentro de él ya está hablado en miles de discos más).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
lo más importante, si es que esto primero, o sea, la calidad del
trabajo, es muy buena, es cuán novedoso es lo que trae el disco.
Repito, primero la calidad de trabajo. Puede ser algo novedoso y
estar mal hecho. Pero si el resultado está bien hecho y a su vez es
algo novedoso, algo original que puede marcar “un paso adelante”,
pues ahí tenemos algo que a mi consideración tiene mayor valor.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esa
es mi parte objetiva. No me importa si a más gente le gustó, si es
más fácil de escuchar, si a más gente “le llegó”. Eso SIEMPRE
está enmarcado según el contexto, sea el grado de conocimiento que
uno tenga de la músca en general o por bueno, los medios de
comunicación, la difusión. Acá mi criterio “objetivo” es qué
es esa obra artística dentro del mundo de la música, más allá de
los gustos, más allá del grado de aceptación, más allá del nivel
de ventas, más allá de todas esas cosas que no son parte de la
música en sí, sino más bien de fenómenos sociales. Si fuera por
gustos, el disco el año tendría que ser el más vendido. Acá nunca
interesó eso. Acá se trata de música, el objeto artístico dentro
de ese mundo musical. No es un blog de fenómenos sociales. Puede ser
el disco menos escuchado del año, menos aceptado, cuya trascendencia
a nivel social sea mínimo por su grado de aceptación, pero que
musicalmente sea una verdadera obra de arte que dentro de ese mundo
artístico deja su huella. ESO es lo que a mí, como escritor de este
blog, me importa. Lo otro no puedo opinar. No soy sociólogo ni
filósofo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dicho
esto, presento uno por uno, con una breve descripción. Los he
separado en 2 categorías: Nacional e Internacional. Me parece
importante darle relevancia a lo que sucede en nuestro país. Varios
de estos nacionales ya estuvieron por aquí. Otros no pero en febrero
estarán.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los
discos seleccionados están presentados en orden creciente, o sea,
del menos mejor al más mejor (la palabra peor no entra aquí).
Claro, esto aproximado. Me es difícil, en ciertos casos, hacer
diferencia. Ahí sí ya entra algo totalmente subjetivo.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y
lo importante es que no puse un tope. No tenían que ser los 10 o 20
o el número que fuera. Todos aquellos que sintiera que merecían tal
nombramiento, entraron. Aún así, al final de la reseña, les
presento los 5 discos del año, de todos estos, sin importar de dónde
provienen.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">TODOS
valen la pena. TODOS merecen ser escuchados. TODOS tienen algo
interesante, en diferentes grados, pero lo tienen. TODOS hicieron que
este 2015 valiera la pena.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<u><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">INTERNACIONAL</span></b></u></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIOuMU8VII3wl7inbV7n-sW3pNcMMb9CIa3mZDZhDxXXyLh5gLZzNMZJ-GJyVTq24VORjhpgPvPmr1WTnvBTIP9vxy_otUR3hZ_SJsrGKAT4YIKBp8bxtlOLlMBUaL2xd6vzFL2AzzoGbz/s1600/jim-o-rourke-lead.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIOuMU8VII3wl7inbV7n-sW3pNcMMb9CIa3mZDZhDxXXyLh5gLZzNMZJ-GJyVTq24VORjhpgPvPmr1WTnvBTIP9vxy_otUR3hZ_SJsrGKAT4YIKBp8bxtlOLlMBUaL2xd6vzFL2AzzoGbz/s200/jim-o-rourke-lead.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<i><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Jim
O'Rourke - “Simple Songs”</span></b></i></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
título lo dice: son canciones simples. Pero con simples no se
refiere a escacez, sino a claridad. Estilíticamente podría ser un
disco de los '70, rondando por el rock clásico. Es un disco cargado
de detalles y arreglos y con un desarrollo muy coherente en donde
queda claro el principio y fin del mismo. Sin embargo, todos estos
detalles se pueden distinguir a 1era escucha (claro que a más se
perciben más cosas, pero ya en una primera escucha nos queda claro
todo). Es complejo en cuánto a cantidad, pero claro en el resultado,
lo cual hace que sea interesante: como algo con tantos ladrillos
termina siendo una sola estructura. Es evidente que el carácter de
estos, simples (como las canciones), hace que sean más perceptibles.
Pero es porque no trabajan como diferentes voces, sino como
diferentes miembros de una sola cosa. No es el nuevo “Pet Sounds”
o “Born to Run” (nombro a estos por tratarse de discos cargados
de detalles cuyo resultado es impecable), pero si hay que hablar de
un disco “fino” de rock, en estos últimos años, este tiene que
ser uno.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3J_K9f4AEmS_x9qb_AvvSXtUc8yhAXI_bSi6yGjiSnKcvWTJnsXO8E1Jy21dLP2ZMiVAVlvYFWbLjoI6mg-hyNn5J4nZUOqVfmqUQ1BHlcZV_Y6WnQlQ9_jpU6zvezJifZmVGjHfcBf0d/s1600/trees-of-light.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3J_K9f4AEmS_x9qb_AvvSXtUc8yhAXI_bSi6yGjiSnKcvWTJnsXO8E1Jy21dLP2ZMiVAVlvYFWbLjoI6mg-hyNn5J4nZUOqVfmqUQ1BHlcZV_Y6WnQlQ9_jpU6zvezJifZmVGjHfcBf0d/s200/trees-of-light.jpg" width="200" /></span></a><i><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Anders
Jormin, Lena Willemark & Karin Nakagawa - “Trees of Light”</span></b></i></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
disco es una unión entre 3 mundos muy diferentes que funciona a la
perfección. Por un lado tenemos a Anders Jormin, un contrabajista
sueco proveniente del jazz que, como la gran mayoría de los
jazzistas escandinavos, ha incorporado elementos de música
folclórica de la zona, sumado a algo de música académica (más que
nada impresionista), logrando así lo que se conoce como el jazz de
cámara europeo. Lena Willemark es una cantante y violinista sueca
dedicada al folclore de su país (a veces en su mayor pureza y a
veces con una visión más actual). Karin Nakagawa, nacida en Japón,
es una instrumentista dedicada al koto (no hay un término en español
para esto como lo hay para bajista, por ejemplo) que también se
dedica al folclore de su país. Aunque Willemark y Jormin son
claramente muy cercanos, sus músicas son muy diferentes, ya que
Jormin incorpora algún elemento de folclore sueco, pero es
incuestionablemente un músico de jazz, mientras que Willemark es una
folclorista pura, lejana al jazz. Entonces aquí nos encontramos con
una unión entre el folclore sueco, el folclore japonés y el jazz
escandinavo. Obviamente, la combinación no es homogenea en todo
momento. Se podría decir que tenemos una mezcla homogenea en cuanto
al abordaje instrumental, ya que cada uno toca con el lenguaje que
conoce, lo cual, en fin, moldea el lenguaje final. Pero en cuanto a
forma y construcción, en momentos es más jazz, en otros momentos
más sueco, en otros momentos más japonés (aunque lo sueco sin duda
aparece en mayor cantidad por ser 2 contra 1). En este disco se da
lugar a todo, tanto a la canción con vocales como la composición
instrumental. La improvisación es algo fundamental aquí (se puede
decir porque es evidente que está presente), y no es algo que
sorprenda ya que los 3 mundos lo tienen como uno de sus mayores
pilares (en jazz ni que hablar). Es una combinación extraña que,
sin embargo, resulta familiar al oído de cualquiera, sobre todo por
el contenido tonal-modal y la claridad en que se desarrolla todo. Aún
así, si uno es minucioso y se pone a analziar lo que sucede, en sí
es algo bizarro, ya que los 3 lenguajes son sumamente lejanos:
folclore sueco, folclore japonés y jazz (este último, aunque entre
dentro del género de jazz europeo, por ser jazz, parte de una
tradición afro-estadounidense, y no hay vuelta atrás). Es un disco
muy interesante, cargado de detalles sumamente claros que gracias al
reducido instrumental, son fáciles de asimilar, pero que igual
precisan varias escuchas para notar las verdaderas diferencias entra
cada mundo, pero sobre todo al nuestro. Una combinación instrumental
y por ende tímbrica muy particular. 3 instrumentos de cuerda de
diferente procedencia (sí, el contrabajo es de la misma procedencia
que el violín, pero la forma en que está abordado no), trabajando
en conjunto para crear una música tanto compuesta como creada en el
momento. Planificación y espontaneidad en el norte en su sentido más
amplio.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></i></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDfW5HyFrfTzFjscWumE493iqEKlJ5joW6KyOB99Ip3473GPPG4yoqb40xwrQd-y1OdVrf3wGYOJ7UVhrure_aKymkihDvwMvKBftpFi1SHv1zeq-k8VGaH1rTWDMZmNNnv_cPVyUJCaAE/s1600/8177d2bd.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDfW5HyFrfTzFjscWumE493iqEKlJ5joW6KyOB99Ip3473GPPG4yoqb40xwrQd-y1OdVrf3wGYOJ7UVhrure_aKymkihDvwMvKBftpFi1SHv1zeq-k8VGaH1rTWDMZmNNnv_cPVyUJCaAE/s200/8177d2bd.jpg" width="200" /></span></a><i><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Neil
Young + Promise of the Real - “The Monsanto Years”</span></b></i></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
artista siempre ha sido sinónimo del rock en su más absoluta
definición y es porque su estilo, definido ya a finales de los '60,
poco ha variado en el tiempo y de alguna forma siempre suena actual.
Luego de los '90 (posiblemente su mejor época), lanzó varios discos
buenos. Sin embargo, en su beta más rockera, nunca logró llegar a
ese nivel con el que deslumbró en la década anterior. Sin embargo,
en este año 2015, con un grupo de músicos jóvenes, logró recapatar
la calidad y potencia de esa década de oro. Las canciones siguen el
estilo del rock sucio con aires de country y folk que caracteriza su
música, como siempre, pero parece haber un mayor trabajo en el
desarrollo de ellas. Temas como “Big Box” logran, en mi opinión,
llegar a ser de los mejores temas que ha grabado. Y creo que la
incorporación de estos músicos es un ingrediente esencial. Todos
los instrumentos parecen estar más trabajados, sea por arreglos o
por energía. Y algo no menor es la 2da guitarra tocada por Lukas
Nelson. A diferencia de Frank “Poncho” Sampedro, la mítica
guitarra rítmica de Crazy Horse (la banda que siempre ha acompañado
a Young), Nelson también toma el rol de solista. No es que Sampedro
no hiciera bien su trabajo, pero siempre quedaba totalmente opacado
por la guitarra de Young. En este caso, ambas guitarras trabajan a la
par, logrando en momentos interesantes contrapuntos, algo que nunca
habíamos escuchado en la música de este artista. Y lo más
interesante es que cada una tiene su propio sonido: Young con el que
ya todos conocemos, sucio, ruidoso y opaco, y Nelson con un sonido
más cristalino, agudo y claro. No será una novedad, pero es un disco
que sigue manteniendo el rock más puro vivo y con calidad....y que
afirma que Neil Young sigue siendo y siempre será el verdadero rey
del rock & roll.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgLR7CgLUoueOeX2QuOZkXfIfPcYD5B71AuvjM680vHHSJMbh0aF4V7hhdSz1p3_t4e5mg_gX5zj9cG6aEwUEG6urgaecJVJQd-YquoW7u4m4_QAFQ7930_8KfFFm5uQ6nJc3U5tdvnkmk/s1600/ka.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgLR7CgLUoueOeX2QuOZkXfIfPcYD5B71AuvjM680vHHSJMbh0aF4V7hhdSz1p3_t4e5mg_gX5zj9cG6aEwUEG6urgaecJVJQd-YquoW7u4m4_QAFQ7930_8KfFFm5uQ6nJc3U5tdvnkmk/s200/ka.jpeg" width="200" /></span></a><i><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Kamasi
Washington - “The Epic”</span></b></i></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Kamasi
Washington es un saxofonista estadounidense que ha tocado con varios
grandes de diferentes géneros, sea Hancock o Shorter por el lado del
jazz como Snoop Dog o Flying Lotus por el lado del hip hop. Es más,
este año participó en el disco de Kendrick Lamar. Es un hombre del
jazz pero que puede poner pie en otros terrenos. Este año lanzó su
álbum debut y como lo dice el titulo, es “épico”.
Estilísticamente no es novedoso. Su música claramente parte del
jazz modal de Coltrane del principios de los '60, integrando también
el posterior modalismo con mezclas latinas de McCoy Tyner (quien fue
pianista de Coltrane y por ende también definió esa época), algo
del smooth jazz de los '70 de Grover Washington Jr. y finalmente las
claras sonoridades pop y soul afrodescendientes más actuales (que es
lo que hace que el disco suene a los 2010s y no a los '60). Los solos
y acompañamientos de los músicos son de gran nivel (digamos que de
lo más importante del jazz es el nivel de los músicos como
instrumentistas). Pero lo que hace a este disco ser verdaderamente
interesante es lo “épico”. Para empezar, es un disco triple y
ronda cerca de las 3 horas. Luego, ninguna de las grabaciones baja de
los 6 minutos; es más, solo una tiene 6 minutos y el resto van de
los 8 hasta los 14 minutos. Finalmente, compositivamente es muy
grandilocuente, tanto por el arsenal instrumental (que muchas veces
incluye hasta un coro), como por el volumen y gestos de los
instrumentos, y bueno, la mezcla con reverberación y sonido “grande”
ayuda muchísimo. Es un disco “épico”. La música es muy
interesante, pero es más interesante el disco como tal, por su
concepto. Hay una homogeneidad a lo largo de todo el disco, tanto en
calidad como concepto. Es un disco para maratón: la verdad y magia
de este está cuando uno lo escucha de corrido, las 3 horas. Solo ahí
uno se puede sumergir en su música. Cualquiera puede hacer un disco
de 3 horas, pero no cualquiera un mundo de 3 horas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXrFw12cTDTwpOoGGWZVQC4GC-6Ig0DIP-NVyc6pN1aY9f3MVAax7FDvaKCOdgfKQPqOMIPephhGPyTZx-E6IqWsG-9he2xDJOTsPK_DiOw7K_YTICWfX7zOLzMv380V-n0eKU7xiOUqlo/s1600/d47a5880.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXrFw12cTDTwpOoGGWZVQC4GC-6Ig0DIP-NVyc6pN1aY9f3MVAax7FDvaKCOdgfKQPqOMIPephhGPyTZx-E6IqWsG-9he2xDJOTsPK_DiOw7K_YTICWfX7zOLzMv380V-n0eKU7xiOUqlo/s200/d47a5880.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Kendrick
Lamar – “To Pimp a Butterfly”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Tal
vez este año, en hip hop, no fue tan interesante como el año pasado
(en cuanto a cantidad de discos que merecen ser nombrados), pero hubo
2 que atraparon. Uno de ellos fue el 3er trabajo de estudio de
Kendrick Lamar, “To Pimp a Butterfly”. El disco claramente nace
de la tradición del West Coast hip hop, con una base, arreglos y
melodías tonales pertenecientes al pop, funk, soul, etc; en fin,
podría rastrearse como hijo de 2pac y más que nada Jay-Z post-”The
Blueprint”. Sin embargo, este disco logró llevar cada aspecto que
hace a este género a un punto muy alto, tanto por las composiciones
en sí como por los arreglos. Hay una gran carga de detalles
instrumentales en cada tema que logran una gran polifonía en la cual
hay que prestar atención a cada uno de esos ladrillos que la
conforman. Lo interesante es que aquí, los diferentes instrumentos,
en vez de trabajar como un gran bloque como suelen hacer en el
estilo, tienen mayor individualidad, logrando que cada uno tenga su
propio contorno. Es un disco que precisa más de una escucha para
captar todo. A su vez, aunque en varios momentos los géneros están
mezclados, en varios momentos nos encontramos con un despojo enorme
de varios, quedándose solo con 1 o 2 y llevando más al límite las
características de ellos. Eso hace que el disco, en su totalidad,
contenga estas características que hacen del West Coast hip hop,
pero que individualmente cada tema pueda clasificarse en diferentes
géneros. Aunque no es un disco que llame la atención por su
lenguaje, es un disco que sí llama la atención por la variedad, y
más que nada por el trabajo que hay en cada tema a nivel de arreglos
y de uso de los instrumentos. No será una novedad, pero sin duda es
un gran trabajo que resume, de alguna manera, lo que ha sucedido
hasta ahora en una escena muy importante del género.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-zVCbYiH3Sax0HfYiOmLw9lWZpV_kQ3UIPOnOjq8YfF5h4JdXwm8o8e4cIL2YUR7E-J9upA8OzqPS8slbnhVqNzxGWGCXT_BQ1aUezW1FQQeCTzeZ7jl1a3oYRfkaKoO7gvWpnBd-BbO/s1600/d5ad8ff8760039bda815a1f1fea06735.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-zVCbYiH3Sax0HfYiOmLw9lWZpV_kQ3UIPOnOjq8YfF5h4JdXwm8o8e4cIL2YUR7E-J9upA8OzqPS8slbnhVqNzxGWGCXT_BQ1aUezW1FQQeCTzeZ7jl1a3oYRfkaKoO7gvWpnBd-BbO/s200/d5ad8ff8760039bda815a1f1fea06735.jpg" width="200" /></span></a><b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Mette
Henriette - “Mette Henriette”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
disco debut de esta jóven saxofonista de Noruega es sin duda de las
cosas más interesantes de este año. Se trata de un disco doble,
donde el primero consta de música en trío de saxo, piano y cello,
mientras que en el segundo nos encontramos con un ensamble que
incluye, además, contrabajo, trombón, trompeta, violín, viola,
bandonéon y percusión. Es interesante porque cada formación adopta
su propio enfoque, aunque compartiendo un mismo lenguaje y concepto,
que por ende hace que el disco tenga homogeneidad y se presente este
concepto en 2 partes, 2 posibilidades. El primer disco, en general,
va hacia algo más tonal-modal bastante simple y económico, donde el
atractivo son esos esquemas claros donde ciertos aspectos tímbricos
que a veces pueden ser simplemente idiosincrasias del instrumento y
aquí pasan a tener un rol principal. El 2do disco es más caótico y
atonal en general, donde lo tímbrico es llevado a algo colectivo,
algo así como una búsqueda por un timbre general y donde lo que es
la base pasa a tener mayor predominancia. Claramente la composición,
o sea, lo premeditado, es el pilar aquí. Hay un claro lenguaje
establecido, una clara forma de interpretar y abordar la música por
parte de los músicos, nos encontramos con la constante reaparición
de motivos e ideas entre tema y tema (es más, se puede hasta notar a
primera escucha los motivos e ideas de un disco y los del otro),
incluso la improvisación, un elemento importante del disco, está
premeditada, o sea, la forma en que es abordada, lo cual hace que sea
una improvisación acotada, con reglas que van más allá de la idea
rítmica y armónica del tema, incluyendo también algo textural,
dinámico y de densidad. Por todo esto, es difícil de clasificar. De
jazz creo que hay poco en realidad. Por tener varios aspectos de
música clásica contemporánea y ese carácter improvisatorio, uno
podría asociarlo más bien al avant-garde jazz, pero aún así, en
mi opinión, tampoco entra, ya que este se trataba de un jazz con
aspectos de música clásica contemporánea, en cuanto a lo melódico
y armónico, pero estructuralmente seguía funcionando como jazz
tradicional, o sea, se presentaba un tema y luego había
improvisación por parte de los instrumentistas sobre una base.
Incluso cuando no seguía esa estructura había elementos
reconocibles de jazz, más que nada en la forma de tocar y acercarse
al instrumento. Aquí hay improvisación, pero todo se mueve como una
composición más formal a nivel estructural. Además, la
improvisación muchas veces es algo grupal que aporta más bien a
nivel textural y no tanto como algo individualmente identificable, o
sea, como decir “y aquí están los solo”. Por ende, es una
música que combina música clásica contemporánea con improvisación
careciente de género. Pero como dije, es una improvisación acotada,
con reglas, con ideas predeterminadas. ¿Y cuántas composiciones de
la rama más académica contienen esto, la improvisación acotada por
reglas? Y bueno, un enorme número en todo lo post-'50s. Mette
Henriette no es una compositora académica, pero tampoco popular o de
jazz. Es una compositora híbrida, con ideas claras y conscientes. Un
disco debut, de alguien tan joven, con un lenguaje ya bien definido
que recién es presentado, sin duda emociona y promete mucho más
para el futuro, y por eso podemos nombrarlo como uno de los mejores
del año.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOeHyafK_iiRQOz3ZaMzQO7eUAOjgb9SzK1MMZSMUcH6dPanrk2p3GcKdZJADRsW8YYY963DlD3qQKMucbFDEYYLbiS7Efd6n1gD6Jpsrll5IcknsHIxaInllGi7wVlI2BGGlhvwgafdbr/s1600/71HWyrRcjlL._SL1400_.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOeHyafK_iiRQOz3ZaMzQO7eUAOjgb9SzK1MMZSMUcH6dPanrk2p3GcKdZJADRsW8YYY963DlD3qQKMucbFDEYYLbiS7Efd6n1gD6Jpsrll5IcknsHIxaInllGi7wVlI2BGGlhvwgafdbr/s200/71HWyrRcjlL._SL1400_.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">David Torn - “Only Sky”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este guitarrista estadounidense siempre
ha sido conocido por su extraño acercamiento a la guitarra. Tiene
fraseos de jazz, pero a la vez es sumamente ambiental y paisajístico.
Puede tocar melodías, pero a la vez está conectado a decenas de
pedales que desdibujan lo anterior. Es un guitarrista que se
concentra mucho en las texturas. Siempre toca en banda, pero en esta
ocasión decidió hacer un disco solista, solo él y guitarra
eléctrica, y gracias a esto y su encare, nos encontramos con un
disco bastante particular. Se trata de 9 temas que van desde los 3 a
los 13 minutos. Cada uno es un ambiente diferente. Alguno más
melódico, otro más textural. Algunos son más cercanos a algo
tonal, otros son puramente sonidos que escapan de la tradición
musical. Pero siempre hay una línea clara en lo que es el sonido.
Son temas hechos, en su totalidad, con guitarra eléctrica, haciendo
un enorme y evidente uso de pedales, lo cual permite que se esuche
más de una guitarra a la vez, sea por loops o delays. La complejidad
sonora, sumado a que es bastante etereo en general (salvo cuando
aparece algo más melódico), hace que la escucha esté todo el
tiempo atenta, pero por el tipo de música que hay, aún así se
logre una escucha relajada. Es más un disco para contemplar. Son muy
interesantes los sonidos obtenidos, que obviamente están enmarcados
dentro de una composición y desarrollo coherente que hace que lo que
se escucha no sea una simple muestra de los recursos del guitarrista.
Esto es algo que suele suceder con discos de este estilo. Como tienen
miles de recursos, usan todos y bueno, como es algo “ambiental”,
todo vale. Pero en una gran mayoría de las veces, se pierde el
interés porque estos sonidos no se presentan en un orden temporal
que sea interesante. Termina siendo más bien un catálogo. Aquí hay
composiciones claras, donde el desarrollo se puede seguir y se logra
algo coherente dentro de la propuesta. El disco termina siendo
interesante no solo por los sonidos presentados, sino por cómo se
las ingenia David Torn para que estos aparezcan de una forma
coherente y le den al oyente un hilo conductor que hace que esos
sonidos cobren sentido. Es una verdadera aventura para escuchar,
sumamente abstracta y eterea. Sin duda es un disco que precisa más
de una escucha, no solo para entender lo que sucede, sino para poder
lograr el estado necesario para apreciarlo. Es un disco con una
propuesta bastante particular para lo que es el estilo y nos trae un
acercamiento a la guitarra muy profesional en un ámbito en donde a
veces “todo vale” porque total nadie entiende nada (ni siquiera
los que la hacen). Si alguien podía hacer un disco de este estilo
con calidad e interés, ese tenía que ser David Torn.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Tim
Berne's Snakeoil - “You've been watching me”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7msRWO76XjeDsDn0CYW_-azaDiN2B7KyyelRdvKmpu6bCFelkpol40w9whgjCNHwfQbEMLmgFXY6BhfWNI5Gfnc1qauNAjc15bMuaYpG8qw5cpfSG9uAhdznviVlDBnwayk01-A0QYv80/s1600/81L7MhMX4xL._SY355_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7msRWO76XjeDsDn0CYW_-azaDiN2B7KyyelRdvKmpu6bCFelkpol40w9whgjCNHwfQbEMLmgFXY6BhfWNI5Gfnc1qauNAjc15bMuaYpG8qw5cpfSG9uAhdznviVlDBnwayk01-A0QYv80/s200/81L7MhMX4xL._SY355_.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
saxofonista estadounidense volvió con su banda Snakeoil para darnos
otro de los más interesantes discos del año. Para los que conocen
el trabajo de este saxofonsita que ha trabajado desde los '80 con
grandes como John Zorn, Bill Frisell y David Torn, el material
presentado no debería sorprender en cuanto a calidad y lenguaje,
pero esto a grandes rasgos. Desde el inicio, Snakeoil, formado por él
en saxo alto, Oscar Noriega en clarinete y clarinete bajo, Matt
Mitchell en piano y Ches Smith en batería, agregándose Ryan
Ferreira en guitarra para esta ocasión, se ha destacado por una
música sumamente rítmica, donde los cambios de compás y métricas
extrañas son esenciales, una armonía atonal pero bastante clara, y
melodías con grandes saltos y cierta discontinuidad que no permiten
ser recordables en un sentido cantabile, pero sí son claramente
reconocibles en cuanto a contorno y desarrollo. A diferencia de la
música de Henriette, aquí sí hay elementos de jazz, tanto por
cierto encare global como por la forma de tocar. Además, aquí sí
hay improvisación muy clara que funciona como lo clásico en jazz, o
sea, un solista y acompañamiento. Sin embargo, y aquí lo
interesante, los solos, en casi todos los momentos, están
delimitados por esas reglas rítmicas y de discontinuidad melódica,
que son el fuerte de esta música, porque la identidad de los temas
aquí no se dan a nivel armónico o de variaciones melódicas sino a
nivel rítmico y de contorno melódico. Eso hace que la improvisación
sea distinguible, pero aún así genere duda cuando empieza y cuando
termina, ya que hasta lo escrito (que también es claro por la manera
en que trabaja la banda en esos momentos) contiene la misma
identidad. De alguna forma, ese encare puede recordar a la obra
maestra que es “The Way Up” de Pat Metheny. Sin embargo, este
último, por tratarse de algo tonal y mucho más cantabile, es más
fácil distinguir esto de lo que hablo y bueno, muchas cosas más. Lo
de este disco es una música compleja y difícil de tocar pero aún
así es sumamente clara y recordable. No en su totalidad, ya que por
su complejidad, es necesario una escucha y análisis profundo, pero
sí en cuanto a la propuesta. La propuesta queda impregnada en el
oído rpidamente. Las composiciones son largas, lo cual habilita a
que haya más de una parte, cada una claramente diferente, y así
cambios importantes en todos los parámetros. Aún así no es como
Death Grips en cuanto a cambios, ya que estos pueden hacerlos en solo
3 minutos. Aquí cada parte es desarrollada mucho más y la
transición entre una y otra es más suave, lo cual hace que la
música pueda resultar alocada peor no así violenta. Sin duda es una
banda que propone algo diferente en el jazz y este disco es otra
prueba más de ello, tal vez la mejor.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihea3jB0uqOvcpFsMEj9LPe7Llz7QNF6s69xUts6IFTGohRJgFl4tprgX9hxdQdmqa9VhOyPwWW4ImWBIJc6TQbbWrYSJIx9h0d_iXaerQX8Vh1-AvPxSyt6pLnZHCN3JaHCn9xClSCHmO/s1600/Bjork-Vulnicura.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihea3jB0uqOvcpFsMEj9LPe7Llz7QNF6s69xUts6IFTGohRJgFl4tprgX9hxdQdmqa9VhOyPwWW4ImWBIJc6TQbbWrYSJIx9h0d_iXaerQX8Vh1-AvPxSyt6pLnZHCN3JaHCn9xClSCHmO/s200/Bjork-Vulnicura.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Björk
- “Vulnicura”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
disco comparte el primer lugar con el de Death Grips y no por nada.
Ya hace más de una década que cada lanzamiento de esta artista es
una verdadera obra de arte, tanto por la calidad como por la
propuesta (siempre conceptual y siempre novedosa). Y esta vez, por
suerte, no es un caso diferente. Los discos de Björk siempre están
bajo un concepto compositivo y hace ya 1 década aproximadamente que
de la mano del concepto compositivo va también una instrumentación
específica, clave para lo primero. Es que parece que toda su idea se
desarrolla a partir del instrumental elegido, con búsquedas
sumamente minuciosas, intentando de verdad componer algo que sea
específicamente para ellos, irreproducible en otros. En este caso,
nos encontramos solo con voces, electrónica y cuerdas (siendo esto
último lo llamativo y nuevo en la música presente), cada uno
trabajando en forma diferente, pero por tratarse solamente de 3
“colores” diferentes, se vuelve más fácil encontrar la conexión
y lograr un “todo”. La base electrónica tiene un rol rítmico en
casi todo el disco, marcando siempre el pulso pero con una serie de
ritmos, cambios de compás y tempo que a veces marean y
desestabilizan. Las cuerdas son la parte armónica, logrando en
momentos armonías muy interesantes aunque en su mayoría bastante
tonales. Pero siempre hay alguna búsqueda tímbrica hasta en los
momentos más ordinarios, llegando a extremos donde lo que hacen es
totalmente gestual, transformando la nota en el medio y el gesto y lo
tímbrico en el fin (o sea, el sentido opuesto a la música
tradicional). Finalmente las voces....siempre lo más potente de los
discos de Björk. Sin duda ella es de las cantantes más interesantes
que ha habido en la música popular en los últimos 30 años. Siempre
ha usado su voz como algo puramente sonoro y no como un medio para
las palabras, y este disco es otro ejemplo. Como siempre, nos
encontramos con esas melodías que saltan de registro, rompiendo el
tradicional fluir melódico, y el uso de ciertos fonemas para que la
palabra esté en función del sonido y no al revés. En este disco,
lo particular es, por un lado, como la voz ha adoptado muchos gestos
que nacen más bien de efectos de electrónica, como esos glissandos
de nota a nota que a su vez tienen proporcionalmente un aumento de la
dinámica, o la repetición en loop de ciertos fonemas. Esto,
combinado con la homofonía entre todas las voces, hace que las
melodías pierdan su identidad relacionada a la tonalidad del momento
y se transforme en algo puramente gestual. Y es que de eso se trata
este disco en realidad. Detrás de todo lo que puede estar
relacionado a algo más tradicional, está la verdadera esencia del
disco: una música ordenada en el tiempo no por notas y armonías, no
por estrofas y versos, sino por una serie de timbres, gestos,
dinámicas y cambios rítmicos trabajando a la par. No son canciones,
son composiciones, con su principio y fin, todas trabajadas bajo el
mismo concepto. Es un disco que no solo tiene sentido dentro de cada
composición en particular, sino en conjunto. Si hay algún disco
cuyo trabajo sea de gran calidad, muy minucioso y elaborado y que a
la vez suene nuevo, actual y novedoso, sin duda este es uno de ellos,
y por eso merece el 1er puesto.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYV8deFtxdEtmYHNT7PlI8pje8xldf1_z_j6sXxs7lutwxaA6PReKshs6dnofYy78xcd0NmSjk2VWqFIA4XPc5NTXUwYIcRik9yxsF9b_JuMzONUvJ-9TrIlU3gAgxn_xkdH23sTfyVNdS/s1600/Jenny_Death.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYV8deFtxdEtmYHNT7PlI8pje8xldf1_z_j6sXxs7lutwxaA6PReKshs6dnofYy78xcd0NmSjk2VWqFIA4XPc5NTXUwYIcRik9yxsF9b_JuMzONUvJ-9TrIlU3gAgxn_xkdH23sTfyVNdS/s200/Jenny_Death.jpg" width="200" /></span></a><b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Death
Grips - “Jenny Death”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
otro gran disco del año, incuestionable y por alguna razón, ya no
sorprendente. Death Grips, desde su aparición, ha sido de las
propuestas musicales más interesantes del momento (tal vez la más
interesante). Formado por MC Ride en vocales, Zach Hill en batería y
programación y Andy Morin en programación, la música de la banda
es una mezcla entre hip hop proveniente del atonalismo y densidad de
Public Enemy, electrónica más experimental y el rave, el denominado
math rock (del cual Hill formaba parte con su antiga banda Hella),
hardcore y noise. Dicho todo, esto, uno ya se hace la idea que se
trata de una música intensa y sumamente agresiva, cargada de cambios
rítmicos complejos, una manada de sonidos que muchas veces se
acercan algo sumamente abstracto y no musicalmente clásico, vocales
que están entre el rapeo, lo hablado y el grito punk, y bases
electrónicas densas. Es una música cargada de información, donde
lo inestable es el elemento principal, haciendo que cada canción
tenga constantes cambios y diferentes partes. Además, cada timbre,
cada instrumento, cada voz, está trabajada de una forma que no puede
ser escuchada en forma banal. Es que Death Grips ha tenido la
capacidad de hacer valer el segundo. 3 minutos de Death Grips no son
3 minutos, son 180 segundos, y cada segundo puede ser un nuevo
evento. El disco de este año, “Jenny Death” es otra demostración
de la enorme calidad y originalidad que trae esta banda cada vez que
entra al estudio. Es la 2da parte de “The Powers that B”, un
álbum doble lanzado en 2 partes. La 1era fue “Niggas on the Moon”,
que fue lanzada el año pasado y obviamente logró ser lo mejor del
año y lo mejor de la década hasta ahora (decir de estos últimos 14
años puede ser mucho, pero me atrevería a decir que puede llegar a
serlo). Mientras que “Niggas on the Moon”, musicalmente, era más
cercano a la electrónica y algo más claro, “Jenny Death” sin
duda es más ruidoso y sucio e incorpora elementos que lo hace más
rockero, sobre todo por la participación de Nick Reinhart
(guitarrista de Tera Melos) en varios temas. Ambos discos son
intensos y tienen todos los aspectos anteriormente nombrados
trabajados minuciosamente, pero sin duda este tiene algo más
hardcore que lleva a todo al extremo sonoramente. Es mucho más
agresivo y ruidoso. Los timbres son más indefinibles por estar
rodeados de una capa de ruido (incluso las vocales lo tienen por la
agresiva forma de cantar). Además, la 1era parte era más reducida
en cuanto a sonidos, lo cual hacía que cada una pudiera trabajarse y
variarse más. Si “Niggas on the Moon” tenía un gran interés
por sus cambios rítmicos extremos como nunca antes y su mayor
claridad, “Jenny Death” lo tiene por esa densidad sonora extrema
que transforma le resultado en una capa en constante cambio. Es como
que cada uno tiene un aspecto trabajado tan al límite que requiere
de demasiadas escuchas para lograr descifrar esa abstracción (que tal
vez es imposible). Es una música compleja y sumamente densa, pero a
la vez puede resultar clara, porque por esa sobrecarga, el oído
tiende a unir todo en una sola mancha, pero al poner atención en
cada trazo, uno nota en esa mancha es una gran masa de información.
En “Jenny Death” parece, además, haber algo más de música
industrial comparado con los discos anteriores. Los aspectos de este
género siempre formaron parte de la banda, pero esta vez son más
prominentes. Si alguna vez se los catalogó como noise y/o
industrial, ahora más que nunca. Es que lo interesante de este disco
es como tanto la parte de electrónica como la de guitarra y batería
adoptan sonoridades que parecen creadas por ellos, o sea,
tímbricamente. Si uno logra por un momento despojar el resultado de
cada instrumento de la nota, o sea, pensar solo en el timbre, uno se
da cuenta que ese sonido puede que no exista y que es algo de este
disco. Incluso de existir, nadie lo asociaría a un instrumento
musical. Y si a eso le sumamos la inestabilidad característica de la
banda (aunque este disco seguramente sea el más estable y con menos
cambios por adoptar una estructura más cercana a la canción de
rock), lo que se genera es un verdadero caos, pero un caos
premeditado y organizado. “Jenny Death” es sin duda el mejor
disco del año, que sumado al anterior lanzamiento, forma “The
Powers that B”, disco de enorme calidad que ha logrado ser la mayor
originalidad y novedad de los últimos años por lejos. Todo esto,
sumado a todo el trabajo anterior, demuestra que Death Grips es la
propuesta musical más novedosa en mucho tiempo y que con este álbum
que cierra este proyecto empezado el año pasado lograron una
verdadera gema en la música que merece el mayor de los
reconocimientos, porque más allá de gustos, todo lo que he dicho
antes es incuestionable, porque es totalmente tangible. Si hay alguna
propuesta musical que pueda definir mejor que ninguna qué es la
música de este año, de esta década y de este siglo por ahora, sin
duda es Death Grips.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<u><b><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">NACIONAL</span></b></u></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHvLuKuKnC-HBRGEL_Qs9bRlZmF1NWjrCtnX4OuGlcQxKX2tQX1m9ESyYJxMlpqk0sSUbooyUrZvgltISbN874gIsgp6SS5pLFnWr0n74U3qxyUcTKbD6_jAsCgXMUxRuFosJkt1z3QyES/s1600/a3727565514_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHvLuKuKnC-HBRGEL_Qs9bRlZmF1NWjrCtnX4OuGlcQxKX2tQX1m9ESyYJxMlpqk0sSUbooyUrZvgltISbN874gIsgp6SS5pLFnWr0n74U3qxyUcTKbD6_jAsCgXMUxRuFosJkt1z3QyES/s200/a3727565514_10.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Cadáver
Exquisito - “750 mg”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">El
3er disco de estudio de Cadáver Exquisito marcó un importante
cambio en la banda. Aunque desde sus principios se les podía
denominar como una banda “pesada”, en este 3er álbum encontramos
canciones prácticamente despojadas de aquel blues rock pesado del
estilo más Led Zeppelin, profundizando en géneros más cercanos a
la rama del metal más punk. Influencias como </span><span style="color: black;">Melvins,
Black Flag, Fugazi y Shellac (o más bien el trabajo en general de
Steve Albini, porque Big Black y Rapeman se pueden rastrear aquí)
son las más prominentes, lo cual nos muestra una música que ronda
entre el doom y sludge metal con punk, hardcore y grunge. Además de
esto, han habido cambios en la banda en cuanto a forma de ensamblar.
La banda suena como un sólo objeto y no como 4 que se unen. Es como
si el trabajo de cada integrante estuviera conectado con el de los
demás. Esto se evidencia más que nada con los cambios rítmicos o
ciertos ataques. Incluso ciertos arreglos de guitarra, como riffs
repetitivos, están en función de algo más de unidad y no tanto
como algo solista. Sin duda es de los elementos más clave en este
nuevo trabajo. Las vocales también tuvieron cambios que definieron
el disco. En esta banda siempre giran en torno al grito más que al
canto. Incluso cuándo es con voz limpia, la entonación es algo que
se roza simplemente para emular la musicalidad. Al adoptar un sonido
más punk, este tipo de voz cobra mucho más sentido porque no
importa tanto la melodía sino el gesto. Son vocales mucho más
cercanas a la sensación que a algo clásico-musical. Y en este
disco, trayendo una música que sin duda es más agresiva, este tipo
de vocales se ajustan a la perfección. “750 mg” es uno de esos
discos que faltaban en el rock uruguayo, en el rock más pesado.
Hacía falta un disco que de verdad pusiera este género del metal en
presencia y con calidad. Pero más que nada, hacía falta de alguna
banda que por más que sus influencias fueran claras, tuvieran algo
para ofrecernos que nos obligue a ir a ellas si es esa música en
específico lo que estamos buscando, algo que dijera “esto es de
esta banda y no de otra”. Obviamente Cadáver Exquisito no es la
nueva gema del rock ni nos traen algo indescriptible. Es clasificable
sí, pero no por ello dejan de ser Cadáver Exquisito. No son una
banda más. No tomaron los elementos y trucos de estos estilos para
imitarlos y listo. Le han encontrado su propia forma, otra forma de
interpretar esta mezcla.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Reseña completa: </span><span style="color: red;"><a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/05/cadaver-exquisito-750-mg.html">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/05/cadaver-exquisito-750-mg.html</a></span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Disco: <a href="https://cadaverexquisito75.bandcamp.com/album/750-mg">https://cadaverexquisito75.bandcamp.com/album/750-mg</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdBXdtQ4Pwv2-BppMGEM6Reg-Wjmt1twmYgLcvfDL-pEwY6P2gvRIFo5n1-R1MpMOKFUNUwXIQpKqXDW35MQE2WBe8dw_azGWORzy0PZe5-D9AAfuywUDoz53t4KS0YCWXsPztjNaYjmeF/s1600/cover.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdBXdtQ4Pwv2-BppMGEM6Reg-Wjmt1twmYgLcvfDL-pEwY6P2gvRIFo5n1-R1MpMOKFUNUwXIQpKqXDW35MQE2WBe8dw_azGWORzy0PZe5-D9AAfuywUDoz53t4KS0YCWXsPztjNaYjmeF/s200/cover.jpg" width="200" /></span></a><b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hablan
por la Espalda - “Sangre”</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Después
de 5 años sin lanzar ningún material de estudio, Hablan por la
Espalda volvió fuerte y preciso para traernos el tal vez más
nombrado y aclamado disco de la música uruguaya de este año. Con
este nuevo lanzamiento lograron consolidarse como una banda “mayor”
sin perder el pie en la música independiente y la escena under,
porque de ahí vienen y de ahí se sienten. Como ya es tradición, la
banda no dejó pasar la oportunidad de mutar nuevamente, sin dejar
atrás lo que venían trayendo desde sus inicios. Supieron pasar por
el punk y hardcore, luego agregando algo más alternativo y complejo,
seguido por una clara adopción de un sonido autóctono, agregando
mucho del folclore afrodescendiente de nuestro país y el legado de
las bandas de rock de fines de los '60 y principios de los '70,
transformando su música en un verdadero ritual. Este año, con este
nuevo disco, no “ahondaron” en esas influencias natales como
muchos dicen, sino que, al igual que lo hecho anteriormente, lo
mantuvieron como una herramienta más, pero la estética y concepto
de este disco se trataría más de lo agregado. <span style="color: black;">Aunque
es un retorno a la canción, no es de ninguna forma en el sentido más
tradicional. En su gran parte, son más bien composiciones con un
desarrollo, más allá de que se pueda detectar un verso y
estribillo. En este sentido, HPLE tomó un camino más progresivo.</span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;">
</span></span><span style="color: black;">Es
un progresivo en el sentido más de Led Zeppelin post- “IV”, Deep
Purple, Iron Maiden: canciones rockeras musicalmente, pero con mayor
desarrollo, con varias secciones que muchas veces no se repiten y se
puede identificar un principio y un fin en el sentido más clásico.
Es más, por los aires de más de los '60 uruguayos, hay que hablar
de Totem (evidentemente), pero también de Psiglo y Opus Alfa. La
prolijidad es un elemento clave, el cual se ve reflejado en varios
aspectos del disco. Hay un enorme énfasis en los detalles y
arreglos. Esto hizo que la banda funcione de una manera diferente a
su disco anterior. Ya no suena como un bloque. Ahora cada instrumento
obtiene mayor independencia, mayor consciencia de sí mismo. Sin
embargo, ninguno toma un rol principal. Hubo mayor independización,
pero todos a la par. Funcionan como instrumentos separados pero que
van juntos por el mismo camino. Por decirlo de alguna manera, todos
usas diferentes estrategias para llegar al mismo lugar. Esto permite
que ningún instrumento se pierda ni quede opacado por otro. Están
todos en el mismo nivel y se puede escuchar tranquilamente como un
“todo” o prestar atención a uno en particular. En fin, podría
tenerse diferentes escuchas de cada canción. Por otro lado, la
producción. Es un disco que suena prolijo, limpio, sin llegar al
punto de “lavado”. Es un disco que “suena bien” y que
claramente es un elemento más de la estética general del disco. La
limpieza está en los instrumentos y el estudio es otro instrumento y
como tal, y por ser una banda que trabaja en conjunto, debía ir por
el mismo lado. Queda en claro que este disco nos trae una nueva cara
de la banda y expande el campo musical dónde venían trabajando.
Pero lo más importante es que como resultado, como objeto artístico,
más allá de su contexto, tiene un enorme trabajo en todos los
sentidos y nos trae un rock puro pero con un arduo trabajo, en todos
los sentidos. Es un disco “fino”, en el mejor sentido de la
palabra y hace tiempo que no hay discos “finos” de rock en este
país. Ahora sí.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Reseña completa: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/04/hablan-por-la-espalda-sangre.html">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/04/hablan-por-la-espalda-sangre.html</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Disco: <a href="https://hablanporlaespalda.bandcamp.com/album/sangre">https://hablanporlaespalda.bandcamp.com/album/sangre</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipPEBl0-uh-EvEPioMN7aJCJD5imRIyhv92vcn-W-Yifz80JA4NWcxsSLQei_-rN9Y0YhiPO3GxGKa_I_7ACgkJAMzr60BmYkkE3fHvdMnLqU9KybjYI6XtH_Jl6niCIGAa-xD__h_cNe9/s1600/a3947848249_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipPEBl0-uh-EvEPioMN7aJCJD5imRIyhv92vcn-W-Yifz80JA4NWcxsSLQei_-rN9Y0YhiPO3GxGKa_I_7ACgkJAMzr60BmYkkE3fHvdMnLqU9KybjYI6XtH_Jl6niCIGAa-xD__h_cNe9/s200/a3947848249_10.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Fernando
Henry, Lucas Meyer, Pau O'Bianchi - “Fernando Henry, Lucas Meyer,
Pau O'Bianchi"</span></i></b></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
este año 2015 hubo 3 álbumes que <span style="color: black;">a
mi consideración deberían dejar (y más bien dejarán en alguna
medida) una estampa importante en la música popular uruguaya. A
principios de este año salió a la luz un disco en colaboración de
3 cantautores más o menos conocidos en la escena under. Pero a
diferencia de lo que muchos podrían imaginarse, no se trato de
simplemente una colección de canciones compuestas en conjunto en un
determinado período. Se trata de un disco con un concepto muy
particular. No es una historia o algo con algún hilo conductor en
cuanto a letras. Tampoco es un concepto musical en cuanto a lenguaje.
Es más bien un concepto que tiene sentido solo en disco. Y es porque
la idea era hacer un disco de cancions cortas, cuasi efímeras, como
si fuera una escucha online. Es un disco que parte de la escucha
fugaz que se tiene hoy en día en internet, donde una gran mayoría
escucha unos momentos de una canción y antes de que termine, ya pasa
al siguiente y así sucesivamente. Son 15 canciones, algunas de 3
minutos y algunas que ni siquiera llegan al minuto. Lo divertido es
que en cualquiera de los casos, los temas se desarrollan muy
rápidamente, porque a veces el desarrollo que se da en 3 minutos es
muy rápido para lo que presenta el tema. En muchos casos los finales
son totalmente abruptos, como si de verdad se hiciera un skip en la
mitad del mismo. Algunos tienen una intro y estrofa principal muy
corta y el final es prolongado (en comparación a lo anterior). En
todos los casos se presenta un género diferente, pudiéndonos topar
con algo super nacional como algo más pop, incluso algo krautrock a
lo Neu!. Y como es de imaginarse, el salto de género en género
puede ser extremo. Es un disco bastante particular. De tratarse de
canciones con un desarrollo normal, sería una colección de una
variedad de cosas cuya conexión podría no existir. Un disco de tal
variedad de géneros puestos casi que al azar nunca tendría mucho
sentido, se sentiría la heterogeneidad al punto que no se le
encuentra una identidad. Pero en este caso, y por eso la
particularidad, el hilo conductor, el fuerte sentido que cobra el
disco, no es por algo musical estrictamente, sino por como es
presentado el conjunto. Claro, el manejo del tiempo es el pilar de
todo el disco y bueno, digamos que es la magnitud que más le
concierne a la música. Pero aquí el tiempo, en cada tema, es un
delimitador más que un recurso para ordenar los materiales. El disco
tiene sentido no por aspectos musicales en fin, sino por aspectos de
armado de lo que le concierne al disco mismo: la duración de cada de
uno de sus elementos, su duración total, la forma en que esos
elementos empiezan y terminan y cómo se conectan entre ellos. Y es
gracias a eso que luego la música cobra sentido, porque en algo así,
la super heterogeneidad es algo que funciona, el corte abrupto es
algo que funciona, la efimeridad es algo que funciona. Las canciones
son buenas, algunas más, algunas menos. He escuchado decir que a
algunos los temas “se les hacen cortos”, como que necesitarían
mayor desarrollo. Y es ahí cuando uno se da cuenta del potencial de
este disco, porque, como sucede pocas veces, la música tiene sentido
dentro del formato presentado y más nada. Es un disco que tiene
sentido por ser disco, no por ser música. Y gracias a esto sumamente
original y muy bien hecho, es que merece estar en esta selección.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Disco: <a href="https://paulinorecords.bandcamp.com/album/fernando-henry-lucas-meyer-y-pau-o-bianchi">https://paulinorecords.bandcamp.com/album/fernando-henry-lucas-meyer-y-pau-o-bianchi</a>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDnizdSvR00BehNNVgCRoKLX1893_zG2tj3BodjEvNU1AhvDK1LzKQtjo7w1gToobyz0WxCsltGrJLxp7bqPtfd02cqEqzx3aDzgG2D6GtrNyqIU8pNPMB3CiskVglPU7bIWpqhFBRexPZ/s1600/tapa.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="185" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDnizdSvR00BehNNVgCRoKLX1893_zG2tj3BodjEvNU1AhvDK1LzKQtjo7w1gToobyz0WxCsltGrJLxp7bqPtfd02cqEqzx3aDzgG2D6GtrNyqIU8pNPMB3CiskVglPU7bIWpqhFBRexPZ/s200/tapa.jpg" width="200" /></span></a><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><i>Señor
Faraón - “Piel de Culebra”</i></b></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
fue otro de eso 3 lanzamientos de los que hablaba. Luego de
despojarse bastante del blues, luego de dejar el inglés por el
español en sus letras, luego de incorporar varias influencias de
nuestra región (tanto uruguayas como de otros países), el lenguaje
de Señor Faraón adoptó una cara prácticamente que nueva, una que
ahora lo enmarca más en algo autóctono, pudiéndose trazar líneas
que lo conecten a varios artistas nacionales, sin perder todas las
características que definían su música desde un principio, que son
principalmente su acercamiento a la voz y por sobre todo a la
guitarra. Y en este disco vemos esas caras viejas y esta nueva unidas
para lograr un disco super heterogéneo en estilo pero homogeneo en
calidad. Son 10 temas, cada uno con un paisaje diferente. Algunos más
cercanos entre sí, otros bastante diferentes. Claro, siempre dentro
de un contexto tonal de músicas que nos van a sonar a todos
cercanas. No nos vamos a encontrar con nada novedoso por el lado de
estilos. En ese sentido, no nos va a llamar la atención. Lo valioso
es como, por un lado, están todos esos estilo muy bien logrados, y
por otro, la calidad instrumental y arreglística de Varela. Cada
tema hace uso de su estilo al máximo, buscando las diferentes
posibilidades para arreglos y detalles fugaces que hacen que lo que
ya conocemos tenga todos los colores, porque la paleta de ellos ya es
conocida y lo mejor que se puede hacer hoy en día es aprovecharla
toda, en su mayor nivel. Parte de la gracia del disco es la
evidenciación del multi-instrumentalismo de Varela, la cabeza detrás
de este proyecto solista. Acá nos vamos a encontrar con diversas
guitarras, diversas percusiones (desde tambores hasta glockenspiels),
diversas voces, diversos instrumentos de cuerda (como charango o
triple), y todos trabajando como si fuera una gran banda, dando
siempre lugar al juego entre ellos, sea desde la polirritmia o la
polifonía. La adopción del español no es menor tampoco, ya que
también define la estética de las mismas y en fin, de la canción
en general. Hay mucha más metáfora, un tono más poético y no tan
directo como sus anteriores letras. Esto le da un toque a la música,
pues es muy paisajística y con este tipo de letras, se ve reforzado
gracias a esa mayor ambigüedad y abstracción. El disco adquiere un
gran valor no por traernos algo novedoso a nivel general en la
música. No está inventando nada nuevo. No es que nos trae un nuevo
estilo o forma de componer. No hay un lenguaje personal muy grande
que se vuelve bastante inclasificable. Lo que se presenta en “Piel
de culebra” son estilos que ya son conocidos por todos y que además
se abordan como canciones tonales, o sea, no hay tampoco una ruptura
a nivel constructivo, ni armónico ni melódico. Sin embargo, tampoco
podemos decir que sea un disco que no aporta a algo más grande y
cuyo valor solo se pueda medir por su calidad dentro de un estilo.
Para empezar porque no hay un solo estilo, sino varios, a veces
lejanos. Pero por sobre todo, porque todos están hechos con un gran
nivel, tanto instrumental como compositivo, y el uso de de los
instrumentos está pensado, en una gran mayoría de los casos, de una
forma que escapa de la tradición de cada estilo presentado. Es algo
así como una sumatoria de varias cosas que venimos escuchando hace
años pero llevadas a un nivel mayor, o más bien, una unión de lo
máximo o cuasi máximo que se ha llegado en cada una. Es un disco
cuyas canciones funcionan por sí solas, pero que en conjunto, la
suma de toda esta heterogeneidad llevada a un nivel alto, le dan algo
que lo separa de una gran mayoría de discos de nuestro país. Y por
ese aspecto, diría que sí está aportando algo nuevo. Es un disco
que nos trae aquello que todos conocemos pero que “le busca la
vuelta” para que la fórmula final sea algo diferente e
interesante, porque de alguna manera, no hay otro “Piel de
Culebra”. Y es por eso que lo hace el mejor disco de lo que ya
todos conocemos de estas zonas de los últimos años y en fin, es lo
que lo hace el mejor “Piel de Culebra” que hayamos escuchado y
vayamos a escuchar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Reseña completa: </span><a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/12/senor-faraon-piel-de-culebra.html">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/12/senor-faraon-piel-de-culebra.html</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Disco: <a href="https://srfaraon.bandcamp.com/album/piel-de-culebra">https://srfaraon.bandcamp.com/album/piel-de-culebra</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUxrJkUMBhhUSeeOZ-tFlOsTP_kz6RiyEbWA-o3ZCW7_GNQryzZygLd_GODGsiKqCrSvkjYvhXth8JrXQBzMMAjTX_vYeUroOfvr_ZM_6vaJOfd3QeW6NBJTvXIh0i5dJj_H1NxswWcQ5G/s1600/00+tapa.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUxrJkUMBhhUSeeOZ-tFlOsTP_kz6RiyEbWA-o3ZCW7_GNQryzZygLd_GODGsiKqCrSvkjYvhXth8JrXQBzMMAjTX_vYeUroOfvr_ZM_6vaJOfd3QeW6NBJTvXIh0i5dJj_H1NxswWcQ5G/s200/00+tapa.jpg" width="200" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><b><i>Portillo
- “Portillo”</i></b></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
disco es de esos que son incuestionablemente algo poderoso, guste o
no. Es poderoso porque nos encontramos con un trabajo muy minucioso,
porque se puede hablar de lo compositivo y de los arreglos por lados
separados, pero la línea es tan fina, que no tiene sentido. Y es
porque todos esos arreglos hacen la composición y de esa manera la
composición termina siendo un verdadero puzzle, lleno de detalles
interesantes hechos de gran manera. Pero es aún más poderoso cuando
nos damos cuenta que el resultado tiene algo que no lo podemos
asociar a nada, no en el final. Se pueden rastrear influencias como
Jorge Lazarrof, Luis Trochón y otros del palo de Uruguay por un lado
(aunque sus guitarras también contienen aspectos de guitarristas
folclóricos del continente), y por otro lado Pixies y varios del
rock alternativo de los '80 y '90. Esta combinación se hace bastante
atípica, más si le agregamos todo lo anterior. Pero el problema es
que no solo debido a la combinación no lo podemos identificar con
alguien, sino porque esa combinación está además trabajada, por un
lado, con una búsqueda tímbrica diferente en cada instrumento, sea
las guitarras (que son lo más interesante a nivel instrumental), las
percusiones o incluso las voces (que sin duda son lo más
desafiante), y por otro lado con un ordenamiento en el tiempo que es
bastante particular y original. Los cambios de velocidad, las
polirritmias entre los diferentes instrumentos. Es una gran carga de
información. A todo esto, hay que sumarle el aspecto más
interesante: los constantes cambios anímicos. Un solo tema puede
tener varias secciones y estar saltando de una a otra y retornando a
las mismas en tan solo segundos. Y lo llamativo (y seguramente más
chocante al oyente) es que estos cambios son generalmente sumamente
bruscos, lo cual se potencia porque en ellos hay también cambios de
tempo y hasta de dinámica. El cambio de sección puede ser
repentino, como si fuera un corte y pegue. Y como dije, se puede
volver repentinamente a lo anterior. Esto, combinado con la constante
búsqueda tímbrica, el juego entre lo tonal y atonal, el gran
trabajo contrapuntístico entre los diferentes instrumentos, hace que
el oyente se vea atacado de un flujo de información grande, lo cual
necesita de una escucha muy atenta para que nada pase desapercibido.
Y más que nada, genera una inestabilidad que se aleja mucho del
discurso musical más tradicional, donde el pasaje del tiempo es un
fluir más armonioso y conexo. Gracias a estos aspectos, la música
de Portillo es super intensa. Es intensa cuando es agresiva pero
también lo es hasta en lo más calmo. Y sin lugar a dudas, es
oscura, y no por algún marco socio-político (como el de algunas de
sus influencias). Es más una oscuridad existencial, por lo cual, la
música se vuelve más personal y puede hasta generar aún más
rechazo, por el nivel de identificación que uno puede tener (o no
tener y querer evadir ese existencialismo que en sí rodea todos los
días). No solo es un disco de gran calidad compositiva e
instrumental, o sea, a un nivel en donde todo los aspectos musicales,
sea lo armónico, melódico, rítmico, dinámico, tímbrico, etc,
están enormemente trabajados y entran dentro de un concepto (porque
la verdad es que en practicamente ningún disco nacional podemos
encontrar música donde TODOS estos parámetros estén trabajados de
verdad y vayan todos en la misma dirección), sino que todo esto está
trabajado de una manera atípica y da un resultado no solo de enorme
interés, sino original y por ende novedoso. Por más que se puedan
trazar líneas, nada se asemeja a Portillo, sea por el lenguaje o por
el trabajo minucioso que abarca todos los aspectos musicales. Es un
disco que marca un “paso adelante”. Como toda novedad que
transgrede varias de las reglas de la música tradicional, no es para
nada amigable. No es fácil de escuchar. Hay muchas cosas diferentes
y mucho detalle. Pero es por eso que merece este primero puesto. Y
diría no solo del año, sino de muchísimos años hasta ahora. Creo
que hace mucho tiempo que no se presenta un trabajo que llegue a este
nivel de calidad y originalidad. La calidad es algo que no está
ligado a la originalidad. Pero esa calidad crece aún más cuando se
topa con este otro aspecto, porque el resultado termina siendo
novedoso y porque la calidad no puede ser comparada con ninguna otra,
porque sus reglas van más allá de las comunes. Por eso puedo decir
que por más que la lista nacional sea acotada (porque han salido
muchos discos este año), este disco ya hace que el 2015 valga
muchísimo a nivel nacional. Nos encontramos con un disco que no solo
es todo esto para este país, sino para la música en general.
“Portillo”, el disco debut de Portillo, es el mejor álbum que ha
salido en Uruguay en años, uno de los mejores a nivel global del año
y una verdadera obra de arte para la música en general. El
merecidísimo e incuestionable puesto 1 de nuestro país por ahora y
tal vez por un tiempo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Reseña completa: </span><a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/11/portillo-portillo.html">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/11/portillo-portillo.html</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Disco: <a href="https://portillo-uy.bandcamp.com/">https://portillo-uy.bandcamp.com/</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Finalmente, el top 5 global de este año:</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">1) Death Grips - "Jenny Death" / Björk - "Vulnicura"</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">2) Portillo - "Portillo"</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">3) Tim Berne - "You've been watching me"</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">4) David Torn - "Only Sky"</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">5) Mette Henriette - Mette Henriette</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA EL AÑO QUE VIENE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-62657278481734405012015-12-08T05:03:00.000-08:002015-12-08T05:27:15.151-08:00Señor Faraón - "Piel de culebra"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaF2R7QJ-1iFLCzxk0RqepSsIh0wccWUHmnH61ENo5jv2Ua3m1x4OBfUXaQp6BoCWOPc9vaYyh76BStGP-ac9I58MmfCZETNxWIEJ7W7exM9lxS5yJFcSr1tyi08mw0T1urnaMfbxctu6g/s1600/tapa.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="297" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaF2R7QJ-1iFLCzxk0RqepSsIh0wccWUHmnH61ENo5jv2Ua3m1x4OBfUXaQp6BoCWOPc9vaYyh76BStGP-ac9I58MmfCZETNxWIEJ7W7exM9lxS5yJFcSr1tyi08mw0T1urnaMfbxctu6g/s320/tapa.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La vez pasada hablaba de aquellos
discos que traen algo novedoso, “un paso adelante”, y el valor
que tienen y desde dónde tienen que ser valorados. Pero hay otra
cara de la moneda. A veces hay discos que tal vez no traen algo
novedoso en cuanto a estilo, composición, arreglos, etc, pero que el
conjunto está llevado a un punto máximo, dónde cada parámetro
musical es trabajado minuciosamente, logrando que ese lenguaje
conocido por el oído tenga una variante. Y hoy traigo un ejemplo de
ello, un ejemplo que, como el disco de Portillo, dejará su marca. No
desde el mismo lugar; otro tipo de marca, pero sí una marca e
importante creo yo.</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Ismael Varela es la cabeza detrás del
proyecto solista uruguayo llamado Señor Faraón, uno de los más
interesantes junto al anteriormente reseñado Portillo y al aún más
anteriormente reseñado Alessandro Podestá. Los 3 solistas de alguna
manera se conectan en algún punto debido a sus idiosincrasias:
cantautores con un gran despliegue guitarrístico y vocal, a lo cual
se le suman varios detalles personales.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El camino de Señor Faraón empezó en
el 2008 con su 1er disco titulado “Siguiendo al rayo”. En ese
entonces, se trataba de un bluesman en su más pura definición:
canciones solamente con guitarra de cuerdas de acero y voz, alguna
armónica cada tanto, cantadas la mayoría en inglés. Tenía un
estilo particular de tocar, el cual era prácticamente todo usando los
dedos, pero no era nada del otro mundo. Era interesante por su forma
de interpretar el estilo, con canciones muy bien hechas que
aprovechaban ambos instrumentos a gran nivel, pero siendo objetivos,
no se alejaba del estilo.</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El tema es que Ismael Varela era mucho
más que eso. En paralelo, era baterista y compositor de Revólver,
banda uruguaya de blues-rock (que estuvieron por aquí hace 2 años
por su último disco “Vengan todos a la luz”: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2013/12/revolver-vengan-todos-la-luz.html"><span style="color: red;">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2013/12/revolver-vengan-todos-la-luz.html</span></a>) y era
percusionista y luego compositor de Hablan por la Espalda (quienes
también estuvieron en el blog por su más reciente disco “Sangre”: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/04/hablan-por-la-espalda-sangre.html"><span style="color: red;">http://hoboblues2013.blogspot.com.uy/2015/04/hablan-por-la-espalda-sangre.html</span></a> ). El Señor Faraón de ese entonces era solo una cara del “todo”
de Varela. Y fue en su siguiente disco “Las últimas en inglés”
(título que dejaba en claro que era el cierre de un pasado y el
comienzo de un futuro) que de a poco fue mostrando su “todo” en
conjunto: canciones que traspasaban las líneas del blues y folk
estadounidense, la aparición en momentos de percusión, arreglos de
guitarra que tocaban varios otros estilos. No era un gran salto, pero
se notaba que de a poco se abría a algo nuevo.
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Con el paso del tiempo, la evolución
que tuvo en ambas bandas fue muy grande, sobre todo en HPLE, quienes
decidieron agregar con su entrada un lenguaje que se enfocara más a
las raíces de nuestro país y posteriormente sumándole cosas más
de los '70, y donde él tuvo la posibilidad de componer. A la vez, el
abanico de Revólver también se expandió. Esto, inevitablemente,
se adentró en el música de Varela. No es que los estilos se
asemejaran. Siempre hubo una enorme distinción entre sus bandas y su
proyecto solista; ciertos aspectos se encontraban, pero más que
nada, la idea del cambio. Obviamente esta es una visión personal,
pero no creo que sea coincidencia que los 3 proyectos tomaran nuevos
rumbos casi que a la par, menos cuando él estaba como compositor en
todos. El pie, la idea del cambio estaba presente.</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Sumado a las búsquedas personales, el
mundo de Señor Faraón se amplió y de a poco se fueron escuchando
en vivo canciones que se alejaban de ese primer blues-man de raíz
estadounidense a algo que se podía conectar con cantautores de
nuestro territorio. Letras en español con un carácter sumamente
poético, armonías más expandidas con pasajes que podían ir de
algo tonal a algo más del siglo XX, aspectos de música más
autóctona como el candombe (en momentos), mayor uso de contrastes
dinámicos y de arreglos, diferentes secciones claramente
distinguibles que hacía que las canciones tuvieran un mayor
desarrollo, distintos lenguajes para cada canción, etc. De alguna
forma, este nuevo rumbo lograba que cada canción obtuviera mayor
personalidad e independencia, contrario a lo que sucedía con sus
primeras canciones, las cuales todas tenían el mismo género y
encare. Era un cambio notorio que no dejaba de lado su idiosincrasia
presentada en el 1er disco, pero que la había cambiado de
procedencia. Claramente había, consciente o inconscientemente, un
mayor acercamiento la música de cantautores de nuestro país y
territorio que la de países anglosajones.
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbFph2-6SI1e27RjIXc3p-4tepNH4i3ythXTVivyId_5HXebZgvSpsAA2KQHq6-d-1OcKDTDi5cFCU_OVDXT5WThR0D0-tleTdfIR4Gqslq2MWnf0B6AQfKIa9DpjSQhprh1df0NwS6W6c/s1600/10996561_429036323919629_2983948415740633136_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="193" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbFph2-6SI1e27RjIXc3p-4tepNH4i3ythXTVivyId_5HXebZgvSpsAA2KQHq6-d-1OcKDTDi5cFCU_OVDXT5WThR0D0-tleTdfIR4Gqslq2MWnf0B6AQfKIa9DpjSQhprh1df0NwS6W6c/s320/10996561_429036323919629_2983948415740633136_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">En el 2014, entró al estudio para
grabar estos nuevos temas y fue el 20 de noviembre de este año 2015
que finalmente vio la luz el 3er álbum titulado “Piel de culebra”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El disco, para los que ya conocemos su
trabajo y lo venimos siguiendo, no sorprende. No sorprende en el
resultado, en el lenguaje. De alguna forma, era el resultado al que
tenía que llegar, algo así como su destino. Esa sumatoria de
cambios en su forma de componer, en su encare, más la clara
evolución que tuvo en sus 2 bandas y por ende evolución
personal....bueno, esto era lo que varios esperábamos y queríamos:
una especie de síntesis del mundo musical que contiene Ismael
Varela.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A diferencia de Jorge Portillo, el
anteriormente reseñado (y que vuelvo a recomendar enormemente),
Faraón no tiene cosas tan personales, o sea cosas que uno diga que
son propias de él. Portillo tiene su propio lenguaje, el cual es
desarrollado a lo largo de todo su disco. Faraón no tiene un
lenguaje tan propio, pero es varias cosas a la vez. Es blues, es
folk, es tradiciones uruguayas, es tradiciones latinoamericanas, es
rock. No tiene algo totalmente personal, pero su personalidad se
trata de ser un conjunto de varias cosas y dominarlas de gran manera,
sobre todo su nivel como guitarrista, percusionista, cantante y
compositor. Faraón es muchos a la vez</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Este disco ve por 1era vez todas esas
caras unidas y por ende, es super heterogéneo. Son 10 temas, cada
uno con un paisaje diferente. Algunos más cercanos entre sí, otros
bastante diferentes. Claro, siempre dentro de un contexto tonal de
músicas que nos van a sonar a todos cercanas. A eso me refería en
el párrafo anterior y en el comienzo. No nos vamos a encontrar con
nada novedoso por el lado de estilos. En ese sentido, no nos va a
llamar la atención. Lo valioso es como, por un lado, están todos
esos estilo muy bien logrados, y por otro, la calidad instrumental y
arreglística de Varela. Cada tema hace uso de su estilo al máximo,
buscando las diferentes posibilidades para arreglos y detalles
fugaces que hacen que lo que ya conocemos tenga todos los colores,
porque la paleta de ellos ya es conocida y lo mejor que se puede
hacer hoy en día es aprovecharla toda, en su mayor nivel.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Parte de esa síntesis del mundo de
Varela es evidenciar su multi-instrumentalismo. Y con tal término me
refiero a uno de verdad. Existen varios discos en los que 1 solo
músico agarra una guitarra, y un teclado, y una percusión, etc etc.
Pero nos damos cuenta que domina solo 1 (a veces diría...) y que los
demás los usa de manera muy simple, sin sacarle ningún jugo
propiamente del instrumento, sino más bien compositivo. En este
caso, nos topamos con un músico que es tanto guitarrista (y uno muy
bueno y de los más interesantes de la escena uruguaya actual) como
percusionista (digamos que tanto en HPLE como Revólver tenía un
desarrollo como tal de gran nivel, siempre aprovechando los
instrumentos con ritmos y detalles que no cayeran en lo ordinario) y
como cantante (su voz, aunque lejos del virtuosismo, tiene un timbre
bastante particular y reconocible, con ciertos giros melódicos que
ya son característicos de su música, sobre todo en el medio-agudo).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Acá nos vamos a encontrar con diversas
guitarras, diversas percusiones (desde tambores hasta glockenspiels),
diversas voces, diversos instrumentos de cuerda (como charango o
triple), y todos trabajando como si fuera una gran banda, dando
siempre lugar al juego entre ellos, sea desde la polirritmia o la
polifonía.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpyHwNTj6Lwyu0gDZcFTGysnuB1IA6R3NmV9WfBA-de9Yj6tH9zpvdX_1ZLkvmZEY6QVvhlFiw_9lsSqrqa-mLSP4BWauDR9G74GPG4DLipMCNttb9gcqIm-sV3fx_DH9fNx-oknxTzJVA/s1600/1533934_270086746481255_1611635765_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpyHwNTj6Lwyu0gDZcFTGysnuB1IA6R3NmV9WfBA-de9Yj6tH9zpvdX_1ZLkvmZEY6QVvhlFiw_9lsSqrqa-mLSP4BWauDR9G74GPG4DLipMCNttb9gcqIm-sV3fx_DH9fNx-oknxTzJVA/s320/1533934_270086746481255_1611635765_n.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Desde mi punto de vista, el cual
obviamente tiene su grado de subjetividad (pero lo digo también
teniendo en cuenta la estética y bueno, conceptos estrictamente
musicales), es verdad que a veces puede sonar sobrecargado de
detalles. No en todos los temas y en aquellos que sí, no todo el
tiempo. Pero hay momentos que puede haber un cierto “exceso de
información” por la variedad de timbres que a veces son hasta
fugaces. A veces puede tener muchos detalles de más y opacar ciertas
participaciones que son más interesantes o distraernos de ellas.
Pero repito, en algunos momentos y de nuevo, desde mi punto de vista.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El gran cambio, dentro de lo que era
Señor Faraón, es las letras en español. En su primer disco había,
pero el idioma que reinaba era el inglés. Y bueno, en su disco
anterior, “Las últimas en inglés”..... En este, el español
domina. Pero además de eso, hay un gran cambio en la estética de
las letras. Hay mucha más metáfora, un tono más poético y no tan
directo como sus anteriores letras. Esto le da un toque a la música,
pues es muy paisajística y con este tipo de letras, se ve reforzado
gracias a esa mayor ambigüedad y abstracción.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Adiós”, “Vayan prendiendo el
fuego”, “Insectos y hombres” y “Piel de culebra” son las
que resultan más familiares a su trabajo anterior. Rondan entre el
folk y el blues, con mayor evidencia de una u otra según el caso,
pero a la vez, se le agregan detalles de la música de cantautores
nacionales. “Adiós” e “Insectos y hombres” son en su formato
clásico, guitarra y voz. Lo interesante es como en ambas la armonía
se ve expandida de los típicos enlaces de acordes, o incluso cuando
lo son, están adornados. Los otros 2 temas son ya en un formato de
banda, con guitarras, percusión, bajo, armónica, varias voces.
“Vayan prendiendo el fuego” es más interesante por su delicadeza
en cada instrumento. Lo más destacable en todos los casos es el
trabajo vocal, sin duda.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Los demás temas se alejan de esto y
son los que de verdad expanden el mundo de Señor Faraón.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Sangre de amar”, el 3er tema del
disco, armónicamente tiene unos giros muy interesantes, siempre
jugando en algo tonal, pero está muy bien armada. Además es
interesante como cada sección de acordes tiene su propio carácter y
dinámica. Algo inteligente es que en el estribillo la música no
llega a “explotar”. La suma de tensión que se va dando a lo
largo del tema daría todo para que en el estribillo, en su 2da
vuelta, se cargara. Sin embargo, aquí se mantiene siempre chico, sin
dejarse llevar por lo que podría ser lo más evidente.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Contigo el salto” trae de lo más
novedoso del Señor Faraón que es la incorporación de folclore
latinoamericano. No es un tema que por sí solo llame. Dentro del
estilo, es bastante típico, nada del otro mundo, pero dentro del
contexto de Señor Faraón, es novedoso y es un tema que le da mayor
variedad al disco; amplia el repertorio.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Canción en llamas” es el candombe
del disco. Yo soy el primero que dice que dentro de la canción
popular, el candombe ya no da para más, al menos no como se viene
trabajando desde siempre. Señor Faraón le buscó una vuelta. No se
fue al otro extremo, pero logró encontrarle un foco diferente. Por
un lado, la armonía de la estrofa son 4 acordes, los cuales están
armados en 2 y 2 a distancia de semitono. Es más, todos los acordes
son iguales en esta sección solo que son transportados. Eso ya le da
un giro diferente a la típica canción candombera que siempre
presenta los mismos y gastados acordes. También el juego
polirrítmico que se forma entre la percusión y los diferentes
instrumentos melódicos que aparecen, sea las armónicas o las
guitarras eléctricas super distorsionadas, le da un color muy
diferente, sobre todo porque la polirritmia siempre está presente
pero los instrumentos van variando todo el tiempo; salvo la guitarra
y alguna percusión, todos los instrumentos están saliendo y
entrando constantemente, a diferencia de la pared de sonido inmóvil
del formato clásico. Sin duda es de los temas más interesantes del
disco, porque dentro de esos lenguajes ya conocidos y repetidos, es
el que logra dar un enfoque más original. Este no es una canción
candombera del montón.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG2DrYWdy2WDukhjeE-fM57LPJ53dolXluFDmfwJZI2CkRkYjbor1LZ4eOsoPURSbEVSgnogFvq4_5XybaWfuAgsgUyArMjONpHnf27A0ZYLoSZ1NrNsBhkTjUV2XQNAvSq1uHv4wZ_k4n/s1600/1505312_270085616481368_1213192781_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG2DrYWdy2WDukhjeE-fM57LPJ53dolXluFDmfwJZI2CkRkYjbor1LZ4eOsoPURSbEVSgnogFvq4_5XybaWfuAgsgUyArMjONpHnf27A0ZYLoSZ1NrNsBhkTjUV2XQNAvSq1uHv4wZ_k4n/s320/1505312_270085616481368_1213192781_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“La superstición” está tocada en
charango en un arpegio constante que da la sensación de movimiento.
Seguramente sea el tema que más se aparte del estilo conocido de
Señor Faraón y bueno, de los demás temas del disco. Armónicamente
es la más interesante. Sus constante cambios de acordes la hacen
bastante impredecible. Obviamente que por esto, sumado al apregiado y
el timbre del instrumento, se transforma en el tema más
paisajístico, ambiental y nocturno del disco. Para aquellos que
queden entusiasmados con él, les recomiendo el disco “Ronroco”
de Gustavo Santaolalla, disco cuyo instrumental es el mismo en toda
su duración y que en estilo se asemeja mucho a este tema.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Hacia el filo del alba” es el otro
tema que nos trae ese latinoamericanismo explícito. Se trata de una
chacarera, pero que a diferencia de “Contigo el salto”, se da el
gusto de explorar más, agregando varios giros melódicos en la voz,
diferentes arreglos que incluyen vientos, entre otros. Además, por
su extensión (7:20 minutos), hay más posibilidades de darse este
gusto.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Ruge como”, el tema que cierra el
disco, puede que sea como los 4 que nombraba al principio, en el
sentido que se trata de algo más cercano al folk estadounidense. Sin
embargo, no es una canción con la estructura típica. No tiene una
estrofa principal ni estribillo. Es más bien como una composición
con comienzo, desarrollo y fin. Es más, dura casi 9 minutos y
contiene varias partes, cada una con su propia personalidad e
instrumental (aunque la guitarra y la voz son siempre el pedal). Es
un perfecto final, pues además de todo esto, sin duda hay cierto
carácter épico, como “gran final”. En momentos recuerda a los
largos y épicos temas folk del disco “Stormcock” de Roy Harper.
A diferencia de los otros temas que vengo describiendo, este no
expande el mundo musical de Varela por su estilo, sino por su
construcción y desarrollo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Si retomara lo que hablaba en la reseña
anterior, del valor que puede tener un disco, o sea, qué aporta a la
música en general y si no lo hace, dentro del estilo que está, qué
logra, yo creo que en este caso tendríamos un disco que juega en
ambos lugares.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Por un lado, no está inventando nada
nuevo. No es que nos trae un nuevo estilo o forma de componer. No es
como el de Portillo en el que hay un lenguaje personal muy grande que
se vuelve bastante inclasificable. Lo que se presenta en “Piel de
culebra” son estilos que ya son conocidos por todos y que además
se abordan como canciones tonales, o sea, no hay tampoco una ruptura
a nivel constructivo, ni armónico ni melódico.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Sin embargo, tampoco podemos decir que
sea un disco que no aporta a algo más grande y cuyo valor solo se
pueda medir por su calidad dentro de un estilo. Para empezar porque
no hay un solo estilo, sino varios, a veces lejanos. Pero por sobre
todo, porque todos están hechos con un gran nivel, tanto
instrumental como compositivo, y el uso de de los instrumentos está
pensado, en una gran mayoría de los casos, de una forma que escapa
de la tradición de cada estilo presentado. Es algo así como una
sumatoria de varias cosas que venimos escuchando hace años pero
llevadas a un nivel mayor, o más bien, una unión de lo máximo o
cuasi máximo que se ha llegado en cada una. Es un disco cuyas
canciones funcionan por sí solas, pero que en conjunto, la suma de
toda esta heterogeneidad llevada a un nivel alto, le dan algo que lo
separa de una gran mayoría de discos de nuestro país. Y por ese
aspecto, diría que sí está aportando algo nuevo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO7df7fKBvH-367IqyqdICvDldTDxTpBHXz7njFDMWvFY8XYe0LsLSmul4EOHDgabgaPHnl4m-WYgXicO-O1-LH3sxPIN5K9vUB8plofah-S134qSKmKZ7qwZfuzi-sJufMdLL18GhGbo4/s1600/12227561_542561039233823_5544136805932977195_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO7df7fKBvH-367IqyqdICvDldTDxTpBHXz7njFDMWvFY8XYe0LsLSmul4EOHDgabgaPHnl4m-WYgXicO-O1-LH3sxPIN5K9vUB8plofah-S134qSKmKZ7qwZfuzi-sJufMdLL18GhGbo4/s320/12227561_542561039233823_5544136805932977195_n.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Yo no creo que sea un disco más. Creo
de verdad que va a dejar una huella importante. No del mismo tipo de
Portillo. La de este último es de esas que aportan algo novedoso,
diferente, un nuevo lenguaje. El de Faraón es una marca que eleva
aún más lo ya sucedido. De alguna forma, es como llegar al tope de
la montaña.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">No puedo decir que el disco sea un
“hasta acá se puede llegar con esto, dejen de intentarlo”. Antes
de este disco, podría haberlo dicho y sin embargo ahora tenemos esto
y es algo valioso. Pero es verdad que últimamente hay una enorme
repetición y se pierde el entusiasmo de hacer búsquedas más
personales, “buscarle la vuelta al asunto”. Pero en este caso, se
la busca y se encuentra, sin querer alejarse del lugar tradicional y
ameno para el oído, pero se encuentra.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">No será un cierre, porque siempre se
puede, aunque es difícil, darle un tirón más a la cuerda. Pero
creo que después de este disco, conviene mejor pensarlo 2 veces
antes de lanzarse, porque va a ser difícil repetir esto.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Como siempre, los links.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Su Facebook, para poner "me gusta" y seguir su camino: <a href="https://www.facebook.com/srfaraon/?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/srfaraon/?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Su página oficial, de donde podrán bajar el disco en forma gratuita: <a href="http://www.srfaraon.com/"><span style="color: red;">http://www.srfaraon.com/</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Y su bandcamp, donde podrán escuchar toda su discografía: <a href="https://srfaraon.bandcamp.com/"><span style="color: red;">https://srfaraon.bandcamp.com/</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
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<br /></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-2610634094719384682015-11-23T16:19:00.003-08:002015-11-23T20:07:30.502-08:00Portillo - "Portillo"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi70IO92gD2X5wcOfRD-cpHhIPQPZAnjIXpJkGKoXpPb7dwToqyqK5_bLuGV7KN1tymP9YwZzBBSenLrr9qZUV23a8yWIbU3LAEGkleiG63QzZjIpsGv4PBOicT6_5xKBOu7KxQ-pFrQBW1/s1600/00+tapa.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi70IO92gD2X5wcOfRD-cpHhIPQPZAnjIXpJkGKoXpPb7dwToqyqK5_bLuGV7KN1tymP9YwZzBBSenLrr9qZUV23a8yWIbU3LAEGkleiG63QzZjIpsGv4PBOicT6_5xKBOu7KxQ-pFrQBW1/s320/00+tapa.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Luego de un tiempo, volvemos con las escrituras. Por suerte, de acá a fin de año habrá una escritura por semana. Y serán todas escrituras importantes. Hoy empezamos con una de ellas, tal vez la más importante del año y del blog en su historia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A
veces es difícil hablar de un objeto artístico, reconocerle su
valor, intentando despojarse de los gustos de uno. Es muy difícil.
Pero con un poco de conocimiento y cierto grado de objetividad, se
logra, sin duda. Creo que es posible decir “bien, este disco no me
gusta, pero es muy claro su potencial y valor”. Lo subjetivo y lo
objetivo. Pero creo que es más difícil, sobre todo porque no se
habla mucho de eso, ni siquiera los críticos, no sólo encontrarle
el valor sino a la vez saber en dónde entra ese valor.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Si
hablamos de Totem y Días de Blues, por ejemplo, ambos (en aquella
época), tenían gran valor. Ahora, es claro que no entran dentro de
la misma caja. Totem era de las primeras bandas en mezclar el rock
emergente de los '70 con candombe y otros lenguajes autóctonos, o
sea, una nueva propuesta musical (hasta cierto punto, obviamente).
Días de Blues fue un gran power trío que traía un estilo muy
popular del rock a nuestro país con un gran nivel, pero si lo vemos
dentro de lo que era la musica en general, como una sola cosa, en
realidad era un power trío más, no había nada nuevo. Seguramente
cualquier extranjero preferiría, y seguramente con razón, saltar a
Cream, por decir algún ejemplo, antes que Días de Blues. El valor
de Días de Blues era más por el contexto geo-temporal más que por
la música en sí. El valor que tiene es mucho mayor por haber sido
de Uruguay y por ende mayor para nosotros, a diferencia de Totem cuya
propuesta sí era algo más original y su valor sigue trascendiendo
fronteras. Como instrumentistas y por ende el resultado, seguramente
el de Días de Blues era más delicado y minucioso (obviamente que
dentro del estilo), eran mejores con sus instrumentos (sin desmerecer
la calidad de los de Totem, ya que es una comparación). Eso a la
hora de plasmar ideas obviamente es una ventaja.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">En
fin, por un lado, es posible valorar algo por su calidad como objeto
artístico más allá de los gustos y que a su vez es posible, y
hasta necesario, diferenciar qué tipo de valor tienen estos objetos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">¿Qué
sería, a mi consideración, lo más difícil de todo esto, sobre
todo hoy en día? Lo más obvio: lograr algo de gran calidad, con
buenos arreglos y buen trabajo de los instrumentos, con una clara y
rica noción de cómo funcionan estos y que a su vez el producto sea
genuino, original e innovador (en cierta medida o en toda medida). Y
es aún más difícil si esa originalidad no solo se da a nivel de
construcción sino también a nivel del uso de los instrumentos: usar
estos de manera muy buena y que a su vez lo producido sea original.
Ya solo 1 cosa es difícil, ni que hablar ambas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Hace
un tiempo apareció un solista que es de los poquitísimos casos en
el Uruguay actual que logra reunir estos aspectos y ese es Jorge
Portillo con su proyecto solista Portillo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Portillo
compone, toca guitarra y canta. Pero el es compositor. Esto marca no
solo desde dónde parten sus composiciones, sino su acercamiento a
los 2 instrumentos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">No
tiene una gran técnica de guitarra en el sentido clásico. Es más,
si un guitarrista con mayor formación lo viera, tal vez hasta lo
tacharía. Usa solo 2 dedos, pulgar e índice. A veces aparece el
mayor, pero no es lo más habitual. Incluso de aparecerse, ´por lo
general la mano sigue trabajando como 2 apéndices y no 3. Sin
embargo, esta tal vez limitación (digo tal vez porque motrizmente lo
es, porque no es una elección sino más bien una condición), lo ha
llevado a adoptar una técnica bastante particular. El uso de 2 dedos
lo ha llevado a hacer composiciones a 2 voces, una guiada por el
pulgar y la otra por el otro dedo. Esto hace que sus guitarras, en su
gran mayoría, sean sumamente contrapuntísticas. Es más, aunque en
lejos de eso, podría llegar a recordar a los fraseos de las
composiciones para laúd (antecesor de la guitarra) del renacimiento,
en las cuales esto sucedía. Sin embargo lo más interesante es
cuando esta condición técnica es usada en cosas que en sí no están
pensadas para solo 2 dedos (ya que lo anterior sí es para ello). En
muchos momentos hace arpegios. Un guitarrista que usara ya 1 dedo más
haría estos con los 3. Sin embargo, Portillo hace un arpegio tocando
2 cuerdas con 1 solo dedo y lo que se termina generando es una
sonoridad bastante particular, porque el gesto está condicionado por
esa tensión innatural. Son estas particularidades que hacen que la
guitarra de Portillo tenga un estilo propio. Condicionado, sí, pero
consciente y por ende termina siendo una decisión y así parte de su
lenguaje.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Es
que las guitarras de Portillo son muy gestuales. Un contrapunto
bastante enredado y tenso, sumado a esos gestos diseñados para otros
mecanismo pero hechos mediante uno más rudimentario, y a todo esto
se le suman detalles más personales que escapan de la forma de tocar
más clásica. Hay una clara búsqueda por sonidos y efectos que en
otros casos podrían ser indeseados, errores. A la vez, efectos como
el bending (estirar las cuerdas) o la percusión sobre la madera, que
son técnicas más tradicionales, son usadas constantemente pero de
una forma más extrema, sobre todo en el bending donde la nota se
pierde para darle más lugar a la fluctuación de la misma y al
efecto. Portillo no es un guitarrista en fin, sino un compositor de
la guitarra. Lo usa como medio, lo construye. Y eso es valorable. No
agarra el instrumento y lo usa como debe usarlo, sino que él decide,
con las herramientas que tiene, como quiere que suene. Compone el
sonido de su instrumento.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW4IxIooPmqVuJ5RzM99FHG2GDDqKaR5Sfz1otFTM1h-VvXPHnvYjhZRz8EmaMbXRBVHFX4sFENDmMaHB34bnEkCqXc_Vhb1PDn4gXbkCY4-l0Ccwtc77gpzv42GC_rN20zWTnENQIw6OK/s1600/DSC_0022.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW4IxIooPmqVuJ5RzM99FHG2GDDqKaR5Sfz1otFTM1h-VvXPHnvYjhZRz8EmaMbXRBVHFX4sFENDmMaHB34bnEkCqXc_Vhb1PDn4gXbkCY4-l0Ccwtc77gpzv42GC_rN20zWTnENQIw6OK/s320/DSC_0022.JPG" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La
voz es otro instrumento particular acá. Cantar “bien” (usando
esa palabra dentro la concepción más tradicional del canto) siempre
funciona. El tema es que dentro de este contexto, donde la búsqueda
personal está llevada a gran nivel en cada aspecto, un cantar
tradicional podría quedar opacado. Aunque es verdad que Portillo no
es un gran cantante (a diferencia de guitarrista, porque por más que
su técnica no sea la más pulcra, llega a unos resultados muy únicos
y difíciles de reproducir), se las ha ingeniado para que su voz
logre jugar en el mismo terreno y de muy buena manera. Gritos,
sonidos con la boca, el canto en falsete (que es su mayor logro), son
algunos de los métodos por los cuales logra consolidar un canto
interesante que juegue con lo que rodea, lo cual no es menor, porque
en una música donde ya hay un instrumento de sumo interés, el no
solo no quedar opacado sino que poder llamar la atención, es un gran
logro. Claro, de todo lo que encontramos aquí, tal vez pueda ser lo
que más rechine, por algo inevitable: la voz es el sonido con el
que todos nos sentimos más identificados. Puede ser el tema más
amigable y ordinario del planeta, con todo lo que le puede a gustar a
quién sea, pero si la voz tiene algo “diferente”, ahí ya
entramos un debate. Pero acá lo importante es que es otro aspecto
más que suma mucho a todo el riesgo (bien hecho) que toma este disco
(razón principal por la que se encuentra en esta escritura).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero
lo más interesante de Portillo es la parte compositiva. Sí, todo lo
anteriormente mencionado forma parte de ello, pero a lo que me
refiero es la estructura, el orden en que suceden las cosas y cómo.
Algo claro es que esa búsqueda personal está en todos los aspectos
de la música, y acá se de mediante la combinación de momentos más
tonales y otros totalmente atonales, el gran uso del ruido y de los
efectos tímbricos como eje en muchas partes. Los cambios de
velocidad, las polirritmias entre los diferentes instrumentos. Es una
gran carga de información. A todo esto, hay que sumarle el aspecto
más interesante: los constantes cambios anímicos. Un solo tema puede
tener varias secciones y estar saltando de una a otra y retornando a
las mismas en tan solo segundos. Y lo llamativo (y seguramente más
chocante al oyente) es que estos cambios son generalmente sumamente
bruscos, lo cual se potencia porque en ellos hay también cambios de
tempo y hasta de dinámica. El cambio de sección puede ser
repentino, como si fuera un corte y pegue. Y como dije, se puede
volver repentinamente a lo anterior. Esto, combinado con la constante
búsqueda tímbrica, el juego entre lo tonal y atonal, el gran
trabajo contrapuntístico entre los diferentes instrumentos, hace que
el oyente se vea atacado de un flujo de información grande, lo cual
necesita de una escucha muy atenta para que nada pase desapercibido.
Y más que nada, genera una inestabilidad que se aleja mucho del
discurso musical más tradicional, donde el pasaje del tiempo es un
fluir más armonioso y conexo. Hay excepciones, no todos los temas
son así. Algunos no tienen este aspecto y se concentran más en
otras cosas, pero se puede decir que es una marca de Portillo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Es
que la música de Portillo es intensa. A veces agresiva y violenta, a
veces gentil y calma, pero siempre intensa.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A
raíz de todo esto, hay 2 cosas que me parece que son necesarias
aclarar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Para
empezar, no dudo que varios podrían decir “se repite en como hace
sus temas”, en cuanto al uso de estos aspectos, sobre todo en el
orden, o sea, los cortes y eso de lo que hablaba en el párrafo
anterior. Al escuchar el disco, uno va a notar enseguida que la
homogeneidad es muy grande. Ningún tema es parecido a otro, aunque
sigan una línea estilística. Y todo lo anterior no diría que es
repetitivo. Aquel que lo diga (porque lo he escuchado) va a ser
porque se trata de un aspecto que escapa de lo más tradicional y por
ende es más llamativo. Ahora, podríamos decir lo mismo del discurso
tradicional, decir que el hecho de que todo tenga un fluir más
conexo sea repetirse. Creo que este aspecto de la música de Portillo
es algo para valorar y mucho. Crea su propia forma de construir los
temas y lo adopta como propio. Dentro de Portillo, el fluir conexo se
trata de esa inconexión. Solo mediante el reuso de las cosas se
logra establecer algo, se logra una evolución, sino son simples
mutaciones.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdt1oly3LrfkT8huZESXzi99D2pTGAaCCSNWM-vrftJo3LH60_rU7UnPen7eQghxBDWXXtJlg0AdLJoVMo5VAkTBgtZBpnHszsKBkwMCZNRyoFiXqnDuaaIZWF-__YaDAFrm1OW72qFu1O/s1600/11033727_167363123613984_3013580021764023968_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdt1oly3LrfkT8huZESXzi99D2pTGAaCCSNWM-vrftJo3LH60_rU7UnPen7eQghxBDWXXtJlg0AdLJoVMo5VAkTBgtZBpnHszsKBkwMCZNRyoFiXqnDuaaIZWF-__YaDAFrm1OW72qFu1O/s320/11033727_167363123613984_3013580021764023968_o.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero
lo más importante es la definición que puede llegar a adoptar la
música presente en este disco. Es obvio que la primer clasificación
que saltaría es “experimental”, una clasificación que
personalmente desprecio. “Experimental” siempre ha sido aquello
que no entra dentro de los lenguajes más clásicos y que por su
trabajo más complejo, que requiere de mayor tiempo de análisis (el
cual la mayoría de los críticos y oyentes no tienen....ni
teniéndolo lo usarían), y no ser tan fácil y rápido de clasificar
como otros estilos más conocidos (y en muchos casos más fáciles de
digerir), recae en una denominación totalmente ambigua. Porque Zappa
era experimental, John Zorn es experimental, Velvet Underground era
experimental, Lazaroff y compañía eran experimentales, los
compositores académicos de las posguerra eran experimentales, Death
Grips y otros son del hip hop experimental, Miles Davis era
experimental en los '70. Son todos experimentales y ninguno tiene
nada que ver con el otro. Experimental es aquello que se escapa de lo
tradicional y que la gran mayoría de los críticos no tienen el
tiempo (y diría que ni el conocimiento ni ganas) de sentarse a
hablar en serio.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero
alguien como Portillo, que no solo tiene búsquedas muy personales,
sino que ninguna de estas queda como un objeto único en el tiempo,
sino que son reusadas y terminan siendo característicos de la
música, no puede entrar en esta clasificación. Porque cuando sucede
esto, lo que se está creando es un lenguaje muy definido. Si fuera
un desfile de cosas atípicas, ahí sería diferente. Pero alguien
que tiene muy bien definidas sus herramientas y sonidos, por más que
estos sean atípicos, es alguien que tiene definido su lenguaje, y lo
que está definido como materia se puede definir en conceptos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Sus
influencias son claras: Jorge Lazarrof, Luis Trochón y otros del
palo de Uruguay por un lado (aunque sus guitarras también contienen
aspectos de guitarristas folclóricos del continente), y por otro
lado Pixies y varios del rock alternativo de los '80 y '90. Esta
combinación se hace bastante atípica, más si le agregamos todo lo
anterior. Por ende, Portillo no podrá entrar en una clasificación
de etiqueta, pero tampoco diría experimental, porque Portillo se
puede definir.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">En
el disco participan varios otros músicos, de los cuales 4 son ya
“oficiales”, por estar siempre presentes en sus presentaciones en
vivo. Estos, por su nivel y lenguaje propio, también definen el
estilo de Portillo. Este último define la cancha y da las
direcciones, pero ellos interpretan esto a su manera y aportan a la
pintura general.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Por
un lado tenemos las guitarras. Mientras que Manuel Rilla incorpora un
estilo proveniente del post-punk, con melodías claras y cantables,
cargadas de reverberación y siempre trabajando en forma
contrapuntística con Jorge Portillo, creando un verdadero trabajo a
2 guitarras en el sentido más clásico, Juan Martín Lopez y
Guillermo Stoll traen algo más ruidoso, efectista y gestual, que
trabaja más teniendo en cuenta la superficie de la composición en
general y no tanto la guitarra de Portillo específicamente. Estos 2
últimos le dan a la música mayor tensión, a diferencia de Rilla
que le da un toque suave y cristalino, más armonioso.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Mauricio
Ramos es un percusionista sumamente formado, que ha tocado tanto en
ámbitos de música popular como en ámbitos de mayor improvisación.
Pero la verdad de Ramos es que en gran parte, es un músico
académico, habiendo participado en trabajos de suma complejidad.
Entonces no es para nada sorprendente que sus aportes en este
proyecto sean de enorme interés, pudiendo usar la percusión como
acompañamiento, así como creador de sonidos y efectos, siempre
ayudando a que la música contenga un trabajo polrrítmico super
complejo y fino. Tal vez, por tratarse de un instrumento no melódico,
sumado a que sus aportes no son los más tradicionales que digamos,
no se perciba al instante el nivel de su trabajo, pero puedo
asegurarles que de todos los que aportan, seguramente él sea quien
tiene las armas más poderosas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Es
que estos músicos comparten actividad hace años. Portillo, Stoll y
Rilla son 3 de los 5 integrantes originales de Genuflexos (quienes
estuvieron en este blog por su disco “Rocky Marciano" en el 2013: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/07/genuflexos-rocky-marciano.html"><span style="color: red;">http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/07/genuflexos-rocky-marciano.html</span></a>).
Lopez y Ramos son los 2 integrantes de Tangente, otra interesante
banda de Uruguay. Ellos han colaborado con Genuflexos y ahora son
integrantes oficiales: Ramos como baterista y Lopez como 3er
guitarra.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Este
disco debut fue lanzado el 12 de noviembre de este año a través del
sello Feel de Agua, uno de los sellos independientes de Uruguay que
forma parte del colectivo Esquizodelia, dedicado a la música
independiente under, y en el cual todos los discos son producidos por
su cabezal, Fabrizio Rossi.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A
lo largo del disco nos encontramos con todo esto previamente dicho y
ningún tema pasa por alto. Creo que todos son merecedores de un gran
análisis. Sin embargo, hay 2 temas que debo destacar. No sólo por
el enorme trabajo instrumental y arreglístico, sino porque
compositivamente son algo diferente a lo que se ha escuchado en
Uruguay. Sin duda se puede conectar con antecedentes natales, sobre
todo de la generación de cantautores de finales de los '70 y la
década de los '80, pero esto sin duda es algo más nuevo. Son de
esos temas que de verdad se alejan de muchísimas cosas y son, en
fin, algo nuevo a aportarle al arte. Son “un paso adelante”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWhpvdAYxuYdJtycV44QCM579lFo4AEiPs9WweTXyzjX9YpFQ0_u_g7JY3G80E-ubA52A5jbz2fzaKZ80eK2AwmKuZGwXTRtu8d4-pzHQk8nG5awmdIe195Fr0x-S6adl9w8FK5SgTCw70/s1600/12185098_167363213613975_2046853859431952215_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWhpvdAYxuYdJtycV44QCM579lFo4AEiPs9WweTXyzjX9YpFQ0_u_g7JY3G80E-ubA52A5jbz2fzaKZ80eK2AwmKuZGwXTRtu8d4-pzHQk8nG5awmdIe195Fr0x-S6adl9w8FK5SgTCw70/s320/12185098_167363213613975_2046853859431952215_o.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Quequequé”
es uno de ellos. La guitarra empieza con un ritmo cercano al de una
chacarera, mientras que la voz hace un gran uso de glissandos para
llegar de nota a nota y romper un poco con el ritmo bien marcado de
la guitarra. En el estribillo empieza lo más interesante. La base
del ritmo de chacarera es 3 golpes contra 2, o sea, cada 3 de uno,
hay 2 de otro. Por ende, los de 2 duran 1,5. ¿Qué sucede en el
estribillo? Mientras que la guitarra de Portillo marca todo el
patrón, dejando en claro los 3 (que son el punto firme), la guitarra
y las maracas, hacen el 2, pero con más volumen. Lo interesante es
que esto hace que la música simule cambiar de compás (digámosle
ritmo para entender), pero en realidad sigue igual. Es una simulación
de cambio muy interesante, ya que realza algo que tiene un papel
secundario y lo vuelve principal, engañando al oyente. Mientras
tanto, siempre nos encontramos con la voz un poco más suelta y
flotante, siempre corrompiendo con esa estabilidad rítmica.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A
la vuelta a la estrofa principal, una 3er guitarra participa con la
misma idea que la voz.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La
cosa se complica con lo que sigue luego del 2do estribillo, que sin
duda deber ser el momento más interesante y complejo de todo el
disco. No solo cambia el tipo de compás y el ritmo, sino también el
pulso que este tenía. No es que se vuelve más lento, sino que el
tempo de esos puntos firmes es más lento, mientras que lo que estos
contienen mantienen la velocidad de lo anterior (como si dijeramos
que X objeto de lo anterior es igual a X de lo siguiente, y por ende
se mantiene la misma velocidad). Para entender, antes se podría
contar 1-2-3 a una velocidad movida y en este caso 1-2-3-4 un poco
más lento. Por otro lado, cada instrumento está haciendo un ritmo
diferente, cada uno con sus propios acentos, lo cual genera una
polirritmia sumamente compleja e inestable. Pero lo más interesante
es que esto está tocado como si fuera un loop, y en cada repetición
hay un detalle diferente. El grado de complejidad de esta sección,
en la cual es muy difícil obtener toda la información al instante e
invita a que se escuche una y otra vez, hace que este loop tenga
mucho sentido, sobre todo porque genera un buen grado de tensión.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La
sección siguiente rompe con todo esto, transformándose en una nube
sonora cargada de distintos sonidos. La complejidad sonora se
mantiene, pero yendo por un lado más etereo y despojada de ritmo,
contrario a lo anterior. Seguido a esto, un corte abrupto hacia una
sección tranquila donde vuelve a haber un pulso, pero por su
lentitud, carece de perceptibilidad tan obvia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Es
sin duda un trabajo increíble el de esta composición, llena de
secciones, cada una con enorme interés, con una buena conexión pero
siguiendo la idea de lo abrupto. Cada detalle está llevado a un
nivel muy abstracto que requiere de gran atención y juega con el virtuosismo no a nivel solista, sino grupal. Me atrevo a decir que es
el tema más interesante que ha pasado por este blog (junto al otro
del cual ya hablaré).
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“El
otro que despierta” es el otro gran tema del disco. Algo que le da
este mérito es su forma. No es una canción, sino una composición,
con principio, desarrollo y fin. No hay estrofa ni estribillo, sino
secciones que van desarrollando el tema en el tiempo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Empieza
con una guitarra arpegiada que sigue el estilo de sus influencias
uruguayas, pero lo interesante es que las guitarras, con sus efectos,
y por sobe todo la voz, estirada y flotante, generan un cierto grado
de ambigüedad e indefinición que puede recordar, tal vez, a un
Zappa de fines de los '60 o algunas de las bandas experimentales del
Canterbury Scene, más que nada Henry Cow y Art Bears. A la siguiente
sección, nos encontramos con algo más rítmico, donde la percusión
cobra estelaridad y el juego de pregunta-respuesta de las voces en
forma hablada juega también con lo rítmico de la mano con la
guitarra. Seguido a esto, empieza lo que podría denominarse un
puente, donde las guitarras de Portillo y López trabajan en forma
conjunta, pero de distintos lugares: Portillo manteniendo la noción
más armónica y rítmica, mientras que Lopez aporta con efectos que
van más por lo tímbrico. De a poco la velocidad del arpegiado, así
como el cambio de acordes, se va acelerando, aumentando cada vez más
la tensión. En momentos, se le suman ataques super agresivos que van
dando introducción al pasaje final: un espiral atonal repetitivo,
donde la guitarra de Portillo repite una y otra vez la misma sucesión
de notas en subida y la guitarra de Lopez y la percusión de Ramos
juegan con una serie de efectos ambientales, sumado a voces y gritos
cargados de reverberación. Es este último pasaje la sección más
arriesgada del disco, porque se trata de algo que no no es fácil de
entender. No llega a ser algo totalmente disonante y libre, pero
tampoco es algo sumamente claro y definido. Podría ser algo más
bien estocástico. Lo claro es que cada sección contiene un material
muy interesante y hay un claro desarrollo de algo más cercano a algo
tradicional (aunque hasta ahí) y como de a poco se aleja hasta
volverse algo sumamente tensionado y difícil para el oyente. La otra
gema del disco</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Discos salen todos los años y siempre
nos encontramos con cosas que valen la pena. Sin ir más lejos, van
más de 2 años de este blog y siempre ha habido material del cual
hablar a nivel local. Sin embargo, este disco es
un caso bastante especial.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Siendo
totalmente sincero, en este blog aparecen discos que recomiendo y que
obviamente me son muy atractivos, pero como digo en todos, ninguno es
algo verdaderamente nuevo. Ninguno sorprende por ser innovador o
traer algo que sea un paso hacia adelante. Se destacan por su trabajo
y elaboración, por su interés como arte, pero no por ser algo nuevo
en sí. Es más, de todo lo que he escrito, creo que el único que
reúne estas características es “Partido el ganado” de
Alessandro Podestá y en menor medida “Rocky Marciano” de
Genuflexos. Los demás discos son de buena a gran calidad y tienen
mucho valor, pero ninguno entra en esto que hablo, que para mí, si
además está bien hecho, es el mayor logro.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr8kF1F4tLIHWXpjMx4b_oXQmpsqrdq2fLx4G1BbFy9Qn1Hci9EfJlvSYP2Vk-eGWuMoed1qkUjUgjrPAL2ccvjG0hGuwwQ-0OM8iJ-SdYbJXuYOWa_hyYCu7XokPZ-cWQzo5EdpzXIfuz/s1600/DSC_0004.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr8kF1F4tLIHWXpjMx4b_oXQmpsqrdq2fLx4G1BbFy9Qn1Hci9EfJlvSYP2Vk-eGWuMoed1qkUjUgjrPAL2ccvjG0hGuwwQ-0OM8iJ-SdYbJXuYOWa_hyYCu7XokPZ-cWQzo5EdpzXIfuz/s320/DSC_0004.JPG" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Este disco debut de Portillo es eso de
lo que hablaba al principio y en este párrafo anterior. Hay que
saber donde colocar el valor de cada obra artística (cuando lo
tiene). El disco de Portillo, es para mí, un enorme logro. Tiene un
enorme valor musical a nivel de trabajo: un minucioso y elaborado
resultado instrumental, donde cada instrumento está trabajado al
máximo para sacar el mayor grado de detalle siguiendo la línea
estética del proyecto, y a su vez, todos estos hacen sus propias
búsquedas para llegar a una mayor originalidad y “voz propia”,
algo que también va en la línea conceptual.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero lo más fascinante es la parte
compositiva. Claro, esta depende de lo anterior, obviamente, pero
hablo del lugar de partida. Cada composición tiene un nivel de
elaboración sumamente complejo a nivel de ensamble, a nivel
estructural, a nivel armónico, a nivel melódico, a nivel tímbrico.
Es increíble como ninguno de los 11 temas pasa desapercibido, como
todos tienen algo que los hace sumamente interesantes, sean todos los
puntos o solo uno, como el contrapunto entre los instrumentos, o el
timbre que se le busca a la voz, o los cambios de tempo y secciones.
11 temas y ninguno queda “de relleno”. Ninguno queda opacado y
todos tienen algo que puede considerarse de absoluta riqueza musical
no solo a nivel general (desde un punto de vista más atemporal),
sino como trabajo artístico actual y local.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Es emocionante que haya un disco así,
acá y hoy. Un disco que de verdad trae algo nuevo, en momentos en
menor medida, en otros en mayor. Un disco más arriesgado y que
aprovecha cada parámetro para explorar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A la vez es frustrante que por todo
esto, no vaya a tener su merecido reconocimiento en su presente, como
siempre sucede. Y cuesta más porque generalmente estas cosas se
terminan valorando con el tiempo, por la marca que dejan, porque
cuando sucede en su momento dado es en gran parte por el marketing
que recibe. Pero me atrevo a decir, teniendo en cuenta la historia de
la música popular uruguaya (y bueno, de la música uruguaya en
general) que este disco va a dejar una marca, una marca importante,
de una generación actual que está dándole un verdadero nuevo giro a
la música nacional.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">“Portillo” de Portillo es un
verdadero tesoro de nuestro país. Estará escondido para una gran
mayoría, pero para eso está este blog: para destapar tesoros.</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br />
</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Como siempre dejo links.</span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Su Facebook. Si gusta el disco, se pone "me gusta": <a href="https://www.facebook.com/Portillo-167170466966583/?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/Portillo-167170466966583/?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Su disco para descargar en Feel de Agua: <a href="http://feeldeagua.net/discos.php"><span style="color: red;">http://feeldeagua.net/discos.php</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Y su Bandcamp, donde también se puede descargar y a la vez escuchar online: <a href="https://portillo-uy.bandcamp.com/"><span style="color: red;">https://portillo-uy.bandcamp.com/</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">HASTA LA PRÓXIMA SEMANA!!!</span></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-20881984223636101512015-08-07T10:24:00.001-07:002015-08-07T10:52:22.657-07:00Uoh! - "Split"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdPmJSeeEeeO9QUJOnJbJy06IUZXeTw5E6eE79v9LiKD5HMP9_XV-lsp3AMk5kP7cnLlWVq9UBjJvEstXYr2la0Z9KKjJofAN33zOVa-r4OVDfFOpQeOPisM5Z6vKfTC0XRUW98qqsv7CH/s1600/a2558819241_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="252" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdPmJSeeEeeO9QUJOnJbJy06IUZXeTw5E6eE79v9LiKD5HMP9_XV-lsp3AMk5kP7cnLlWVq9UBjJvEstXYr2la0Z9KKjJofAN33zOVa-r4OVDfFOpQeOPisM5Z6vKfTC0XRUW98qqsv7CH/s320/a2558819241_10.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego de un tiempo de ausencia,
volvemos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como ya todos sabemos, la escena under
de Uruguay se caracteriza por su diversidad de bandas. En menor
medida por su diversidad musical. Claro, siendo pocos, es fácil ser
“original”. Con comillas porque en la mayoría de los casos no se
trata de originalidad musical a nivel global, sino territorial. Es
fácil ser “la banda que hace X estilo”. Aún así, la
predominancia del rock es lo que caracteriza a esta escena, sobre todo
lo naciente del punk y el blues-rock y sus diversificaciones más
pesadas.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, es interesante como cada
tanto aparecen bandas que no solo hacen un género que otros no están
haciendo, sino que le agregan algo personal. Un claro caso es
Genuflexos, de quienes ya hablamos previamente y que son de lo mejor
de los últimos años. Pero hay otros casos muy interesantes y es lo
que traemos hoy.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hace ya unos años, apareció una banda
que traía la idea del jam y el ritual no como un elemento, sino como
pilar: Uoh! (el signo de exclamación es parte del nombre).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su formación ya nos dice mucho de
ellos: 2 guitarras, bajo, batería, 2 percusionistas, saxo, trompeta.
Es una especie de ensamble cuya carencia de voz delimita bastante el
trabajo; más bien para no llevarlo por el lado de la canción, o más
bien la canción clásica.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sumado a la idea de ritual y el
instrumental con el que cuentan, se le agregan las influencias
musicales. Como es de esperarse, obviamente hay una base de rock, que
en este caso parte del punk y géneros relacionados como el post-rock
y algo de noise. Pero desde ya hace unos años nos encontramos con
otras influencias. Si el rock fuera el piso, las paredes y los techos
vienen de otros lados, y en este caso es más el afrobeat de Fela
Kuti, jazz fusión de principios de los '70 (más del lado
proveniente de Miles Davis y sus jams eternos), ciertos conceptos de
bandas como Hawkwind y las alemanas Can y Neu! (no quiero utilizar el
término Krautrock porque nunca existió, ni como escena ni como
género musical) y también un poco de tradición afrolatina. Aún
así, recordemos que el piso es rock y si hubiera que decir qué es
la banda, diríamos que es una banda de rock. No de rock clásico.
Con sus vueltas, pero es una banda de rock.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El toque final está en la simpleza.
Los temas de Uoh! se tratan de una progresión de acordes super
reducida y simple, con una base rítmica repetitiva (con variantes
pero siempre partiendo del mismo patrón), líneas de bajo con
bastante swing, líneas de vientos que siempre están en la línea
delgada entre el acompañamiento y la voz principal y guitarras que
dividen su trabajo entre el rasgueo rítmico y el riff. Nunca hay
virtuosismo y nunca hay solistas. Cuando los hay, es breve, efímero.
Uoh! trabaja como un bloque, como un todo. Y si a esto le sumamos la
idea de que la música de ellos tal vez no es lineal sino más bien
“cuadrática” (en el sentido del manejo del tiempo, o sea, no
importa cómo se desarrolla la música en el transcurso del tiempo,
sino como existe en sí misma, o sea, cuales son sus características,
porque los temas podrían durar 2 minutos como 1 hora), entonces ahí
tenemos la mezcla ideal para lograr el ritual. Sí, obviamente es la
receta clásica, la mezcla que siempre va a generar esa idea de
ritual, pero si está bien hecha, siempre funciona.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlb8TgCzs1XMif0opWPTYQi9XR-EgZzSyO2jrPU9zusf5ekGYBVj2avfzuSPuk5T2RJmk5DwXVvZWvRsGHf_9q1NHKpVvftbiNMeUJGOBkcipEoYA_PDzUhPdWabZ2qHa8YSOfNqEZYGgb/s1600/10632653_686082544812073_4028241517252442321_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlb8TgCzs1XMif0opWPTYQi9XR-EgZzSyO2jrPU9zusf5ekGYBVj2avfzuSPuk5T2RJmk5DwXVvZWvRsGHf_9q1NHKpVvftbiNMeUJGOBkcipEoYA_PDzUhPdWabZ2qHa8YSOfNqEZYGgb/s320/10632653_686082544812073_4028241517252442321_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Uoh! ya tiene sus años y han tenido
varios lanzamientos, entre los cuales encontramos 2 LPs, un EP, un
disco en vivo y un demo. Si vemos la evolución de la banda, aunque
siempre la propuesta de jam fue la base, en sus principios era una
banda con un nivel más fuerte de rock, mucho más punk y del
denominado post-rock. Pero fue en su segundo LP titulado
“Uoh!...¡PA!” en el que incorporaron de manera más solida las
influencias del afrobeat, la Alemania experimental de los '70 y cosas
más afrolatinas. Fue en ese punto en que lo que antes podía pasar
por la denominación de “colgadera”, ahora se transformaba
“ritual”. Esto también se da por estereotipos, ya que el
afrobeat y musicas afrolatinas tienen ese carácter ritualístico. Sin
embargo, dudo mucho que conceptualmente haya cambiado algo. En
realidad es lo mismo de alguna forma. Siempre fue un “ritual” y
siempre fue una “colgadera”. Esas cosas a veces van más por
estereotipos y críticas sin fundamentos desde un ojo occidental. La
banda habrá agregado nuevos detalles a su propuesta musical, pero no
así su propuesta conceptual. Es importante aclararlo. Claro, esto
siempre desde la visión de quien escribe. Uno nunca sabe qué
pretenden, pero igual no importa. En estos casos, lo que se hace es
análisis y críticas de un producto, no de una industria entera.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Uoh!...¡PA!” fue el último
lanzamiento de la banda, allá por el 2013. Casi 2 años después (lo
que traigo hoy fue lanzado el 22 de Mayo), Uoh! vuelve con nuevo
material.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Se trata de un split con Juan el Alto
(un seudónimo para Juan Branaa, quien también forma parte de la
integración de Uoh! en esta ocasión). Son en total 3 temas, 2 de la
banda y el otro por Branaa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En término generales, predomina más
el rock que las otras influencias de las que hablaba, ya que cuando
ambos conviven, hay un balance, pero en otros momentos nos
encontramos con rock despojado de eso otro y nunca viceversa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El primero de se titula “T.V. Cubana”.
Es un tema simple, desde los arreglos, líneas melódicas y armonía
hasta la estructura general. 2 partes: lo que podría ser una especie
de estrofa y un estribillo. Este último es siempre el más cargado y
más repetitivo en sí. Pero la estrofa, con su identidad super
minimalista, es la que a su vez también funciona en estilo. Por cada
vuelta de esa estrofa, aparece algo nuevo. En la primera vuelta, la
percusión con el ritmo base que llevará adelante todo el tema,
luego la guitarra rítmica que nos da la armonía y finalmente la
línea de bajo, que en un principio tiene el rol de melodía
principal y luego claramente se transforma en el motor base del tema.
Luego se agregan los vientos con el rol de voz principal y finalmente
se agregan voces que repiten una y otra vez “quiero quiero
televisión cubana”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El tema es el mejor ejemplo para
describir esta idea de ritual/colgadera, porque más allá de que en
sí hay una especie de proceso de adición, es muy simple y evidente.
No es al estilo del minimalismo de los '60 en el cual el proceso es
constante y hay un juego con la percepción. Acá se trata más de
“lugares” estáticos en los que se agrega algo y varía con
respecto a lo anterior, pero luego de eso, podríamos quedarnos en un
sinfín.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN-23fx6mTrlZiCa5ZP7YYWO-h8zZpx0UQLZyWp2EyXMVrs8FJEBZJGFgOcUZtRVGhM9DmZxwMSz4kQol_8mAjyF8R32HgE5Qzz0E2Yj9HpAq2LiYhZCNzDnJ8VGYnOZ5IGNF37D8n4GkK/s1600/979893_480256415394688_1301297725_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN-23fx6mTrlZiCa5ZP7YYWO-h8zZpx0UQLZyWp2EyXMVrs8FJEBZJGFgOcUZtRVGhM9DmZxwMSz4kQol_8mAjyF8R32HgE5Qzz0E2Yj9HpAq2LiYhZCNzDnJ8VGYnOZ5IGNF37D8n4GkK/s320/979893_480256415394688_1301297725_o.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El otro tema es “Lluvia dorada”,
que debe ser el tema más interesante que han grabado. Consta de 2
partes muy claras. La primera nos trae ese balance entre el rock y lo
más afrolatino-afrobeat de la banda. Una base de percusión y línea
de bajo intensa y fuerte lleva el pulso, mientras que un contrapunto
entre el riff a lo Santana de las guitarras y otro bastante etéreo
por partes de los vientos le dan el swing caraceterístico. Todo esto
siempre sobre una misma nota pedal, un constante La. Entre todo el
volumen y agresividad de cada instrumento, sumado a una gran carga de
reverb, esta primer sección da la sensación de algo grande y
espaciado, algo bastante caótico. A su vez, consta de otras 2
sub-secciones: la estrofa principal y un corte que sirve para bajar
por un momento la dinámica, aunque a al vez sobrecarga al oyente por
el deseo de retornar a esa estrofa. Lo interesante es que cada
instrumento tiene su individualidad, la cual es totalmente
escuchable, pero a la vez todo funciona como un gran bloque, lo cual
es obviamente gracias a la simpleza y repetición constante de cada
pequeño riff.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La segunda sección cambia
drásticamente. Es una sección mucho más difusa. La sección
rítmica baja enormemente, reduciéndose nada más que al marcado del
pulso, tanto por parte de la percusión como del bajo. El resto del
instrumental se encarga de melodías bastante etéreas, donde no
importa tanto la melodía sino el contorno donde se manejan. Además,
el enorme aumento de la reverberación ayuda a potenciar esto. Aquí
hay un despojo total de las influencias afrolatinas-afrobeat, yendo
más a un terreno psicodélico, ruidoso y denso, donde se puede hacer
una conexión con Hawkwind. Cabe destacar la participación de las
guitarras, al volante en esta sección. Lo interesante es como de
alguna forma se puede percibir una buena conexión entre esta sección
y la anterior, por más que estilísticamente no tengan mucho que
ver. Seguramente sea por el mantenimiento de ese La como nota pedal
constante y lo difusa que es esta sección pero aún así manteniendo
los mismos timbres que la anterior.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Después de 2 años y con pocas
presentaciones en vivo, tal vez les resulte poco esto para algunos,
solo 2 temas. Sin embargo, hay que valorar como con solo 2 temas
lograron plasmar la identidad de la banda al máximo. Habiendo
escuchado todo su material, creo que de aparecerse alguien que no
conoce en absoluto a la banda, con escuchar estos 2 temas ya puede
entender a la perfección de qué se trata Uoh! Eso no es fácil de
lograr. Podrán decir que lo es si no es una banda multi-géneros
a lo Led Zeppelin. También pueden decirlo si es una banda con un
estilo super básico y trillado.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Uoh! claramente tiene su sonido y su
estilo. Será original en mayor o menor medida, pero que tienen su
sello es indiscutible. Lograr en solo 2 temas plasmar con precisión
eso que los caracteriza y decirle a alguien “con esto vas a poder
entender completamente de qué se trata esta banda” es algo
valioso.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esperemos que de estos 2 temas salgan
muchos más....y pronto.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, links:
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco: <a href="https://uohpower.bandcamp.com/album/uoh-juan-el-alto-split"><span style="color: red;">https://uohpower.bandcamp.com/album/uoh-juan-el-alto-split</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El Facebook de la banda: <a href="https://www.facebook.com/uohpower?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/uohpower?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">VOLVEREMOS PRONTO!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-31965219287369513012015-05-13T21:04:00.002-07:002015-05-14T22:25:18.394-07:00Cadáver Exquisito - "750 mg"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf1UOD-EaCd9cIjTKcA2KjuhmvJ1PUj3eGARKzPsQslqGhcGp6cvYteeg02yzGRDLMeSGO5-ItGCj_913ES8jDsf-Do-IF0pnrqu6tf2OVVBPqXOnAcgps8IixYealIa3Bw5dFGxwxnUxr/s1600/a3727565514_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf1UOD-EaCd9cIjTKcA2KjuhmvJ1PUj3eGARKzPsQslqGhcGp6cvYteeg02yzGRDLMeSGO5-ItGCj_913ES8jDsf-Do-IF0pnrqu6tf2OVVBPqXOnAcgps8IixYealIa3Bw5dFGxwxnUxr/s320/a3727565514_10.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo más interesante de la clasificación
de géneros (cuándo no se trata de etiquetar para valorar o
desvalorar o simplemente para demostrar cuánto uno supuestamente
conoce) es que muchos subgéneros se diferencian entre sí
simplemente por la técnica de canto, por un ritmo o por tal mínimo
cambio. Y lo más interesante es que los que conocen del tema son
HIPER susceptibles a ello. Ese mínimo cambio hace que ya merezca otra
denominación. A veces me sorprende cuán sensible puede ser el oído.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ya hace un tiempo me quedó en claro
que si hay algún género musical que tiene esta característica
elevada hasta el cielo y más es el metal. La cantidad de
sub-géneros, sub-sub-géneros, sub-sub-sub-géneros que hay..... En
los estratos más grandes, las diferencias son claras. Nadie confunde
el thrash con el doom, ni el black con el death. Pero cuándo se
entra más adentro, ahí las diferencias pueden ser tan mínimas que
hasta confunden. Aún así existen esas clasificaciones.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo más fascinante es el enorme debate
de si tal cosa es metal o no. Por un lado, resulta cansador y
estúpido, porque en fin, ¿a quién mierda le importa? Pero por otro
lado (y el que me interesa), se trata de ver hasta dónde llega el
oído y el conocimiento musical. La clasificación de géneros, para
mí como músico e intento de escritor, es tomarse el trabajo de
entender la música y ver qué métodos se utilizan para componer y
tocar, de dónde vienen las influencias, qué contexto social hay,
etc. Es de verdad intentar adentrarse en la música, lograr
conexiones. No es lo mismo el jazz que el punk, y no es lo mismo el
jazz fusión que el bop, ni es lo mismo el hard bop que el post bop.
Decir que no es tanta la diferencia o decir que no importan estas
distinciones es en realidad no haber escuchado lo suficiente, porque
a medida que uno escucha más, se da cuenta de por qué sí es
importante, desde un aspecto puramente musical (la soberbia erudita
es lo peor que hay en el arte). Después todo el tema de si por ser
de algo merece mayor reconocimiento o si esto o aquello, eso
sinceramente no es de mi interés. Porque como dice este blog, son
recomendaciones musicales, y eso significa que lo primordial es si es
de buena calidad e interesante. Luego viene el género.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hace unos meses una de las bandas
uruguayas más interesantes de los últimos años lanzó su 5to
álbum (3ero de estudio, pues cuentan también con un split y uno en vivo). La banda se llama Cadáver Exquisito y el disco “750 mg”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En sus principios era fácil: hard
rock, del palo del blues pesado, Led Zeppelin presente. Siempre con
un toque “progresivo”: cambios rítmicos, riffs más complejos,
etc. Pero en esa vertiente, la improvisación como base. Era una
banda pesada, pero el lenguaje musical no iba por esos lados. De
alguna forma, podía acercarse a bandas como Oro y Revólver. Claro,
menos bluesera y con una actitud más punk, pero de alguna forma se
podían unir.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ahora 3 años después, sacaron un
nuevo álbum, dónde entra el problema que presentaba al principio.
Claro, problema para alguien que escribe. Para los oyentes no. El
hecho de que aparezca este problema desde un principio ya lo
transforma en un álbum interesante. Más allá de si gusta o no,
entrar en algo que puede generar cierta disputa a la hora de intentar
definir que hace un artista musical ya genera algo especial.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Las raíces de blues-rock se han
perdido enormemente abriéndole paso a la pesadez previa para que
crezca aún más. En realidad, para que todo crezca, porque no solo
es un disco más pesado, sino también más agresivo y crudo, más
complejo, tanto armónica y melódicamente como rítmica y
estructuralmente.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay influencias muy claras: Melvins,
Black Flag, Fugazi y Shellac (o más bien el trabajo en general de
Steve Albini, porque Big Black y Rapeman se pueden rastrear aquí).
Podría nombrar otras (es más, para algunos temas debería), pero
con esto ya marcamos bastante la cancha.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBYu6RfBU8kOYjggyMFekrM-TxHL01lLbnkoKq61cHDAzmD_JjdWZkfnywg4JiIW466Xiy2x2mPaKdIMgzPlxv31TJixB7duJMu1yhV8p4kPENaj4CH05cWQ0IJJ5aDkhh0HzdJxxyqPTq/s1600/10635882_1543785635858309_1548356103423441561_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBYu6RfBU8kOYjggyMFekrM-TxHL01lLbnkoKq61cHDAzmD_JjdWZkfnywg4JiIW466Xiy2x2mPaKdIMgzPlxv31TJixB7duJMu1yhV8p4kPENaj4CH05cWQ0IJJ5aDkhh0HzdJxxyqPTq/s320/10635882_1543785635858309_1548356103423441561_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una música pesada que se puede asociar
al sludge metal y post-hardcore. Es música pesada y con complejidad.
Pero no es del pesado naciente de Deep Purple o la camada de NWOBHM.
No viene del metal clásico. Viene del metal más rockero, desde
Black Sabbath, el cual, avanzando en el tiempo, paso por Black Flag y
obtuvo su identidad más punk y compleja, derivándose luego en
bandas como Melvins, quienes tomaron lo más pesado y denso, y bandas
como Shellac, que tomaron lo más punk y complejo. Es metal, es
pesado, pero es del metal que se siente más identificado con el
punk. Y cuándo aparece algo de blues, no va tanto por el blues rock
pesado sino por el stoner (aunque a veces se hace difícil
diferenciar el stoner del sludge cuándo el blues es muy poco
evidenciado).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo que a veces causa duda en Cadáver
Exquisito son las voces. En momentos de los discos anteriores, no
quedaban bien (en mi opinión). Sin embargo, en este disco parecen
encontrar su identidad finalmente. Las vocales en esta banda siempre
giran en torno al grito más que al canto. Incluso cuándo es con voz
limpia, la entonación es algo que se roza simplemente para emular la
musicalidad. Al adoptar un sonido más punk, este tipo de voz cobra
mucho más sentido porque no importa tanto la melodía sino el gesto.
Son vocales mucho más cercanas a la sensación que a algo
clásico-musical. Y en este disco, trayendo una música que sin duda
es más agresiva, este tipo de vocales se ajustan a la perfección.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo interesante es el trabajo en
banda. En discos anteriores, por el estilo musical, había “trabajo
en equipo” obviamente, pero se daba mucho lugar al solista. Incluso
cuándo estaban todos direccionados hacia el mismo lado, se podía
sentir como solistas trabajando juntos. Es que eso es algo bastante
característico del blues rock. Aquí eso se deja de lado y se da
lugar a un resultado más “en bloque”. La banda suena como un
sólo objeto y no como 4 que se unen. Es como si el trabajo de cada
integrante estuviera conectado con el de los demás. Esto se
evidencia más que nada con los cambios rítmicos o ciertos ataques.
Incluso ciertos arreglos de guitarra, como riffs repetitivos, están
en función de algo más de unidad y no tanto como algo solista. Sin
duda es de los elementos más clave en este nuevo trabajo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco pasa por varios territorios
más allá de lo anteriormente mencionado.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Julia” inicia con la reminiscencia
a Melvins en su 2da etapa (aquella que aparece por mediados de los
'90) y dejando lugar a cosas más del estilo de Kyuss (sobre todo en
la 2da sección).
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Kraken” es el más cercano a sus
trabajos anteriores, lo cual tiene sentido porque es el tema más
viejo. Sin embargo, el blues va más por el lado del stoner, como
dije anteriormente. Tal vez con una pizca más rockera, al estilo Fu
Manchu.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“El Gallo” es de los temas más
interesantes. Es metal, sin duda, del género del doom. Pero lo
interesante es como va pasando sutilmente por diferentes subgéneros
del mismo. Se logra combinar las pequeñas diferencias que hay entre
ellos. Lo que en un principio parece ser una especie de tributo al
sludge temprano de Melvins en discos como “Lysol” (el ritmo de la
batería y la nota pedal de la guitarra lo dejan en claro),
rápidamente pasa al stoner más denso de bandas como Sleep, lo cual
tampoco se puede decir tan tajantemente porque aparecen detalles que
pueden recordar a bandas como Crowbar, y finalmente desembocando en
algo con elementos más alternativos que nos pueden llevar a un
Melvins más post-hardcore de discos como “Stag”. Tal vez hasta
puede recordar a cosas de High on Fire. La transición es sutil y
todo esto se puede encontrar, pero lo bueno es que por más que en
palabras suene seccionado, en el tema está todo revolviéndose al
mismo tiempo. Es una buena síntesis de un género que contiene muchos
subgéneros cuyas diferencias a veces son bastante indistinguibles.
Nota: aquí las vocales llegan a su punto máximo, tanto en técnica
como la decisión de qué estética utilizar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Hall” mantiene la pesadez pero
deja más en claro las influencias de Steve Albini. En momentos hasta
puede recordar lejanamente a Nirvana, lo cual no es raro habiendo
sido Albini el productor de “In Utero”.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC-CMimJSvx4JClv5D88kJL3v2e49oXfczt_JRP6nZtqVjJwtE9_7RKOKtjeROXoQup8Yjv4pn_fqekCIZIb5NvG53p1NIsyVWlvXedZtES63E0GPUeh3EYv2hV_k0g0-JCTF4akuz8htF/s1600/10612951_692034410888168_7157100846874434921_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC-CMimJSvx4JClv5D88kJL3v2e49oXfczt_JRP6nZtqVjJwtE9_7RKOKtjeROXoQup8Yjv4pn_fqekCIZIb5NvG53p1NIsyVWlvXedZtES63E0GPUeh3EYv2hV_k0g0-JCTF4akuz8htF/s320/10612951_692034410888168_7157100846874434921_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Días de humo” es una convivencia
de 2 cosas diferentes. En el principio nos encontramos con un stoner
denso y lento. De seguir en eso, sería bastante obvio a dónde
podría ir, pero al entrar la voz, nos alejamos de esa densidad
yéndonos a algo un poco más amigable y melódico, más clásico en
algún sentido. Lo más interesante es el giro del final. Aunque
vuelve a la misma idea del principio, la incorporación del saxo hace
que todo tome otro color. Sigue la densidad, pero el saxo tiende a
alivinar las cosas. No sería raro la conexión con King Crimson en
su 1er época, sobre todo en “21<sup>st</sup> Century Schizoid
Man”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Pelo Pelirrojo” es otro gran tema
del disco. Un tema con gran energía dónde lo más ruidoso y punk de
la banda se ve demostrado. El post-hardcore que nos lleva a bandas
como Shellac y Fugazi ahora se ve acompañado de bandas como Slint.
Constructivamente, es el tema más original. No se trata del clásico
verso-estribillo-verso ni de un tema con varias secciones. Es como
una sola sección que de a poco evoluciona, sumando cada vez más
volumen y detalles. Si saltamos del principio a la mitad del tema,
esto queda en claro, pues seguimos en la misma idea pero con más
colores y relieves. Es lo que se podría decir “música de
proceso”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Así mejor” combina las
influencias de diferentes géneros mejor que ninguna otra. No llega a
ser ni lo suficientemente pesado para ir hacia un lado ni lo
suficientemente punk para ir al otro. Es un tema con bastantes
cambios y detalles. Hay que destacar los diferentes cambios rítmicos
(dónde la batería queda como estelar), pero por sobre todo los
diferentes arreglos de guitarra que aparecen uno atrás del otro y
siempre de buena calidad. Lo más interesante del tema es la sección
media, dónde un riff de guitarra se repite una y otra vez y lo que
cambia es la base. Es un recurso que nunca queda mal; es inoxidable.
En la música en general, la base se mantiene y es la voz superior la
que varía, el solista. El cambio de roles siempre es un recurso que
nunca falla porque la variación de la base logra simular que la voz
superior varía también aunque se mantenga estática. Es como si la
esencia de esa voz superior, por ese cambio del acompañamiento
(aunque en este caso, tal vez es la voz superior el verdadero
acompañamiento), cobrara otra identidad. Su identidad cambia según
el contexto y no por cambios en sí mismo. Otro de los grandes temas
del disco (que siendo solo 8 en total, 3 de este nivel no es poca
cosa).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“750” cierra el disco de forma
enérgica y pesada con la impronta punk que caracteriza al disco. No
es un tema que resalte por sí mismo, pero dentro del contexto,
funciona a la perfección. Como cierre, es ideal.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Uruguay es un país al cual no le ha
faltado metal, mucho menos música pesada y con energía. Sin
embargo, en mi opinión (aunque al parecer es compartida con varios),
nunca han aparecido discos que de verdad sean de gran calidad.
Algunos sí, pero la mayoría no. La mayoría son tan acotados
musicalmente, con tan poca variedad de influencias, que terminan
sonando a esas mismas influencias, un estilo de tributo más. Nada
nuevo, más de lo mismo. Y bueno, como suelo decir cruelmente, para
escuchar algo que intenta parecerse a otra cosa, mejor escuchar esa
otra cosa. Si no hay nada nuevo o interesante para ofrecer, paso.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Claro, entra la disputa de si esto es
metal o no y todo eso de lo que hablaba al principio. Lo que sucede
es que por alguna razón, siempre que se habla de metal se olvida de
toda la gama del doom, más que nada de los géneros más punk y
rockeros como el stoner y el sludge. Es metal, no se cuestiona. De no
serlo según ciertos puristas sin fundamentos, habría que dejar de
hablar de bandas como Blue Cheer y Black Sabbath....y al que se le
ocurra decir que esas bandas no son fundadoras del metal, estárian
demasiado equivocados. Y si dicen que lo son, entonces sepan que este
tipo de metal es el que está más relacionado a ellos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Jx1ttGizO4dfItCb-r0V66X7yotXdeHnq_6wTNuEwTh-eIxQ1T5Bj_FWl70wLwRef_HRYOKtHN4E-JyEbjg3uwED3FmOCcmF99EorGSvSPTKu6Ak9T83LjIP4aIq319H80PeOQp1ZTDe/s1600/10487446_646703882087888_5372855523938761009_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Jx1ttGizO4dfItCb-r0V66X7yotXdeHnq_6wTNuEwTh-eIxQ1T5Bj_FWl70wLwRef_HRYOKtHN4E-JyEbjg3uwED3FmOCcmF99EorGSvSPTKu6Ak9T83LjIP4aIq319H80PeOQp1ZTDe/s320/10487446_646703882087888_5372855523938761009_n.jpg" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“750 mg” es uno de esos discos que
faltaban en el rock uruguayo, en el rock más pesado. Hacía falta un
disco que de verdad pusiera este género del metal en presencia y con
calidad. Pero más que nada, hacía falta de alguna banda que por más
que sus influencias fueran claras, tuvieran algo para ofrecernos que
nos obligue a ir a ellas si es esa música en específico lo que
estamos buscando, algo que dijera “esto es de esta banda y no de
otra”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Obviamente Cadáver Exquisito no es la
nueva gema del rock ni nos traen algo indescriptible. Es clasificable
sí, pero no por ello dejan de ser Cadáver Exquisito. No son una
banda más. No tomaron los elementos y trucos de estos estilos para
imitarlos y listo. Le han encontrado su propia forma, otra forma de
interpretar esta mezcla.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este disco sin duda será de lo mejor
de este año en el Uruguay. Y por suerte, junto a “Jabalismo” de
Hijo Agrio (que será objeto de la próxima reseña y con quienes se presentan hoy Jueves 14 en el Solitario Juan), nos ha traído
buen metal, del más denso y pesado, del más agresivo y punk, del
que hacía falta.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, links:</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Facebook de la banda: <a href="https://www.facebook.com/pages/Cad%C3%A1ver-Exquisito/138639219493454?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/pages/Cad%C3%A1ver-Exquisito/138639219493454?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí podrán escuchar este gran disco, así como otros: <a href="https://cadaverexquisito75.bandcamp.com/"><span style="color: red;">https://cadaverexquisito75.bandcamp.com/</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-77469320951150666202015-04-11T11:36:00.000-07:002015-04-11T11:55:32.616-07:00Hablan por la Espalda - "Sangre"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3S-R5N0tixeOd4ub6pJjyxpWeoidh_0qxFRqq3cZXRkbQKA9ISc5_ExBITnSwNEG30iYxus_J6hgvWKN0eE_qDsQZHrB9BsJpJuLqkRYvjYBdkGlO4Mps2QQfo5pjngVeerlpBVQ_8TIQ/s1600/cover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3S-R5N0tixeOd4ub6pJjyxpWeoidh_0qxFRqq3cZXRkbQKA9ISc5_ExBITnSwNEG30iYxus_J6hgvWKN0eE_qDsQZHrB9BsJpJuLqkRYvjYBdkGlO4Mps2QQfo5pjngVeerlpBVQ_8TIQ/s1600/cover.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hablan
por la Espalda es uno de esos que llega a ser alguien dónde nadie
existe. La banda uruguaya tiene cerca de 20 años y tienen todas las
características de una banda under, desde hacer música por la
música, buscando algo nuevo sin partir de la idea de “le tiene que
gustar a la gente” (porque igual, no van a recibir dinero a
cambio), hasta nunca haber tenido un sello discográfico. Y sin
embargo, HPLE es una banda conocida con un buen número de
seguidores. Tienen el público pero siguen manteniendo su perfil.
Podrían haber hecho las maniobras, los negocios necesarios. Y aún
así siguen en el mismo lugar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y
si hay algo que sirve para reafirmar esto es como fue logrado este
nuevo disco: mediante la cooperación de todos sus fans. Esto, dicho
en otras palabras, significa que la banda no tiene el dinero
suficiente ni un sello discográfico que los apoye para lograrlo,
pero cuenta con un gran número de fans como para poder concretar la
idea. Son una banda chica económicamente, o más bien que no está
atada a la industria, pero grande musical y públicamente. ¿No es eso
lo mejor?
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esto
no es menor, al menos no para quien escribe. No lo digo desde esa
posición “ser conocido es venderse”. Es una cosa de principios,
o más bien, de preferencias. Porque si uno pasa al otro lado,
empieza la parte del negocio, inevitablemente, y ciertas decisiones
empiezan a girar entorno a ello. Cambia el lugar desde dónde se hace
la música, el objetivo. Porque todos sabemos que “nuevas
búsquedas” no van de la mano con “gustarle a la gente”. No es
una correcta maniobra de marketing. Buscar algo nuevo dentro del
campo del negocio es como simplemente mojarse las patas en la
piscina.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HPLE
tiene ya 5 discos, cada uno diferente. Y con diferente nos referimos
a verdaderamente diferente, sin nunca ir a un territorio amigable
para el público. ¿Qué banda que esté atada a la parte del negocio
podría darse ese lujo? Ninguna. No en Uruguay. Las que lo han hecho
a nivel internacional es porque ya tienen su estatus bien marcado.
QOTSA es un ejemplo, pero la banda tuvo 3 álbumes que rondaban por
lugares cercanos y luego decidió alejarse, además que el líder ya
se había hecho su nombre con su anterior banda Kyuss. Esto,
nuevamente, no es menor. Habla muy bien de la banda. La frase “les
importa mucho y a la vez les importa un carajo” es ideal para
describir la actitud que presentan.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Si
escuchamos el 1er disco, esta actitud no nos sorprendería. “Le
Petit Detail Qui Change Tout”, lanzado en el 2002, entra dentro del
punk y alternativo, más cercano al post-hardcore de bandas como
Fugazi y la experimentación de Black Flag y Sonic Youth, con temas
que iban por el lado de la canción. Esos 3 nombres, esas 3 bandas,
siempre han sido símbolo de la autogestión y la independencia
artística dentro del rock. Siempre han sido de los mayores emblemas
del arte por el arte en este género musical. Fugazi siempre cobró
sus entradas baratas, nunca aparecieron en revistas dónde haya
publicidad de alcohol y otros productos. Black Flag fueron de las
primeras bandas DIY, grabando y editando sus discos por su cuenta.
Sonic Youth estuvieron varios años para llegar al reconocimiento y
al lograrlo, nunca dejaron de hacer su música “de mierda”. Así
que tener estas 3 bandas como referencia da una idea.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
2do disco, “Hablan por la Espalda”, agregaba un nuevo sonido con
la incorporación de teclados. La experimentación y oscuridad de la
música, incluso hasta “matemática”, llevaron a la banda a un
nivel sumamente complejo, totalmente lo contrario a algo amigable.
Esto dejaba en claro la capacidad instrumental que tenían. Podían
ser punk y a la vez complejos estructuralmente y no solo sonoramente,
algo que los acercaba aún más a Black Flag.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
“Macumba”, el 3er disco, la banda mutó. Tomando como referencia
la primer camada del rock nacional, bandas como El Kinto, Totem y
Días de Blues, y agregando percusiones, la banda, sin perder la
actitud punk, transformó su música en algo más básico y primtivo.
Por el lado del rock, pasaron a pocos acordes, algo simple, sin
complejidad armónica, tocando como un bloque. Por el lado de
Uruguay, apareció el candombe. Pero no llegaron nunca a hacer el
denominado (y aburrido) candombe-rock, esa mentira en cada palabra
que lo constituye. El candombe tiene su ritmo, su sonido y su
actitud: agresiva, intensa y ritualista. En Uruguay, como ya todos
sabemos, cuándo aparece el candombe, hay una suavidad y amenidad que
es “para toda la familia”. Una música pintada con una sonrisa,
dónde la transgresión, lo políticamente incorrecto, es una simple
ilusión, porque la transgresión que es bienvenida por aquellos a
los que se quiere desafiar, es una simple distracción. En el
candombe de verdad, el de las llamadas, el de la calle, no hay
sonrisas de ese estilo, las de “estamos bien”. No existe la
palabra “correcto”. Es intensidad y agresividad, es sudor. Es una
ceremonia, es la convivencia del momento. El Candombe de verdad ,
dónde la alegría se genera por la unión de los músicos y el
público y no por la temática. Y bueno, en el rock, el verdadero
rock, igual o más. No existe el candombe-rock. Existe música pop
que toma el ritmo del candombe. En “Macumba”, HPLE logró algo
que tiene muy pocos ejemplos: combinar el rock de verdad con el
candombe de verdad, encontrar los puntos en común de cada estilo. Y
esto llevo a una música primitiva, agresiva e intensa cargada de
salvajismo, transformándose en lo que de verdad es el candombe: no
una canción, sino un ritual.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxg9O2339O4jq5ETpcJauOeS8LkufaxtBKcKqiySA8N-ynRiMydExbaHonQ3GpR3-4OStGL8qglsMcwgPZTyEq7Lo8Kip1qad8_zsENovqxIVJxGrdB757d2izrnhms1c-FLc_2scdDU_J/s1600/10414478_745172202186921_950169727962978503_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxg9O2339O4jq5ETpcJauOeS8LkufaxtBKcKqiySA8N-ynRiMydExbaHonQ3GpR3-4OStGL8qglsMcwgPZTyEq7Lo8Kip1qad8_zsENovqxIVJxGrdB757d2izrnhms1c-FLc_2scdDU_J/s1600/10414478_745172202186921_950169727962978503_n.jpg" height="293" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Celebración” es lo que dice su
título: una celebración por sus 15 años. Versiones diferentes de
temas anteriores, algunos lados B y algún que otro cover. Una
especie de suma de lo que la banda había hecho hasta el momento con
la cabeza más cercana al disco anterior.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este año 2015, 5 años y medio después
de “Macumba”, Hablan por la Espalda lanzó su último trabajo
discográfico titulado “Sangre”.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Desde su anuncio, incluso antes del
lanzamiento del 1er single “Cabeza de Moto”, se esperaba que la
banda presentara algo que se asemejara a “Macumba”. De ser otra
banda (y más que nada, de haber menos espacialidad entre un disco y
otro), podría ser. Pero visto que han pasado 5 años y medio, y
bueno, que es HPLE (tomando en cuenta todo lo dicho anteriormente),
no tendría sentido en realidad.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es más, sin ir más lejos, ahora ya
lanzado el disco, se pueden encontrar comentarios de que la banda,
con este nuevo trabajo, “ha ahondado en la conexión del rock
psicodélico y post-punk con la influencia autóctona del candombe
afro uruguayo”. Discrepo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Ahondar” significaría sumergirse
aún más en lo previamente buscado, seguir con la construcción y
modo de trabajar y componer pero de manera más minuciosa. O sea,
hacer crecer lo una vez plantado. “Sangre” no tiene nada que ver
en este aspecto con “Macumba”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Claro que hay rock psicodélico,
post-punk, candombe y todo. Pero no por eso están “ahondando”.
De haberlo hecho, habrían grabado composiciones aún más
ritualistas, tal vez con solo 1 acorde, composiciones de mayor
longitud, en las cuales cada canción es un “solo lugar”, un
trance. Se habrían concentrado mucho en el ritmo y cómo variarlo
(como una cuerda de tambores). Se habrían concentrado mucho en la
cualidad del sonido, en su textura, y no tanto en el desarrollo
melódico. Habrían grabado largas improvisaciones dónde el tiempo y
el orden de cómo aparecen los elementos no importara tanto, dónde
el pasaje del tiempo no fuera trascendente, sino el hecho de estar en
ese ambiente. Y ya con el 1er minuto del disco nos damos cuenta que
“Sangre” no va por ahí, que es algo nuevo. Ni siquiera está en
el mismo plano de “Macumba”. Por ende, no se trata de “ahondar”.
Este nuevo disco fue tomar otro camino llevando en la mochila
aspectos del pasado, aspectos que sirven como herramientas pero no
como la base y punto de partida de la construcción de los temas, o
sea, de su forma y desarrollo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque es un retorno a la canción, no
es de ninguna forma en el sentido más tradicional. En su gran parte,
son más bien composiciones con un desarrollo, más allá de que se
pueda detectar un verso y estribillo. En este sentido, HPLE tomó un
camino más progresivo.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aún así no me refiero al progresivo
clásico. No es que tomaron influencias de música romántica,
clásica o barroca y empezaron a hacer obras que simulen ser
composiciones de la índole, ni letras de guerreros, los astros o
crítica social (más bien crítica social directa). Es un progresivo
en el sentido más de Led Zeppelin post- “IV”, Deep Purple, Iron
Maiden: canciones rockeras musicalmente, pero con mayor desarrollo,
con varias secciones que muchas veces no se repiten y se puede
identificar un principio y un fin en el sentido más clásico. Es
más, por los aires de más de los '60 uruguayos, hay que hablar de
Totem (evidentemente), pero también de Psiglo y Opus Alfa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No es que ahora la banda suene a estas
bandas. Es más bien que en la parte compositiva, la forma de
construir los temas, recuerda a ellas. Además, obviamente agregaron
aspectos musicales de los mismos, combinándolos con lo anterior.
Está siempre jugando entre las influencias más de los '60 con la de
finales de los '70 y principios de los '80, siempre con un sonido
actual, y claro, sin nunca perder lo punk. Es que todo esto, teniendo
en cuenta que no es lo mismo que lo anterior, deja en claro la
actitud más punk de la banda.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOCKspIQQ9aQIg0rXEY9_cWaWU42DeKshrrQN3-1558H7yO4JdNoDFTvR9-Qe4ivNzMFyyc96Fvj0VK4bbgO9c7kjIn6yfAbY9-P5MFK9u3-o6ol2kkrcq8bvSMk2YUs5YoQDFHUnGeKSZ/s1600/478773_509219379115539_1332875671_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOCKspIQQ9aQIg0rXEY9_cWaWU42DeKshrrQN3-1558H7yO4JdNoDFTvR9-Qe4ivNzMFyyc96Fvj0VK4bbgO9c7kjIn6yfAbY9-P5MFK9u3-o6ol2kkrcq8bvSMk2YUs5YoQDFHUnGeKSZ/s1600/478773_509219379115539_1332875671_o.jpg" height="213" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La prolijidad es un elemento clave, el
cual se ve reflejado en varios aspectos del disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado, por la parte compositiva.
Además de lo dicho anteriormente, hay un enorme énfasis en los
detalles y arreglos. Esto hizo que la banda funcione de una manera
diferente a su disco anterior. Ya no suena como un bloque. Ahora cada
instrumento obtiene mayor independencia, mayor consciencia de sí
mismo. Sin embargo, ninguno toma un rol principal. Hubo mayor
independización, pero todos a la par. Funcionan como instrumentos
separados pero que van juntos por el mismo camino. Por decirlo de
alguna manera, todos usas diferentes estrategias para llegar al mismo
lugar. Esto permite que ningún instrumento se pierda ni quede
opacado por otro. Están todos en el mismo nivel y se puede escuchar
tranquilamente como un “todo” o prestar atención a uno en
particular. En fin, podría tenerse diferentes escuchas de cada
canción.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por otro lado, la producción. Es un
disco que suena prolijo, limpio, sin llegar al punto de “lavado”.
Tal vez para un rockero de cabeza más cerrada no le guste esto, como
si le quitara parte de la impronta de rock. En mi opinión, no tiene
nada que ver con eso. Si tomamos en cuenta la parte musical, tiene
mucho sentido. En un disco donde cada instrumento tiene que
escucharse, dónde hay tanto detalle, dónde hay una construcción
más elaborada con varias secciones, dónde el sonido tiende a algo
menos primitivo, tiene mucho sentido que haya una mezcla y producción
de estas mismas características. Es un disco que “suena bien”. Y
en este caso es respetable, porque sin duda es una posición
estética. Queda claro que la banda no dijo “queremos sacar un buen
disco y produzcámoslo así porque supuestamente esto es hacer bien
las cosas”. Siempre las hicieron bien. Sonar “mal” no es hacer
las cosas mal. Es una estética. Digo, nadie va a decirle a Nirvana o
cualquier otra banda sucia que hicieron las cosas mal. Es otra
estética. Y en este caso, decir que le erraron por sonar más
prolijos sería un error. Es una crítica desde otro lugar. Si se
hacen comentarios, tienen que ser estando dentro de la estética, o
sea, para que sean críticas más objetivas. Lo otro son gustos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Además, esto genera cierta intriga de
cómo sonará en vivo, porque claramente es imposible reproducir esta
limpieza en un concierto e inevitablemente los temas irán hacia
otros lugares.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entrando en detalle con las canciones
mismas, es un disco sumamente variado, sin duda el más variado de la
banda. Es que entre que toma lo anteriormente utilizado más lo
agregado, llegan a un abanico muy grande. Pero además de todo esto,
la banda decidió ir por varios climas y dinámicas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Himnos de Incendio”, “Cabeza de
Moto” y “Sangre (La Carga)” son los más influenciados por el
rock nacional y el candombe, aunque cada uno con su propio estilo.
“Himno...” es la más pesada y oscura, la más ritualista.
“Cabeza...” es más ligera, teniendo hasta un aire funk en el
verso principal y pasando por varios lugares en el correr del tiempo,
como una sección un poco más clara y esperanzadora llegando al
final. “Sangre” es la más liviana y más candombera de todas, o
sea, un cierra que sin duda reafirma la reivindicación del rock
nacional de finales de los '60 y comienzo de los '70 por bandas como
Totem.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Puede ser” abandona todo rastro de
Uruguay, yendo a un rock más clásico y amigable, sin perder la
oscuridad que envuelve la mayor parte del disco. Es más, sería rock
más clásico por el estilo, pero aún así suena a algo muy actual.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Ojos de Luna” adopta un clima más
tranquilo y nocturno, pero sumamente oscuro. Es como un blues más
citadino, una especie de reversión de los aires de blues que adoptó
varias veces Pink Floyd en su etapa post- “Dark Side of the Moon”
pero llevado por otros lugares, aunque el final sin duda es algo más
de los '90 en adelante. No es un tema que llame mucho la atención
por su estética, sino más bien por sus detalles y sobre todo por el
contexto en el que se presenta.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Canción del Remedio” es un tema
en el que importa más su función dentro del disco y la banda que lo
que puede aportar musicalmente. Es una balada lenta y desoladora, una
balda en el sentido más ideal de la palabra, llevada por el piano y
punteos lentos y cantables por parte de las guitarras. Musicalmente
no es nada nuevo, pero dentro de lo que es HPLE, es sumamente
novedoso. Además, “Sangre” es un disco con bastante fuerza y
este tema es perfecto para calmar por un momento las aguas y limpiar
los oídos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“La Procesión” es una de las 2
canciones que mejor describe al disco y de los temas más épicos que
ha tenido este país. Cuenta con unas 5 secciones diferenciadas. Ya
desde su principio de diálogo entre 2 guitarras, nos avisa que “algo
se viene”. Hay 2 secciones muy interesantes: un pasaje entre el 2do
verso y el 2do estribillo, dónde rítmicamente varían el galopar
constante que lleva al oyente y se escuchan varios detalles pequeños
que enriquecen. La otra es una sección dónde la influencia del
metal clásico de bandas como Iron Maiden y Black Sabbath queda
evidente, teniendo el bajo y la batería como volante del ritmo
motórico que lo lleva. Es el más claro ejemplo del aspecto
progresivo del disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNgbEYBxbFTptkHGS0j6TlWrTCCUjEQV3krZihBJPfubeP6sITUiUruOQbBApvPmTM44Q-1UPHuL1SauwrUPvE77w5JLzFC2G9gw03aC1cdxEsxZEDWJdfwh3dVg6mM8oJ1OBFDSN5jizn/s1600/1939617_723877507649724_434475216822264179_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNgbEYBxbFTptkHGS0j6TlWrTCCUjEQV3krZihBJPfubeP6sITUiUruOQbBApvPmTM44Q-1UPHuL1SauwrUPvE77w5JLzFC2G9gw03aC1cdxEsxZEDWJdfwh3dVg6mM8oJ1OBFDSN5jizn/s1600/1939617_723877507649724_434475216822264179_o.jpg" height="225" width="400" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El otro tema a destacar es “En los
días más oscuros”. Su introducción nos lleva por territorios un
poco más tétricos y lo interesante es como con tan solo cambiar la
tonalidad de La mayor a La menor, el tema se torna en algo un poco
más etéreo y cristalino. La primer sección, con un ritmo lento, nos
lleva a algo más clásico. Pero ya en la siguiente, dónde el ritmo
se pone más rápido, nos lleva a algo más actual, con algo de punk
más melódico. Es un tema con muchos detalles que no se lucen y
pueden pasarse por alto, pero que están ahí. Sin duda el más
alegre del disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Queda en claro que este disco nos trae
una nueva cara de la banda y expande el campo musical dónde venías
trabajando. Nos encontramos con materiales utilizados en otros
discos, pero con mucha cosa nueva. Lo más destacable es la variante
constructiva. Sin duda la manera en que la banda planificó cada tema
es diferente. Eso, en el final, lleva a otro lugar. No es explorar en
lo previo, sino en algo nuevo llevando como armas lo ya aprendido.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo cómico es que por más que sea
así, en realidad no nos dice algo diferente de la banda. Cada uno de
los 5 discos anteriores fue otra cara cada uno con su estilo y
estética, con su forma de trabajo. Este también es diferente, pero
como todos, entra dentro del concepto de que la banda es una búsqueda
continua. Y siendo este disco tan amplio musicalmente, más allá de
que hay un concepto general, nos permite no hablar de otras bandas,
sino de la banda en sí. Es un disco que en fin habla de la banda
misma. Sí, musicalmente podemos nombrar varias influencias, por algo
fueron nombradas. Pero conceptualmente, aquí la banda habla de ellos
mismos.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hablan por la Espalda, desde su 1er
disco, se transformó en uno de los actos musicales más interesantes
de este país. Cada disco logra reafirmarlo, porque cada disco es un
nuevo riesgo, un nuevo libro. Nunca vamos a escuchar 2 iguales, o al
menos quien escribe no quiere.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo mejor de Hablan por la Espalda es la
aventura, saber que en cada nuevo trabajo van a decirse “podemos
llegar a perder todos nuestros fans” y aún así sigan en su
búsqueda, porque de eso se trata.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, varios links:</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Facebook de la banda, dónde podrán seguirla: <a href="https://www.facebook.com/hablanporlaespalda?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/hablanporlaespalda?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí su Bandcamp, dónde podrán escuchar este nuevo disco y todos sus anteriores. Recomiendo hacer la "Hablanaratón", que es básicamente escuchar todos los discos en orden, uno atrás del otro. Fue el método aplicado por quien escribe para entender de qué se trata todo esto: <a href="https://hablanporlaespalda.bandcamp.com/"><span style="color: red;">https://hablanporlaespalda.bandcamp.com/</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí un link para ver el videoclipo del 1er single "Cabeza de Moto": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=9zEzk5BZ4zo"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=9zEzk5BZ4zo</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Finalmente, un video de su tema "Macumba" tocado en vivo, porque HPLE es de esas bandas que es otra al tocar en concierto: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=r9T7Mza5Dis"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=r9T7Mza5Dis</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-27047009981243658142015-03-27T15:30:00.002-07:002015-03-27T15:30:20.886-07:00Pan del Indio - "Pichón"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmC84vkJ76pH7Bt8gqdQk1lmj2KD4f6E7ddmFlBlQNmUedpBcjolYsozM-Mp9vM2JuQWE2m0IVlH2axmXXrmyJb3CE4U2Y8DePd0J1P2vAHRvhKnyyqX2-jM2ogKv7f_iImz3KGDuwkty1/s1600/a1940951612_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmC84vkJ76pH7Bt8gqdQk1lmj2KD4f6E7ddmFlBlQNmUedpBcjolYsozM-Mp9vM2JuQWE2m0IVlH2axmXXrmyJb3CE4U2Y8DePd0J1P2vAHRvhKnyyqX2-jM2ogKv7f_iImz3KGDuwkty1/s1600/a1940951612_10.jpg" height="320" width="240" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La segunda mitad del split “Pichón” nos lleva a una música dónde
el ritual y el paisaje son evidenciados de manera más explícita. No solo por
las formas de las composiciones, sino por los lenguajes e instrumentos
utilizados. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Federico Fossati, la persona detrás del proyecto Pan del
Indio, es uno de esos artistas que buscan en la música una experiencia. Hay
músicas que se viven durante la duración del disco o canción, y para estar con
ellas, hay que escucharlas, porque la intensidad es algo del momento. Otras son
para procesar. Uno las escucha y tiene que estar un tiempo meditándolas,
pensándolas. Es como una especie de filosofar, porque su esencia no está en la
superficie musical. Hay que escucharlas, procesarlas, darles un tiempo y volver
a ellas con otra cabeza. Son músicas claras. No hace falta escuchar mil veces,
como algunas canciones, para sacarles el jugo sonoro. No son músicas del momento,
del presente, sino del transcurso del tiempo. La escucha es simplemente un
inicio, es la experiencia. Es todo lo que sigue lo importante: la vivencia. Y
esto es lo que sucede en gran parte de la música de Pan del Indio. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay una mezcla de folclores de varias partes del mundo.
Algunos más evidentes, otros menos. Sin duda lo latinoamericano y lo oriental
(por sobre todo) es lo más notorio. Sin embargo, la clara inclusión de
lenguajes occidentales relacionados a la experimentación con los timbres y la
improvisación libre, hace que se transforme en una música bastante indefinible.
</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Música étnica le quedaría corto, además de que es una
etiqueta asquerosa, como world music, dónde se embolsa absolutamente todo lo
que no sea de origen occidental. Mejor dicho, de origen anglosajón. Experimental
tampoco, porque no es un género, sino más bien una actitud: la búsqueda de
nuevas formas de concebir la música, transgredir las tradiciones, “avanzar”. Como género es otra asquerosidad. Es
básicamente encasillar lo que no se conoce ni gusta ni se intenta entender,
porque en experimental entra Frank Zappa y Sonic Youth, y poco y nada tienen
que ver. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El uso extensivo de una diversidad de instrumentos ayuda a
que la música de este proyecto pierda un origen de procedencia. Desde
instrumentos de cuerda, vientos y percusión de diferentes culturas, la textura
musical de este artista cobra diferentes relieves en cada improvisación.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">De alguna forma se lo puede asociar, por su forma de
concebir la música, al alemán Stephan Micus, quien también utiliza una variedad
de instrumentos de diferentes partes del mundo. Sin embargo, la música de este
es super occidentalizada. Por más que utilice instrumentos de diferentes partes
del mundo, su utilización de afinaciones temperadas (la forma de afinar según
la tradición post-barroca occidental) y formas y melodías de carácter
occidental hacen que su música suene más cercana, menos arriesgada, más
amigable. Tendrá instrumentos de muchas partes del mundo, pero el resultado es
claramente de procedencia occidental.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pan del Indio escapa de todo esto. Sin duda es una música
que a una gran mayoría les resulte lejana. En casos en los que las afinaciones
no-occidentales son más evidencias y la experimentación entra como elemento
clave, se vuelve poco amigable, sobre todo cuando entra el uso de la electrónica
y la edición (lo cual lo asocia mucho a artistas como Terry Riley y Pauline Oliveros).
También la falta de armonía en
preferencia de una nota pedal, o incluso
la falta de ambas, y la carencia de melodías reconocibles con un contorno impredecible
que no tiene ni desarrollo ni conclusión clara. Pero todo esto es lo que ayuda
a tener una experiencia musical más original y única. Se trata de la textura,
el sonido y el clima más que de otra cosa. Es una música que juega con otras
magnitudes que no son el tiempo (o al menos no el de corto plazo, o
precisamente de la duración de la música). Esto es lo que lo hace escapar de
las concepciones tradiciones musicales occidentales (en gran parte, porque aún
así hay elementos reconocibles.)</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No es que se trate de
algo de otro mundo, algo totalmente original. No es ni el primero ni el último
artista no-oriental que haga esto. Es más, al parecer hay una camada de
artistas argentinos con un acercamiento a la música dónde todo esto es utilizado.
Artistas como Golondrina Alfa y el colectivo Ø+yn, que serán incluidos en las
próximas reseñas de Hobo Blues, también incorporan una enorme variedad de
instrumentos, músicas basadas en la improvisación y en la búsqueda de nuevas
formas musicales.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Pichón” es su 3er-4to lanzamiento. 4to porque previamente
(14 días antes) lanzó un split con Paw Paw, otro artista argentino pero de otra
gama. 3ero porque en realidad “Pichón”, el split con Diente de Madera, incluye
3 de los 4 temas del anterior. Por ende, es lo mismo….3/4 lo mismo.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0ZnDj7NxEsK2JeCZzzGCImvmdqNDcqwRpe-9owrWNovg0f3_FQlJsnj5gZLsyHLss5Ebu68-JKjXRI0uNWiyiDcq6f1JrtEDC5vJjnPvHPJxuIYuNwmA3E9HocF2L14VvUz7qX5joBl5w/s1600/409461_10150657079043574_2052242738_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0ZnDj7NxEsK2JeCZzzGCImvmdqNDcqwRpe-9owrWNovg0f3_FQlJsnj5gZLsyHLss5Ebu68-JKjXRI0uNWiyiDcq6f1JrtEDC5vJjnPvHPJxuIYuNwmA3E9HocF2L14VvUz7qX5joBl5w/s1600/409461_10150657079043574_2052242738_n.jpg" height="320" width="214" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Cada improvisación grabada es muy diferente, sea por los
instrumentos utilizados, por la forma en que es abordada, por los participantes
(generalmente se tratan de improvisaciones en colaboración con otros artistas).
Hay una estética en común, pero el terreno musical es muy vasto e indefinible.
Se sabe cuál es, pero no hasta dónde va. Eso hace que estas 3 nuevas
improvisaciones nos traigan algo nuevo y diferente a lo presentado en las
anteriores realizaciones, teniendo en común la forma en que se aborda.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este nos encontramos con improvisaciones más amenas al oído
no acostumbrado, con solos claros y melodías identificables. Sin duda hay un
acercamiento más claro a lo tonal y se deja un poco de lado la más experimentación.
Esto siempre en comparación a los demás trabajos, obviamente. Partamos de la
base que grabaciones de improvisaciones en paisajes estáticos utilizando
diversos instrumentos nunca es “tradicional”, al menos no para nuestra cultura.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La primera improvisación, titulada “A Mohammad Reza Lotfi”,
utiliza tambura , clarinete de bambu , n'vike (violín toba) y guitarra clásica.
La siguiente, “Yarará”, utiliza n'vike y guitarra clásica. “Lucero”, la última,
utiliza guitarra pasada por un generador de masas sonoras, melódica,
glockenspiel y tambor. </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Mientras que la primera es sumamente estática (no solo por
estar siempre sobre la misma nota pedal, sino por carecer de tempo y pulsación
perceptible), las otras dos son sumamente rítmicas. De estas, “Lucero” es la más variante, transformando
los ritmos y melodías constantemente, cambiando el paisaje sin parar. “Yarará”
es un arpegio de guitarra que se repite una y otra vez, mientras que el n’vike
hace una improvisación que parece llevarnos a ningún lado, siempre dando
vueltas en el mismo lugar. Sin duda es la más minimalista y de esta forma logra
algo más atrapante, un trance.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música presentada por este artista no es novedosa, aunque
sin duda tiene su toque personal. Aún
así, se trata de una música que en realidad nunca se ha incorporado en nuestra
cultura, no de verdad. Entonces siempre que aparecen propuestas de este estilo,
el desgaste no es algo que esté presente y siempre, de alguna forma, están
transgrediendo. Es de esas estéticas que necesitan de más y más ejemplos, más
insistencia, para que logren romper barreras.</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pan del Indio es otro de los artistas argentinos
contemporáneos ocultos detrás de la sombra que no deja ver la música más
valiosa del país vecino. Y con estos 3 temas, concluimos el hermoso split “Pichón”,
disco de 2 artistas de enorme valor, de los cuales esperemos que haya más en el
futuro.</span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, dejamos los links necesarios:</span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí el link a su Bandcamp, dónde encontrarán todo su material: <a href="http://pandel.bandcamp.com/"><span style="color: red;">http://pandel.bandcamp.com/</span></a></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí el link especificamente del split "Pichón": <a href="http://frentealfuegoediciones.bandcamp.com/releases"><span style="color: red;">http://frentealfuegoediciones.bandcamp.com/releases</span></a></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y como han de imaginarse, la música de este artista tiene más sentido en vivo. Por ende, recomiendo ver este video: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=39jJDanOyqQ"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=39jJDanOyqQ</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!</span></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-33550746849560183752015-03-03T17:40:00.000-08:002015-03-04T08:01:56.836-08:00Diente de Madera - "Pichón"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPeXS-Jo8MqHrzrqQdoCG9f3CkdiWx5UZYfCledu21-4xj-T_sw1cEcpQu67_AMi7drtJW0s5zLEII2sE8BTMEp9hyphenhyphenLxVKQGzSYGdUPfrWLOVJkjJ7juPPw-TeAoT0GQIF9Y-YfEVC0YIH/s1600/pan+del+indio+diente+de+madera.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPeXS-Jo8MqHrzrqQdoCG9f3CkdiWx5UZYfCledu21-4xj-T_sw1cEcpQu67_AMi7drtJW0s5zLEII2sE8BTMEp9hyphenhyphenLxVKQGzSYGdUPfrWLOVJkjJ7juPPw-TeAoT0GQIF9Y-YfEVC0YIH/s1600/pan+del+indio+diente+de+madera.png" height="320" width="200" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Siguiendo con los artistas del otro
lado del río, hoy traemos uno que ha tenido una interesante búsqueda
dentro de un género que a todos nos resulta muy familiar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Diente de Madera, el proyecto solista
de Jonah Schwartz, un estadounidense radicado en Argentina. Ya sin
escuchar su música podemos guiarnos bastante por el nombre. De haber
alguien con un diente de madera, sería alguien, para empezar, de
poco dinero, con una vida más austera, más rústica, más salvaje.
Tal vez no por elección propia, pero es la que le tocó. Este
nombre es de esas excelentes decisiones, porque juega dentro de la
estética que nos presenta este artista.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Diente de Madera
claramente parte del folclore estadounidense, lo derivado del blues.
Para ser más específicos, nace de lo que se denomina Old Time
music, el cual combinaba el blues y la música de danza con el
folclore de los apalaches. Como el instrumento que escuchamos aquí
es el banjo (lo cual ya le da un toque diferente a los proyectos de
la índole de estas zonas latinoamericanas a los que estamos
habituados a escuchar), esta influencia es aún más evidenciada,
teniendo como referentes a otros cantautores del estilo cuyo
instrumento era el banjo como Dock Boggs, Clarence Ashley, Buell
Kazee y Bascom Lamar Lunsford.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por este lado, la música de Diente de
Madera puede sonar añeja, aunque, por tratarse de folclore, es
música que trasciende el tiempo. Es inoxidable, como cualquier
folclore en cualquier parte del mundo. Sin embargo falta un enorme
detalle, aquel que hace que la música aquí tenga un giro diferente
y original.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La 2da gran influencia es el
minimalismo. Pero no la idea del uso de pocos materiales o cosas
simples, sino la estética creada en los '60, la cual tenía como
pilares a los compositores académicos La Monte Young, Terry Riley,
Steve Reich y Philip Glass. En la música de ellos, la repetición
era la base. Una repetición desenfrenada, dónde ya no entraba en
juego el discurso musical tradicional, con armonías, diferentes
líneas melódicas, sino el lento desarrollo, el juego con la
percepción, los cambios mínimos, que con el transcurso del tiempo
van causando un estilo de trance en el oyente dónde el tiempo deja
de existir y es solo una mera prueba de la variación rítmica y
tímbrica.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dicho esto, hay que agregar que la
repetición en Diente de Madera es algo esencial. Los riffs se
repiten una y otra vez, siempre sobre una misma nota pedal. Por lo
cual no hay acordes ni progresiones armónicas. Pero a esto se le
agrega que el banjo está conectado a un pedal de delay, por lo cual,
todo lo que toca es luego repetido a una distancia de menos de 1
segundo. La repetición de los riffs tocados velozmente, lo cuales
son a su vez repetidos por el pedal de delay, hacen que estos dejen
de tener el carácter clásico de riff y pasen a ser una especie de
tela dónde no importa tanto cuándo sucede tal cosa, sino que
suceda. Es como un mar de sonido, una especie de clima. Esto es muy
interesante porque hace que una música que clásicamente tiene un
carácter de canción pase a ser algo más ambiental, un estilo de
paisaje que tiene pocos cambios. Es algo con mucho movimiento pero en
realidad nunca se avanza, como si nos quedáramosquietos y todo lo
que nos rodea se moviera. Eso es lo que se busca en el minimalismo y
por eso es que el uso del delay en Diente de Madera no es algo
efectista como lo suele ser. El resultado puede ser parecido, pero él
lo busca como un concepto estético y no como algo que se deja ser
por su simple idiosincrasia. Por ende, por ser algo que se acerca a
algo más bien ambiental, podríamos decir que de los 4 pilares del
minimalismo, los más claros aquí son La Monte Young y Terry Riley,
sobre todo el 2do, ya que tuvo una etapa en dónde improvisaba líneas
melódicas pasadas por delay mientras se escuchaba una nota pedal que
daba el punto de apoyo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Schwartz ya tenía un proyecto que
partía del folk, llamado Springlizard, con el cual grabó 3 discos
que se pueden escuchar aquí: <span style="color: red;"><a href="https://springlizard.bandcamp.com/"><span style="color: red;">https://springlizard.bandcamp.com/</span></a> </span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, ahí lo interesante era el
juego contrapuntístico entre las guitarras y las voces. Aquí, como
comenté anteriormente, va por otro lado. Parece ser una estética
mucho más premeditada.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCywdDk8Gs4TmVaXW69Anj1I4rTQ6l6g17Iz3K2PaeJTkU-9z20ewSFg64iITPjUehDZzPzasyEVh172DAIAKzR4Q4fyzMvYsLspaLm-yK5WDQ2HFCdlgP6HhQs851ySbqmyJL3Gs45Plk/s1600/10891885_873798909307675_6724373066009632881_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCywdDk8Gs4TmVaXW69Anj1I4rTQ6l6g17Iz3K2PaeJTkU-9z20ewSFg64iITPjUehDZzPzasyEVh172DAIAKzR4Q4fyzMvYsLspaLm-yK5WDQ2HFCdlgP6HhQs851ySbqmyJL3Gs45Plk/s1600/10891885_873798909307675_6724373066009632881_n.jpg" height="213" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este EP es su primera grabación, el
cual fue lanzado como un split junto a Pan del Indio (quién será el
protagonista de la próxima reseña, ya que no solo hay que completar
el disco, sino que es otro de los artistas de Argentina que Hobo
Blues pretendía presentar). Fue lanzado a finales del 2014 como
“Little Saddie EP” y luego como el split “Pichón” en Enero
de este año 2015. Una edición super limitada en cassette del split
es el único formato físico en el que se puede encontrar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, un EP es una corta
duración, aunque muchas veces la ideal. Y puede tomarse como una
especie de ensalada de todo lo que un artista hace o tener un
concepto. Y por lo dicho anteriormente, es evidente cual de las 2
opciones eligió este artista.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque ya el planteamiento estético
descrito anteriormente marca enormemente el terreno, en este disco
hay una homogeneidad indiscutible. Para empezar, todos los temas se
encuentran en la misma tonalidad, o aproximadas. Todas en Re, con un
pedal constante de esta nota. El delay siempre puesto con la misma
respuesta, las voz siempre cantada dentro del mismo registro y con la
misma actitud, todos los temas están mezclados y producidos con el
mismo sonido. En sí, es como un largo mantra dividido en 4 partes.
Decir que un tema gusta más que otro sería hasta un poco burdo,
pues todos los temas rondan por el mismo lugar. Claramente es un
todo. Hay que escucharlo de principio a fin. Si lo viéramos con ojos
del minimalismo, sería como una única pieza y cada canción, cada
parte, seria como la variación rítmica y tímbrica que va
apareciendo de a poco. Es un paisaje musical que con el tiempo va
cambiando, pero siempre es el mismo paisaje. Son simples
reordenamientos de los materiales ya presentes.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin duda es un músico a destacar. Su
producción nos trae una música folclórica muy conocida a la cual
se le incorpora el uso de efectos también ya muy conocidos. Y es
destacable esta unión, pues se logra un sonido sumamente particular.
Pero es más destacable que esta unión no es por simple costumbre o
gusto. No es que fuera alguien que está habituado a tocar folk
estadounidense y a la vez le gusta algo que erroneamente siempre se
asocia con la psicodelia. Esta unión es premeditada, la estética
fue planeada. Parece estar todo calculado dentro de este ambiente
rústico y etéreo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es que Diente de Madera nos trae lo
mejor que puede ser un artista: salvaje, pero con
inteligencia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, los links:</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí el Facebook de Diente de Madera para seguirlo: <a href="https://www.facebook.com/dientedemadera?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/dientedemadera?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí podrán escuchar su parte en el split "Pichón": <a href="https://dientedemadera.bandcamp.com/releases"><span style="color: red;">https://dientedemadera.bandcamp.com/releases</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, aquí tienen un video reciente de una de sus presentaciones en vivo: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=5Outl4CxKxQ"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=5Outl4CxKxQ</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-18647709221025951362015-02-19T04:48:00.003-08:002015-02-19T12:54:27.080-08:00Mariano Rodriguez - " Liberation Theology for Beginners"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgy9BInOZhfFj7WUlEaQvFd5vSgkk4ok6Dxhr9AFCZo4qwMYrl0kOf0zg_U_uMj8856AcYY2aptrpudjGYUMYAzsQ5l50F4HFIuksvY44DPVCLmfJq2PoXid6lscAmMCA3EEjBQB3IQVix/s1600/a1736206099_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgy9BInOZhfFj7WUlEaQvFd5vSgkk4ok6Dxhr9AFCZo4qwMYrl0kOf0zg_U_uMj8856AcYY2aptrpudjGYUMYAzsQ5l50F4HFIuksvY44DPVCLmfJq2PoXid6lscAmMCA3EEjBQB3IQVix/s1600/a1736206099_10.jpg" height="320" width="320" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como
sabemos, en la música siempre hay 2 mundos: el que nos quieren hacer
conocer y el olvidado. Esto de alguna define la visión que puede
tener alguien que no esté tan introducido en la cultura de un país
o región. Desde un principio, este blog ha intentado mostrar el lado
oscuro de la música uruguaya actual, la cual, en un momento, quién
escribe también desconocía.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ahora,
¿qué sucede en los países limítrofes? ¿Qué hay en Argentina?
Hay muchas bandas que han llegado al estrellato. Pero a veces
parecería que el mundo musical fuera limitado, al igual que sucede
en Uruguay.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
retomando lo dicho en el principio, este sería uno de los mundos, el
que nos quieren hacer conocer. Y de un tiempo a esta parte, este blog
ha dejado en claro que ese mundo oculto, al cual solo llegan los que
de verdad quieren, es tan rico (me atrevería a decir más) que aquel
que está al alcance de cualquiera de nosotros. Es más diverso, sin
duda. Pero más que nada, es el menos comprometido y a la vez el más
comprometido. El menos porque en su gran mayoría, no le va a hacer
caso a lo que “deberían” hacer según la industria. El más
comprometido porque lo hacen por la música y más nada, porque no
pueden esperar remuneración alguna de su arte, lamentablemente.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces
volviendo, ¿qué hay en Argentina? Hay muchas cosas desconocidas, o
más bien, conocidas por pocos, los que decidieron llegar. Y por
suerte, de gran nivel. Y este blog se ha tomado el tiempo de ir en
busca de ellos, porque lamentablemente no van a venir a nosotros. Por
suerte lo ha hecho, porque se ha topado con proyectos de enorme
nivel, con búsquedas que van más allá de lo ordinario, que nos
traen algo diferente a lo que entra dentro de la cultura rioplatense
definida por los medios masivos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
esta reseña (y en las que aparecerán próximamente) presentamos a
uno de estos artistas argentinos, quien tuvo el agrado de traernos
unos de los discos más interesantes salidos en el 2014: Mariano
Rodriguez.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">No
hay mejor uso de la palabra “solista” que el que se le da a este
artista, en todos los sentidos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para
empezar, se trata de un guitarrista, en el mayor de los términos. Su
música es instrumental, con la guitarra como volante que conduce,
pues en la mayoría de los temas nos encontramos con este instrumento
solista. Incluso cuándo es acompañado, sigue siendo el estelar.
Pero es además guitarrista por su forma de encarar el instrumento.
No es simplemente una persona que sabe tocar guitarra y decidió
grabar algo. Es un guitarrista porque hay una clara búsqueda por un
sonido particular, una forma de concebir la música a través del
instrumento, una enorme rigurosidad en la técnica, un claro uso del
contrapunto.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su
música parte del blues, de la rama del denominado “primitivismo
americano”, un género más que nada instrumental con la guitarra
como instrumento principal, iniciado por John Fahey y seguido por
varios como Leo Kottke, Robbie Basho, Peter Lang, Max Ochs y Jack
Rose. Esto ya marca bastante el terreno de su lenguaje guitarrístico,
tanto para la armonía como para la forma de arreglar sus canciones,
en las cuales los arpegios son el recurso más utilizado. Sin
embargo, uno nota ya en una primera escucha que su estilo trasciende
estas influencias. Por un lado, influencias de música clásica,
siendo el principal referente (según él) el guitarrista y
compositor paraguayo Agustín Barrios. También hay mucha
experimentación en la guitarra de Mariano Rodriguez lo cual nos
lleva a influencias como Derek Bailey y los últimos trabajos de John
Fahey.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
hay algo interesante de la música de este artista y es que por más
que su base musical sea el blues, de alguna forma uno se da cuenta
que es latinoamericano, lo cual es raro. Nombra también a Violeta
Parra y Atahualpa Yupanqui como influencias. Eso ya podría darnos
pistas. Pero tal vez va más en su acercamiento a esta música de
origen anglosajón, ya que cuándo uno es de un país ajeno al estilo
que se toca, y además se tiene un enorme desarrollo y consciencia
sobre el trabajo de uno, es imposible no hacer de lo ajeno algo
propio. Tal vez con lo siguiente puede haber alguna pista.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
2do instrumento de Mariano Rodriguez es el estudio. Cuándo
anteriormente decía solista en todos los sentidos es porque es él
quien graba, edita, hace el arte de tapa...todo. A veces graba entre
paredes de su casa, a veces al aire libre. Pero es él quien tiene
control de todo el trabajo, desde la composición y la interpretación
a la grabación y producción. Y dentro de esta producción se
encuentra el usar el estudio como instrumento.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
todos sus discos podemos escuchar grabaciones de paisajes sonoros o
discursos, tanto en “crudo” como manipulados con cambios de
velocidad, tono y otras herramientas. Estas mismas son aplicadas a
grabaciones de instrumentos. Entonces esto hace tengamos a un músico
cuyo instrumento es la guitarra y a su vez la electrónica, tomando
ambos un rol igualmente importante.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Estos
paisajes y discursos grabados evidencian el territorio dónde
Rodriguez habita. Estamos escuchando el paisaje sonoro con el que él
se topa cada día. Lo de párrafos anteriores es una composición
instrumental dónde los silencios juegan un rol importante, así como
el que no importe a veces qué nota le sigue a tal sino la suma, o
sea, en qué “territorio” se encuentran esas notas, como si fuera
un paisaje: hay tales notas, tales ritmos, una nota pedal dónde se
encuentra todo, y no importa el orden en cómo se presentan sino el
hecho de que estén esos presentes y no otros. Los cantos de los
pájaros, pasos de la gente, el viento son para los paisajes sonoros
lo que las notas, los ritmos, la nota pedal son a las composiciones.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces
es esa mezcla entre los registros que evidencian el paisaje dónde
Mariano Rodriguez vive (Bariloche, ubicado dentro de la región de la
Patagonia, al sur de Argentina) y su acercamiento a la composición
guitarrística, que parecería tomar elementos de esos paisajes que
hacen que su música, por más que nazca en gran parte de una
tradición anglosajona, lo que hace que su música suene
latinoamericana.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOq1lOWMVBHz7MedR6d12UyE6gRpY3ci_WS7ZEm5VqlxpnOB5y71UucLOmfmTYrPnWQQ2YSVj2HGX0BMrIAynQZMk0J6Uxn_-tCf21yjbBh9G0pFd_6FDI2pR8iVqfV1KtyDTCianZSBTA/s1600/1000640_563452500420439_1908501884_n.png" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOq1lOWMVBHz7MedR6d12UyE6gRpY3ci_WS7ZEm5VqlxpnOB5y71UucLOmfmTYrPnWQQ2YSVj2HGX0BMrIAynQZMk0J6Uxn_-tCf21yjbBh9G0pFd_6FDI2pR8iVqfV1KtyDTCianZSBTA/s1600/1000640_563452500420439_1908501884_n.png" height="320" width="231" /></span></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La
discografía de Rodriguez cuenta con unos 9 álbumes (incluyendo el
que traemos hoy). Sin embargo, no es de esos artistas que trata cada
disco que saca como “el nuevo gran disco”. No es un alguien que
intente crear todo un nuevo concepto en cada proyecto y luego lo
trate de esa forma romántica como su nueva gran obra. Es más bien
un artista que tiene su territorio definido y cada disco es un aporte
más a ello. Más que expandir su universo musical, se trata de
entrarle en más detalle a ese paisaje sonoro que nos presenta desde
su primer disco. Con cada escucha, podemos entender aún mejor lo que
teníamos antes. Cada nuevo lanzamiento es una evidencia del trabajo
del día a día, y se pueden apreciar más bien como registros de su
viaje musical, solo para que no lo perdamos en el camino, solo para
que le sigamos la pista.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su
último trabajo, “Liberation Theology for Beginners”, fue lanzado
el 24 de Diciembre de 2014, el día de Navidad. Y no es casual. El
disco se trata de un homenaje a esta festividad. El mismo Mariano
Rodiguez comenta en el disco: <i>“</i><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i>
''</i></span></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i>Teología
de la Liberación para principiantes'' es la materialización de un
viejo anhelo, grabar un disco de navidad. Siempre quise hacer un
Álbum Navideño pero nunca logre el consentimiento de mis compañeros
de bandas y desde el 2008 que empecé a tocar como solista cuando
llegaba a fin de año estaba ya sin ganas ni tiempo de grabar algo.
Por lo general empezaba a grabar algo pero lo terminaba mezclando
para las Pascuas de Resurrección, y las pascuas no son lo mismo que
las navidades. Las pascuas son muy dramáticas, hay conspiración,
intriga, entrega, torturas, sangre, muerte y resurrección; y sobre
la muerte y la resurrección vengo haciendo un disco todos los años
desde el 2009. Igual un buen disco de pascuas hecho en Bariloche no
sería una mala idea, un álbum conceptual de pascuas Barilochense
debería ser prensado, pero en vez de vinilo tendría que ser de
chocolate. Volviendo a los Xmas Albums, los que crecimos en el Siglo
XX sabemos la importancia que tuvieron estos productos en la cultura
de masas realzando el espíritu navideño y ayudando a que el
ejercicio de las compañías discográficas cerrase con balances
positivos. ''Teología de la Liberación para principiantes'' un
regalo de las navidades del pasado para todos ustedes”</i></span></span><span style="color: black;">.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es
un disco relativamente corto, pero con la duración ideal. Son solo 6
temas que tocan varios lugares del terreno musical de Rodriguez,
tanto en estilo musical como en concepción compositiva. Aunque toda
su música es tranquila, tanto por el instrumental como por el punto
de partida para la composición, este disco es particularmente
tranquilo y pasivo, tal vez el más de todos. Es hasta el más
paisajístico, tal vez aquel en el que más se resalta lo que
hablábamos previamente.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
disco abre con “El turrón de Alicante y el clima subtropical”.
La melodía que inicia el tema domina más de la mitad de la duración
total, repitiéndose una y otra vez con variaciones de acompañamiento
y de velocidad. Lo interesante es que en cada repetición siempre hay
un nuevo detalle. Puede ser mínimo, pero siempre lo hay. Esa
repetición cuasi infinita hace que lo que en un momento entraba
dentro de algo dónde el tiempo importa, de a poco se vuelve
atemporal para dejarnos en claro que se trata del lugar en dónde se
está y no de como este nos lleva a otro ni como el mismo evoluciona.
Esa melodía es sin duda la más pegadiza y mejor desarrollada que
encontraremos en todo el trabajo de Rodriguez. Es un tema muy
triunfal y hasta infantil que despoja enormemente sus influencias
estadounidenses, acercándose a una guitarra de un estilo más
clásico.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Esta
es la luz de Cristo” nos trae el primer registro sonoro. Parte de la
idea de un disco de Navidad incluye la festividades religiosas de la
época. Y este 2do tema nos trae un registro de una peregrinación
pasando por una de las capillas de su trayecto. Lo que se escucha
aquí es música, pero el desarrollo de este dilema lo dejaré para
el penúltimo tema del disco dónde será más necesario hablar de
ello. Luego de casi 1 minuto de esta grabación, volvemos a la
guitarra de Mariano, quién nos presenta nuevamente un motivo que se
repite una y otra vez, cada repetición con una nueva variación. En
este caso, por tener arreglos un poco menos estipulados, cada vuelta
puede parecer muy semejante (en una escucha más superficial) y
sumamente diferente (en una escucha más atenta).
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“La
Fe del converso”, tocada en dobro, se encuentra constantemente en
un pedal de re y es sin duda la más paisajística de todas las que
contienen instrumento. Y esto es por cómo está construida. Si uno
presta atención, se dará cuenta que hay un acorde predominante, en
el cual Mariano se detiene por largo tiempo. Luego encontramos un 2do
acorde que sirve como un eje entre repeticiones del anterior, y
finalmente una serie de acordes disminuidos que funcionan como un
conjunto. En fin, tendríamos 3 elementos. A su vez, no hay melodía
en absoluto. Las miles de variaciones de cómo ordenar las notas de
cada acorde en realidad son arpegiados que decoran la música,
dándole a cada uno de esos acordes no solo una identidad en notas,
sino también en gestos.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
hay un elemento más. En el dobro, luego del puente, hay una parte de
las cuerdas que por tensión suena muy agudo y lejos de la afinación
de la cual está el instrumento. Esto es utilizado como un 4to
elemento en esta composición. Lo interesante es que por más que
suena atonal y lejano a la pieza, Rodriguez utiliza los elementos
rítmicos previos, ayudando a que haya una conexión entre este
elemento y los anteriores, despojándolo enormemente de su carácter
más atonal y dándole un sentido más rítmico que melódico.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
tema es un paisaje, sin duda. Cada acorde es estirado en el tiempo y
arpegiado de distintas maneras, tal como lo harían los sonidos de un
paisaje. Como dijimos, no importa el orden en qué aparecen, sino que
aparezcan esos y no otros.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Sendero
Luminso” recuerda mucho a los discos menos new age del sello
Windham Hill, acercándose a músicos como William Ackerman. En este
tema, además de la guitarra, nos encontramos con diferentes flautas,
unas que hacen melodías y adornos musicales y otras que emulan aves.
El tema podría durar horas y horas, por encontrarse siempre en un
mismo acorde y tener una melodía que gira en torno a una serie de
notas con un trayecto nunca claro del todo. Es como si lo que
escucháramos fuese más bien una selección de una grabación larga
más que un tema que en verdad dura 3 minutos. Lo más destacable
aquí es el trabajo de las flautas. Esa emulación de aves lleva a
instrumentos lo que se intenta hacer con las grabaciones de paisajes.
Es transportar esa idea a otros timbres. El fin es el mismo, pero los
medios son otros, y por ende, el resultado es diferente.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8na2WbqGVeYtaH2_L6NGkOXoe85Be4z-xpS9cMEmDa8Vgh4fDWtYICwFmdiwvJY6PI82axK2SHrhCfHWzw-gNsNXLqCWi0tDWOJpjMwv4ipwfJNfv3-XLBxWD8SCEmQq0c07DZSvsJMsE/s1600/10841996_391596574352533_4629329114656636133_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8na2WbqGVeYtaH2_L6NGkOXoe85Be4z-xpS9cMEmDa8Vgh4fDWtYICwFmdiwvJY6PI82axK2SHrhCfHWzw-gNsNXLqCWi0tDWOJpjMwv4ipwfJNfv3-XLBxWD8SCEmQq0c07DZSvsJMsE/s1600/10841996_391596574352533_4629329114656636133_o.jpg" height="213" width="320" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">“</span><span style="color: black;">Procesión
a la ermita de la Virgen de las Nieves”</span><span style="color: black;">
es la más particular. Se trata de la grabación de una procesión
que se hace todos los años en los Barrios del Alto (la zona más
pobre de Bariloche) a la ermita de la Virgen de las Nieves. Cada
capilla de la zona (unas 15-20 en total) recorre unos 12 km en una
camioneta con un sistema de sonido mientras recitan, rezan y cantan
canciones y textos de la iglesia relacionados a la festividad. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Mariano
Rodriguez simplemente tomó un grabador, lo levantó en el aire y lo
direccionaba hacia dónde le gustara. Siempre desde un punto fijo.
Por ende, lo que escuchamos aquí es el ambiente dónde se encontraba
el grabador en ese momento, que tiene como estelar a una de las
capillas que pasaba recitando un texto en el momento. Como esta
capilla se encontraba en movimiento, la grabación tiene una forma de
fade in-fade out, una forma de puente constante. En ningún momento
el volumen es estable. Sube desde muy bajo hasta un punto máximo y
de ahí decrece.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esto
es música. La mayoría dirán que no, pero lo es. Es una composición
musical. Tiene los timbres que lo conforman y lo hacen ser lo que es
y no otra cosa (los pasos, voces de alrededor y la voz recitadora,
que sería el instrumento principal), tiene una forma muy evidente
(de arco), tiene su “letra”. Sí, es un registro, pero el tema es
que aquí hay una forma, posición y lugar dónde grabar muy
predeterminada. No es que simplemente quería registrar el hecho,
sino que lo quería registrar de una manera muy específica. Además,
no grabó cualquier momento, sino el que escuchamos. Otro momento ya
no sería lo mismo. Estamos viendo una ventana de un cosa mucho más
grande, y es esa elección, esa ventana, lo que lo hace composición.
El decidir cuándo empieza y cuándo termina, dónde ubicar el
micrófono para así resaltar lo que se desea (y a su vez para que se
grabe cómo se desea), el ser consciente (y a la vez elector) de la
forma que va a tener el registro, y finalmente el decidir qué
grabar. Todo eso es composición musical. No hay diferencia alguna
con las concepciones tradicionales de música. Sí, los sonidos y la
sucesión de los mismos no son decididos por quién graba, pero sí
es él quien decide que sean esos y no otros. Y bueno, sin ir más
lejos, John Cage dio lugar a la música aleatoria, dónde las notas y
sucesión de las mismas eran al azar, y lo único que elegía él (a
veces) era el instrumental. A veces ni la forma, a veces
absolutamente nada. Todo al azar. Aquí hay más decisiones de las
que hay en muchísimas composiciones musicales, más que una gran
mayoría de la música popular inclusive, porque a diferencia de
muchos de esos casos, aquí no se tomaron ideas tradicionales ni
establecidas. Todo (o más bien una enorme parte) es decisión de
Mariano Rodriguez.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El
último tema del disco, “El Cuervo y el Cardenal”, nos despide
con una tonada que nos lleva al lado más folk-blues de este artista.
Aunque sin duda tiene menos cosas analizables (en comparación a los
anteriores), es un tema que complementa el disco de muy buena manera,
finalizándolo con algo más tradicional, tanto en composición como
en estilo musical. Un tema muy tranquilo que expresa de a su manera
ese concepto de paisaje, o sea, lo que es ese paisaje para Mariano
Rodriguez en una forma más abstracta y personal.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">En
apenas 25 minutos, este artista de Bariloche, Argentina, nos presenta
un disco con un estilo musical muy cercano a todos nosotros, pero que
al verlo con lupa, nos encontramos con varias cosas que pueden
llamarnos la atención y transformar la escucha en algo diferente. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Se
puede escuchar de la misma manera que cualquier otro disco,
obviamente. Eso es lo interesante. Nos da la música y podemos
escucharla como queramos. Él sabe que hay algo fuera de lo común en
él, pero de manera sabia, no nos obliga a ir por ello. No lo
precisa. Si se quiere escuchar como cualquier otro disco (lo cual no
le quitaría nivel de disfrute), adelante. Pero hay algo más por
ahí. No va a aparecerse por voluntad propia. Es como Mariano
Rodriguez grabando esas procesiones navideñas. Hay que tener la
actitud. </span>
</span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
</div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este link podrán entrar a su página de Facebook para seguirle la pista: <a href="https://www.facebook.com/pages/-Mariano-Rodriguez-/169751086370371?fref=ts">https://www.facebook.com/pages/-Mariano-Rodriguez-/169751086370371?fref=ts</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y como siempre, el link para escuchar el disco y por suerte, su discografía entera: <a href="https://marianorodriguez.bandcamp.com/album/liberation-theology-for-beginners">https://marianorodriguez.bandcamp.com/album/liberation-theology-for-beginners</a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-81897198545044401842015-02-03T13:53:00.002-08:002015-02-03T13:54:07.435-08:00Alessandro Podestá - "Partido el ganado"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRJHP2pRxoPialacLMdf0SAgo47CMleXTnealyVQtMwt68ZD0IWSLA2RBB-01teR2Nr-VBOURZ8EWaFnInRtikoPLPsPgKK8H7hO9qYohim_dA00FhHu9Kvsxkvxhw6PF5cHZBxgWgkZkW/s1600/a1663461679_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRJHP2pRxoPialacLMdf0SAgo47CMleXTnealyVQtMwt68ZD0IWSLA2RBB-01teR2Nr-VBOURZ8EWaFnInRtikoPLPsPgKK8H7hO9qYohim_dA00FhHu9Kvsxkvxhw6PF5cHZBxgWgkZkW/s1600/a1663461679_10.jpg" height="296" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
año 2014, como todos los años (por suerte), ha sido muy fructífero
en materia musical. Varios discos de enorme calidad fueron lanzados.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
la escena nacional, Hotel Paradise y Croupier Funk con sus discos
homónimos, Reyes Estallar con “La muerte en una buena”, Vincent
Vega con “El Gran Galgo, Lobo Está con “El ciervo que ladra”.
Hubo otros buenos lanzamientos, pero tal vez no tan interesantes como
para nombrarlos como mejores del año (al menos no para quién
escribe).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
la internacional, Death Grips con “Niggas on the Moon” (el cual
sería, para este blog, el mejor lanzamiento del año), King Buzzo
con “This Machine Kills Artists”, Tinariwen con “Emmaar” e
“Inside/Outside”, Thurston Moore con “The Best Day”, The Bug
con “Angels & Devils”, Pat Metheny y su Unity Band con “Kin”,
Brad Mehldau y Mark Guiliana con “Mehliana: Taming the Dragon”,
Reigning Sound con “Shattered”, clipping. con su debut “CLPPNG”,
Swans con “To be Kind”, Shabazz Palaces “Less Majesty”,
Mariano Rodriguez y su tributo a la Navidad “Liberation Theology
for Beginners”, el EP debut de Diente de Madera “Little Sadie”,
Golondrina Alfa con “Amanecer en el campo”, YOB con “Clearing
the Path to Ascend”, Pallbearer con su 2do álbum “Foundations of
Burden” y Neil Young (el verdadero Diós del rock & roll) con
su disco de covers acústicos “A Letter Home” y su álbum con
orquesta “Storytone”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
en esta lista falta no solo el mejor disco nacional de este año y
por ende de los encabezadores de la lista, sino que uno de los más
interesantes discos de la música nacional de los últimos años. El
artista detrás de esta excelente obra es sin duda uno de los más
respetables que ha tenido este país en los últimos tiempos. Su
nombre es Alessandro Podestá.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La
carrera solista de Podestá ha sido muy prolífera, inciándose en el
2007 y habiendo lanzado 3 álbumes: “Aspavento” (2009), “Medias
Tintas” (2010) y “Lo que no sé” (2012).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Desde
sus principios se ha definido como un cantautor con una fuerte base
del folclore latinoamericano, dándole una buena entrada a conceptos
provenientes de la vanguardia naciente de la 2da mitad del siglo XX,
siempre partiendo desde la guitarra como principal herramienta
compositiva.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La
más evidente influencia de Podestá, además de los diversos
folclores musicales que utiliza, es el conjunto uruguayo Los que iban
cantando, sobre todo uno de sus integrantes, Jorge Lazaroff.
Lamentablemente esta influencia ha sido llevada por varias personas a
adjetivaciones que sobrepasan el de “epígono”, lo cual, de
alguna manera, ha opacado varias veces el rico trabajo de este
músico.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Absolutamente
nada sale por arte de magia. Todo tiene influencias. El que Lazaroff
sea una influencia no quita nada. Pero la pregunta es hasta qué
punto está la influencia y a partir de dónde empieza lo propio.
Simplemente porque se haga uso de folclore latinoamericano y se
combine con formas y conceptos que escapan de la tradición de la
música popular no alcanza para catalogarlo como “imitador” o lo
que sea de la índole. Además, varias de estas críticas se reducen
a “bueno, porque hay folclore y es raro, entonces es muy parecido a
Lazaroff”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lazaroff,
por un lado, siempre explicitaba las influencias latinoamericanas,
siempre estaban ahí, en la superficie, por más que estuvieran
acompañadas de lo “raro”. Además, el grado de experimentación
era llamativa dentro del género, pero no así en términos más
generales. Finalmente, y más importante, la postura de Lazaroff, no
solo en letras sino en el encare musical, contenía una enorme
reivindicación del latinoamericanismo al que quería pertenecer, con
una enorme carga política reflejada por la dictadura de los años
'70 y '80 del Uruguay. No en todas sus canciones obviamente, pero
dentro de la definición de Lazaroff como artista, ese es uno de los
puntos más fuertes, sobre todo en su trabajo con Los que iban
cantando.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Alessandro
Podestá no deja muy en evidencia los ritmos latinoamericanos
tomados. Incluso cuándo son evidenciados, varios son mezclados a la
vez y se hace difícil identificar cada uno. Esto hace que Podestá
ritmicamente no sea un folclorista sino una especie de intérprete
del mismo. Los ritmos de Podestá no son tomados, sino creados. Es un
producto.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su
música claramente tiene una carga política-social, pero (por
suerte) con un ojo actual. No hay una reivindicación del
latinomericanismo tan tajante, o más bien, no de la misma manera. Y
bueno, más que nada, no es un artista de la dictadura, ni siquiera
de la camada de la post-dictadura. Esto hace que su postura vaya por
otro lado. No tanto de la protesta sino más bien un ojo analítico
de la situación latinoamericana, incluso de su idiosincrasia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Musicalmente,
la experimentación siempre está presente. Ninguna canción puede
clasificarse dento de alguna tradición. Por la armonía
practicamente nunca. Pero de poder hacerse, la forma de la
composición, su desarrollo, escapa del formato clásico de canción.
Si tomamos lo anteriormente dicho sobre Lazaroff al respecto, la
experimentación de Podestá no solo es tal dentro del género, sino
en términos musciales generales.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtVmSZjbt8EAf-iBzdKNNBgPhDbLWoDdi2kcQsPwLZQ4LkC9_tNSOWZHZwWSoHx6Tm2Dd7GlLZNlCKBdkbclyZTImcqmcdheB1RiqFUx1WRTffVJNz_SyFVm_6qW99da3KwE24yiNNCiz/s1600/10258907_655977371148955_1489964565007219173_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNtVmSZjbt8EAf-iBzdKNNBgPhDbLWoDdi2kcQsPwLZQ4LkC9_tNSOWZHZwWSoHx6Tm2Dd7GlLZNlCKBdkbclyZTImcqmcdheB1RiqFUx1WRTffVJNz_SyFVm_6qW99da3KwE24yiNNCiz/s1600/10258907_655977371148955_1489964565007219173_o.jpg" height="201" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Con
esta breve descripción ya queda en claro que Podestá, por más que
tome como influencia a Lazaroff, no es un imitador, tal vez tampoco
un tan evidente epígono. Pero supongamos que fuera más que un
sucesor y que tomara mucho de Lazaroff, al punto que se pudiera decir
que es extremadamente parecido. ¿Cuál sería el problema? No lo
digo desde un punto de vista existencial, sino más bien tomando la
idiosincrasia uruguaya. En un país dónde ultimamente se intenta ser
el 1ero en hacer algo que ya existe en EEUU o Inglaterra en forma
masiva, dónde parece estar de moda la celebración de cada nuevo
conjunto musical que ha “logrado” hacer lo que ya está trillado
en esos 2 países, usando todos los “trucos” ya existentes sin
agregar, en muchísimos casos, algo más personal que pueda
distinguirlos de las evidentes influencias, se condena a aquellos que
toman hasta la más mínima influencia de autores nacionales o
limítrofes. Parece ser que en un país que siempre ha intentado
reivindicar su supuesta autonomía cultural, siempre recibe de brazos
abiertos a todo aquel que sepa cocinar con la receta de los
extranjeros y enterrar a los que usan las recetas autóctonas. Lo
peor es que se le da la mano a los más “nacionales” solo cuándo
son amigables y entran dentro de lo que se clasfica como nacional,
ese producto que siempre ha servido no como un objeto cultural, sino
de marketing. No hace falta indagar mucho para ver que las propuestas
“nacionales” celebradas entran todas dentro de lo que podría
utilizarse en alguna campaña publicitaria de turismo. Un par de
tamboriles, alguna murga por detrás, hablar de nuestras costumbres
más celebradas por aquellos que el orgullo nacional parece ser una
virtud y listo, porque si se quiere ser uruguayo sin que un hacha
caiga en la cabeza de uno, hay que seguir la receta que sirven en
cada panfleto y anuncio.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Cuándo
aparecen artistas de gran nivel como Alessandro Podestá que deciden
alejarse un poco de la tradición en busca de propuestas que nos den
algo nuevo, son apartados por aquellos que no creen que son lo
suficientemente anglosajones y por aquellos que no creen que son lo
suficientemente “nacionales”.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
el pasado 2014, este músico lanzó su 4to álbum, “Partido el
ganado”. Son 7 canciones, 12 minutos. Sin embargo, es un disco con
un concepto muy sólido que logra solapar su corta duración, algo
así como la duración ideal para lo que pretende ser.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Mientras
que este nuevo trabajo sigue en la línea de los anteriores,
claramente marca una evolución en el mundo musical de Podestá. Los
ritmos folclóricos son aún más mezclados y desprovistos de sus
contextos tradicionales en un enfoque mucho más experimental.
Musicalmente, esto parecería ser más Alessandro Podestá que nunca,
pues todas esas influencias tan claramente marcadas en el pasado se
han hecho menos evidentes, como si hubiera logrado absorberlas del
todo, hacerlas propias y dar a escuchar solo la interpretación de
las mismas, o sea, dónde entra Podestá dentro de ese mundo siendo
él mismo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A
lo anterior se suma la forma y duración de cada canción. Solo 2
rondan en los 3 minutos, mientras que las demás ni siquiera llegan a
los 2, hasta nos encontramos con una que ronda en los 30 segundos.
Esas cortas duraciones ya perfilan al disco hacia otro lado. Pero
podemos escuchar varios discos de punk, sobre todo de hardcore, y
encontrarnos con temas que no llegan ni al minuto y no les hace falta
tampoco. Tienen una buena conclusión en el sentido más clásico.
Aquí ningún tema parecería tener una conclusión tan evidente. En
ciertos casos son como paisajes a los cuales uno entra y sale al
finalizar el tema. Otros simplemente parecen llevar a un lugar al
cual nunca se llega; terminan porque la grabación terminó y no
tanto porque el tema mismo haya terminado. Este constante rondeo por
la superficie de cada canción sin nunca saber a dónde se llega, esa
especie de pregunta nunca respondida, es sin duda el mayor eje del
disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo
que no es menor es el trabajo en la guitarra. Ya desde el primer
disco que este artista se viene consagrando como uno de los
guistarristas más interesantes de nuestro país. No es de un
virtuosismo clásico, pero si de un virtuosismo personal. Con su
abánico de ritmos latinoamericanos mezclados como una ensalada, sus
búsquedas por nuevas sonoridades y texturas y su claro gusto por
melodías y armonías menos tradicionales, Podestá logra un
acercamiento muy personal a la guitarra, tanto que en este disco
llega al punto en que uno puede escuchar su guitarra y darse cuenta
que es él sin necesidad de nombrarlo (claro, si ya se lo conoce).
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Cada
uno de los 7 temas nos lleva por lugares diferentes, siempre dentro
de un ambiente bastante oscuro e indefinido con letras que contienen
un mensaje que no es tan evidente, lo cual sobrecarga ese misterio
del cual hablaba anteriormente. Es como una mirada personal de la
vida citadina que rodea a este músico.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8dPKttYOY2E0_FI8Up0rIoBBSp4ZoKUrIxCiqfIYsww1Ep9dE1RMov_8afIwZLnMLmXWRqHnBKAQcCzf6xPLUoiimeGMEgj4Tvnrl0F698B-V0lIRtE6rmMv-kolGZTgu1Sa645mW8wl/s1600/10258866_655858441160848_7493831829773898324_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8dPKttYOY2E0_FI8Up0rIoBBSp4ZoKUrIxCiqfIYsww1Ep9dE1RMov_8afIwZLnMLmXWRqHnBKAQcCzf6xPLUoiimeGMEgj4Tvnrl0F698B-V0lIRtE6rmMv-kolGZTgu1Sa645mW8wl/s1600/10258866_655858441160848_7493831829773898324_o.jpg" height="172" width="400" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
por ser un disco con un concepto, 7 temas pensados como un todo, el
orden de estos cobra un enorme sentido, empezando por el instrumental
“Rionegrina”, dónde lo más interesante de la guitarra de
Podestá toma el rol de protagonista, luego pasando a “Cada pueblo
y cada plaza”, un tema minimalista que a medida que evoluciona se
va tornando más oscuro y denso. Le sigue “No sé si fuiste”,
calmando un poco las aguas con una tonada más dulce y amena dónde
los silencios cobran tanta importancia como cada nota tocada. “Notas
4”, el 4to tema, con un principio bastante indefinido que de a poco
va tomando forma hasta llegar al ritmo eje, siempre manteniendo un
acercamiento muy experimental y disonante, sobre todo en las
secciones dónde Juan Manuel Varela toma el rol de cantante (sin duda
el tema más interesante del disco). “Reto Sano” nos trae el tema
más dulce del disco pero con un ritmo y pulsación bastante libre
que nos mantiene en un flotar constante. “Algo movido” es una
samba instrumental muy descontracturada con aires de huayno que
aunque es el tema rítmicamente más firme, por sus apenas 33
segundos de duración, termina siendo el tema que más nos deja en
desbalance. Finalmente “La vá”, con un milongón bastante oscuro
que literalmente despide el disco apenas pasando el minuto,
concluyéndolo sin conclusión, como si justo cuándo estuvieramos
por entender algo de lo que estaba sucediendo se esfumara todo para
nunca saber nada en fin.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sinceramente no hay nada para refutarle
a este disco. A alguno puede no convencerle cierto aspecto, pero eso
ya iría más por gustos y preferencias. Dentro de la estética del
disco, todo funciona a la perfección. Todo lo utilizado aquí, desde
los arreglos hasta la duración total, parece estar dentro de un
concepto muy pensado previamente. Es interesante como una música que
genera tantas preguntas a la vez tiene tanto sentido, como si
estuvieramos delante de una máquina que no sabemos como funciona
pero la vemos funcionar a la perfección.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Partido el ganado” es sin duda uno
de los trabajos musicales más interesantes del 2014 y de estos
últimos años en el Uruguay. O incluso de más atrás en el tiempo.
Tal vez mucho más.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, los links</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí pueden entrar al Facebook del artista para seguirlo: <a href="https://www.facebook.com/pages/Alessandro-Podest%C3%A1/450268961697909?fref=ts"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/pages/Alessandro-Podest%C3%A1/450268961697909?fref=ts</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y en su Bandcamp podrán escuchar este grandioso disco, así como sus anteriores: <a href="http://alessandropodesta.bandcamp.com/album/partido-el-ganado"><span style="color: red;">http://alessandropodesta.bandcamp.com/album/partido-el-ganado</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-78806311664125858922014-11-10T04:29:00.004-08:002014-11-12T08:37:05.000-08:00Hotel Paradise - "Hotel Paradise"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBDCEoJjtzRnSRtLmWCLCeephNRsNyv59DOEYc993wEsiAjt62XDTEuF7EtR1__0iSnjlc7CywlUP6tGtd8sTkh4IAJfllYbnMyM5r0EMiv6Wsn_Oa9Fhs0E6BLA2cEHxmE6aK9agC5KAO/s1600/10501731_752089568196290_3987652573009736747_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBDCEoJjtzRnSRtLmWCLCeephNRsNyv59DOEYc993wEsiAjt62XDTEuF7EtR1__0iSnjlc7CywlUP6tGtd8sTkh4IAJfllYbnMyM5r0EMiv6Wsn_Oa9Fhs0E6BLA2cEHxmE6aK9agC5KAO/s1600/10501731_752089568196290_3987652573009736747_n.jpg" height="320" width="320" /></span></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“<i>Tal vez no te convenza la
porquería que tenés alrededor”</i>.
Así empieza una de las letras del disco que traemos hoy. Y en este
país, cuándo hablamos de rock es cierto....hasta que aparecen los
que te dan una mano de salvación.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego de la disolución de Chicos
Eléctricos en 1999 (seguramente el antes y el después del rock
under del Uruguay), los 2 integrantes líderes de la banda, Nicolás
Barcia y Gabriel Barbieri, tomaron diferentes caminos. El último
formó Motosierra, otra ya mítica banda de este país, integrada,
entre otros, por el baterista Walo Crespo (mencionado porque tiene un
lugar importante en esta reseña). Sin embargo, Nico Barcia entró en
una época de rock entre paredes, componiendo temas y siguiendo con
el espíritu, pero sin llevar adelante ningún proyecto ni grabación
formalmente.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego de 8 años, Barcia reapareció
con la formación de una nueva banda: Hotel Paradise. Mientras que él
tomaba el rol de guitarrista y vocalista, Andy Adler (otro de los
héroes nacidos de Chicos Eléctricos) tomo el rol de 2do guitrrista y Walo
Crespo el de baterista. El rigor, así como la musicalidad de la
banda, siempre estuvo presente desde el principio, pero como le dijo
Barcia a Hobo Blues <span style="color: black;"><i>“P</i></span><span style="color: black;"><span style="font-size: small;"><i>or
ella desfilaron un buen número de músicos, bajistas en su mayoría,
que entraban y salían de las habitaciones como pericos por su hotel,
siendo solo Nico y Walo quienes se mantuvieron con el uniforme de
botones puesto desde el principio. Las entradas y salidas de músicos,
junto a la mala conducta general de la banda, hicieron que cada vez
que algo cristalizaba, al instante desaparecía, y vuelta a rearmar.
De ahí que hayan quedado grabaciones por el camino y algunos
proyectos capados que nunca vieron la luz”</i></span></span><span style="color: black;">.</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
ya con bastante material trabajado y con Leonardo Bianco (Motosierra,
León Blanco) en el bajo por un tiempo, lograron plasmar la
personalidad de Hotel Paradise en un primer álbum que será para
muchos el primer contacto con la banda.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">La
palabra rock ya tiene un significado tan amplio que puede entrar
practicamente lo que sea. Sin embargo, si entramos en algo más puro
y detallista, hay un género al que sí se le puede denominar rock.
No es que Pink Floyd o Buenos Muchachos no lo sean. Eso es rock, sí.
Pero en esta ocasión podemos hablar de rock en su mayor pureza, el
“verdadero rock”. Y no de una forma elitista y burda sin
contenido, esa actitud un poco pedante la cual este blog detesta.
Hablamos de algo estrictamente musical. Hablamos de lo que se define
como el rock & roll más puro. Es verdad que en esa definición
entran muchos y de gran variedad, pero todos comparten esa definición
del rock, tanto en música como en actitud. Creedence y Neil Young
son 2 mundos diferentes, pero en su esencia, comparten eso (para
ejemplificar). </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hotel
Paradise es una banda de rock en el sentido más puro. Las letras, la
música, la agresividad, la “desprolijidad”. Pero hay que quebrar
la lanza por ellos, porque no se trata de un grupo de músicos que
toman los clichés de la estrella de rock y los repiten solo por el
look. Son músicos serios, con el nivel de seriedad que más respeta
este blog: les importa mucho, pero a la vez les importa en absoluto.
Uno escucha esta banda y se da cuenta que hay un trabajo minucioso,
hasta en el tema más típico. Pero a la vez se de cuenta que están
en esto por esto y por nada más. Como todos, quieren ganarse un
público, pero claramente quieren ganárselo por lo que ellos quieren
ser, no por lo que los otros desean. Esa actitud es para quién
escribe la más respetable. Y por eso es rock de verdad. Uno ve a los
verdaderos dioses de esta música, personas como Iggy Pop y Neil
Young, y han sido así: van en contra de lo que “deberían”
hacer....y siempre los resultados son excelentes. Pero no van en
contra por el simple hecho de estar en contra, eso sería adolescente
y estupido. Creo que esto es algo que se encuentra aquí y por eso se
ha ganado el respeto merecido.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">La
banda tiene su poesía. Por un lado, tenemos a 2 músicos que han
llegado a algo así como un estatuto de “leyenda”. Son jóvenes
aún, ninguno llega a los 50, pero su historia musical ya ha dejado
una importante huella en lo que es el rock uruguayo....el verdadero
rock uruguayo (no hace falta explicar). </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por
un lado, se encuentra Walo Crespo, quién ha sido desde siempre el
baterista de Motosierra, una de las bandas más emblemáticas,
quienes llevaron el punk-rock con influencias de hard rock al punto
más agresivo que ha tenido este país. Es verdad que sus baterías
son simples. Nunca nos vamos a encontrar con algún juego rítmico
que se despegue, no hay virtuosismo, no hay una super técnica. Pero
eso que algunos pueden ver como una limitante es contrarestado con
una agresividad brutal, algo que termina siendo un ingrediente
esencial en la música de esta banda. El ritmo más simple y común
que se pueda escuchar es llevado a una brutalidad primitiva que se
transforma en el salvajismo de la música presente. El redoblante
parece ser el arma de fuego de Crespo, siempre golpeado con
ladrillos. Y luego de varios conciertos presenciados, uno se da
cuenta que esa energía es acompañada de un constante movimiento
cavernícola. Las baterías de Crespo no van tanto por lo rítmico,
sino más bien por lo tímbrico. La batería no como un instrumento
musical, sino como un arma de fuego que golpea en el estómago.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por
otro lado, se encuentra Nicolás Bacia. Él se ha ganado la
admiración de muchísim gente. Ya que haya sido uno de los grandes
pilares de Chicos Eléctricos, esa banda de los '90 que marcó el
antes y el después en el rock under nacional, que trajo la crudeza y
agresividad a la música que estuvo a punto de surgir en los '70 y
que fue solapada por la dictadura, que le dejó en claro a este país
qué es el verdadero rock, ya es razón para tenerlo en un pedestal.
Y eso para muchos fue un recuerdo, pero para otros de generaciones
más jóvenes, como quién escribe, era una anécdota, una especie de
leyenda que solo podía ser vivenciada con discos y algún video que
se fue colando en el querido Youtube. Que Barcia haya vuelto al
escenario, que haya vuelto con esta energía que no solo ha traído a
esta banda, sino otros proyectos como Reyes Estallar (quienes ya
aparecieron en esta página hace unos meses: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com/2014/08/reyes-estallar-la-muerte-en-una-buena.html"><span style="color: red;">http://hoboblues2013.blogspot.com/2014/08/reyes-estallar-la-muerte-en-una-buena.html</span></a>),
es para todos, tanto los que pudieron verlo en los '90 como para
aquellos que solo sabían de él por palabras y letras, un retorno,
uno muy enérgico que sin duda no tiene qué envidiarle a su
pasado...en absoluto. Es más, creo que tanto en este proyecto como
Reyes Estallar se demuestra que ha habido una madurez musical. Puede
gustar más Chicos Eléctricos, sobre gustos no hay nada escrito,
pero es inobjetable que el trabajo en estos 2 nuevos proyectos tienen
un trabajo más maduro y serio. Y se ve reflejado tanto en la
composición como en su acercamiento a las vocales y por sobre todo a
la guitarra. En la reseña de Reyes Estallar ya lo decíamos: es
claro que el trabajo de la guitarra en Barcia ha evolucionado y que
no se ha estancado en el recuerdo. Hay nuevas herramientas, y las que
se encontraban en Chicos Eléctricos son reutilizadas bajo otra lupa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOhGN9LMs3tjLWXMTWOJvGL530GNNxVeFvMriIa9fHq03e8LvS7TE-Cp7RG1U8Kx8oed1hJM6j2cDBv6vGv1zYkPzpNDIcbjpw5SFB2HdX_IWYJ5ybXvujggU_seHVatmST2lmBh4SHuY8/s1600/1016197_536138656458050_1732449054_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOhGN9LMs3tjLWXMTWOJvGL530GNNxVeFvMriIa9fHq03e8LvS7TE-Cp7RG1U8Kx8oed1hJM6j2cDBv6vGv1zYkPzpNDIcbjpw5SFB2HdX_IWYJ5ybXvujggU_seHVatmST2lmBh4SHuY8/s1600/1016197_536138656458050_1732449054_n.jpg" height="240" width="320" /></span></a><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
la otra cara de la poesía de esta banda está en el bajista. Han
pasado muchos por la banda, pero los 2 que han hecho que la banda
tenga mayor solidez temporal son jóvenes, siendo estos Leonardo
Bianco, quién estuvo presente por largo tiempo y es quién se
encuentra en este primer disco, y el actual bajista, Gonzalo Petersen
(Culpables, Luzmala), quién ya está en la banda hace un tiempo y
que se ha acoplado a la perfección. Y creo que no es menor el que
sean más jóvenes. Le da un toque de “unión” generacional a la
banda, 3 generaciones de rock que completan una línea: él que dio
el origen, él que decidió mantener el fuego prendido y una especie
de hijo de todo esto. Eso hace que la banda tenga esa energía, no
gracias a la presencia del jóven, sino porque los 2 mayores deciden
integrar a un jóven. Pero lo más importante es que este no está
para ayudar. No es como uno de esos músicos que acompaña a Paul
McCartney que está ahí solo para “servirle” al rey. Aquí este
integrante es uno más, es una hermandad. Parece haber una mutua
nutrición, de la experiencia y de los ojos más actuales. Es ahí
dónde está la mayor magia de esta banda: que se trata de rock, del
más puro, hecho no por gente que comparta un común generacional,
sino musical. Y en el escenario eso se plasma, cada uno con su
personalidad, cada uno con sus vivencias y experiencia, sin ser
ninguna opacada por otra.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
disco, titulado “Hotel Paradise”, salió en Setiembre de este año
2014 a través del sello discográfico Rastrillo Records (sello que
recomendamos indagar porque en su discografía se encuentran varias
de las bandas de garage rock más interesantes de hoy en día).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En
una primera escucha de las 12 canciones que integran este disco, uno
rápidamente puede definir el estilo de la banda: garage rock con
potencia, siendo las influencias más claras The Stooges y toda la manada del
denominado killer rock, o sea, rock & roll puro con la actitud
punk que termina definiendo el sonido de la música. Pero lo
interesante del disco es que esa homogeneidad que puede sentirse en
un primer encuentro, a medida que se vuelve a escuchar el disco una y
otra vez, cada canción empieza a parecerse menos al resto, a cobrar
su propia personalidad, como si vieramos una nube desde lejos y a
medida que nos acercamos empezamos a notar cada partícula que la
conforma.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">¿Con
esto a qué nos referimos? A que los límites definidos en la música
de Hotel Paradise son claros, pero no se quedan estancados en una
esquina, sino que recorren todo el terreno. Y es por eso que todos
los temas comparten el mismo espíritu y a su vez son distintos entre
sí. Eso es algo muy valorable, porque la banda logra un sonido
definido pero ese sonido es interpretado de varias maneras. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Temas
como “Shakin' Bicho” nos llevan a un garage rock con aires de los
'60 y bastante swing. Otros como “No me hables más de plata” a
un hard rock con aires punk (hasta tiene un ritmo que recuerda mucho
a la versión de “Hey Joe” de Hendrix). También hay rock &
roll bailable como “Pija y pala”. “A pirar” nos trae lo más
punk de la banda, con una oscuridad y en momentos algo glam que puede
recordar a Turbonegro. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero
tambien nos vamos a lados dónde el punk y lo sucio es dejado de lado
y se incorpora algo con un toque más amigable. El tema “Solo
quería tocarte” nos lleva a una balada con un slide guitar
estupendo, creando una musicalidad que sin duda recuerda a artistas
como Tom Petty. A este le sigue “El indio negro que curó a Jesús”,
dónde se encuentra una guitarra acústica en un paisaje de rock
sureño al mejor estilo Lynyrd Skynyrd. Finalmente está “Calma el
dolor”, con un estilo Rolling Stones post-”It's only Rock 'n
Roll” y un pequeño pasaje instrumental que puede remitir al Sonic
Youth menos transgresor.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo
que acompaña con cada tema es una voz diferente. Obviamente no hay
12 voces diferentes, pero sin duda Barcia se tomó el trabajo de
decidir cuál de sus voces jugaba de mejor manera con cada tema,
desde lo más podrido y desgastado hasta lo más relajado y
entrañable.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Queda
claro que en Hotel Paradise no solo hay salvajismo y crudeza, sino
también refinamiento, conocimiento, utilizando la experiencia como
herramienta para saber a dónde ir. Es una banda con mucha energía
que puede llegar a algo más tranquilo y hasta dulce, siempre
manteniendo la honestidad adelante. Estos extremos son algo que
también le dan valor y genuinidad a la banda. Saben que pueden hacer
ruido, pero no se dejan tragar la imagen del rockero malo y evitar
entrar en algo más sensible. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNGl0HjQeArqv5_fuq79FD2L8_bGWXUY7Gmu4TTe_jsjE0Ebl8YYJlDLb9PJPtCGZ1fi-S1QaPOai7s3nJXSi7Ovuc3vm099bvHCI4YhfPIvcSita7Mty3ZZi4LKuQMT9g5gfpkqw2ZMBB/s1600/10531219_709054765833104_5788312095430323590_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNGl0HjQeArqv5_fuq79FD2L8_bGWXUY7Gmu4TTe_jsjE0Ebl8YYJlDLb9PJPtCGZ1fi-S1QaPOai7s3nJXSi7Ovuc3vm099bvHCI4YhfPIvcSita7Mty3ZZi4LKuQMT9g5gfpkqw2ZMBB/s1600/10531219_709054765833104_5788312095430323590_o.jpg" height="213" width="320" /></span></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Tenemos
acá otra demostración de que el verdadero rock puede ser encontrado
en este país pequeño. No lo vamos a encontrar en las radios ni en
los medios más accesibles, pero basta con abrir un poco los ojos y
las orejas para toparnos con gemas como esta. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este
disco también demuestra que el buen rock puede lograrse, sin
importar la edad, siempre que se mantenga la cabeza en alto y los
ojos claros, sin nunca ser tapados por los vicios del negocio de la
música que pueden atrapar al más iluso. Porque como dijo el rey (a
esta altura ya no hace falta nombrarlo en este blog) <i>“La música
es vida y la vida no es un negocio”</i>.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="color: black;">Pero
lo que más se demuestra es que aquellos que alguna vez fueron reyes,
siempre pueden volver al trono, siempre que mantengan el fuego
encendido. Varios de los héroes del rock han tenido alguna caída en
el camino y varios de ellos han sabido levantarse con los pies más
firmes que nunca, logrando su mejor trabajo décadas después de su
“época dorada”. Hotel Paradise es entre varias cosas, un bello y
feliz retorno, dejando en claro que en la vida pueden haber hermosos
“segundos actos”. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ahora
solo nos queda seguir escuchando este disco y presenciarlos en
concierto. Hotel Paradise tiene sus puertas abiertas las 24 hs, los 7
días a la semana. Solo hay que reservar habitación.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="color: black; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como siempre, aquí la página de Facebook. Si gusta, se pone "Me gusta": <a href="https://www.facebook.com/pages/Hotel-Paradise/419582378113679?fref=photo"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/pages/Hotel-Paradise/419582378113679?fref=photo</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí podrán escuchar algunos de los temas del disco, aqunue recomendamos adquirirlo. Solo comuníquense a través de Facebook: <a href="https://hotelparadise.bandcamp.com/releases"><span style="color: red;">https://hotelparadise.bandcamp.com/releases</span></a></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!</span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-72262899090062283682014-10-11T12:07:00.003-07:002015-03-03T17:16:55.311-08:00Vincent Vega - "El Gran Galgo"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmZ89NHHyyYBCJQKkBJ7BxEjMBcvWevbrh7p-ylJlRJ0M4bUS0fjuDGsPvKWfaPTly7dKwRCHhJ3aNzqKG5bMXMGNopAQ1JtcsCheJ16TIYWNMeJYYftTg-QpNGczK1G1n6hSH1sSLU3vo/s1600/cover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmZ89NHHyyYBCJQKkBJ7BxEjMBcvWevbrh7p-ylJlRJ0M4bUS0fjuDGsPvKWfaPTly7dKwRCHhJ3aNzqKG5bMXMGNopAQ1JtcsCheJ16TIYWNMeJYYftTg-QpNGczK1G1n6hSH1sSLU3vo/s1600/cover.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Creo
que es más difícil llevar adelante un 2do álbum que un debut.
Cuándo uno decide sacar su primer disco, tiene que ver cuál es la
cancha que quiere marcar, y más que nada, demostrar que hay calidad.
Sin embargo, siempre está la frase “es el 1er disco”, la cual
evidencia un estilo de paciencia por parte del oyente, como si este
no esperase que en un debut las cosas estuvieran en condiciones
óptimas. “Recién empezaron”. El debut es un inicio, y si el
artista en su primer álbum sonara muy parecido a sus influencias,
muy pocos lo objetarían.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 11pt;">Pero
toda esa paciencia y comprensión, ese optimismo, al llegar el 2do
álbum, puede desaparecer. Es porque se espera que la banda traiga
algo nuevo. Todo lo “permitido” en el debut no puede estar en el
2do. Y gran problema si el debut es considerado un trabajo super
completo. Superar lo una vez alcanzado es difícil, más cuándo el
público, por lo general, no recibe bien los cambios. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 11pt;">Vincent
Vega (Uruguay) lanzó su primer trabajo discográfico en el 2009.
Para ese entonces, se trataba de un dúo: Matías González Marichal
(guitarras y voz) y Mauricio Sepúlveda (guitarras y voz). El disco
nos traía una música folk con un sonido actual que fácilmente
podía llevar al territorio del denominado indie-folk. Entre melodías
estiradas, arreglos vocales armonizados de una manera convencional
que por más obvio que fueran, funcionaban a la perfección dentro de
ese enfoque musical, y arreglos de guitarra que no desperdiciaban las
posibilidades que permiten los dúos, se lograba una especie de
tranquilidad irreal, dónde lo meloso no llegaba a lo pomposo (al
menos no para quién escribe) y la ternura nunca agobiaba (aunque
obviamente siempre nos encontrábamos entre flores e inocencia). </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Sin
duda que lo más interesante de este disco se encontraba en las
guitarras. No por las armonías, ya que el dúo nunca se alejaba de
un tonalismo/modalismo típico con algunos giros que podían dar
mayor interés, sino por la interacción entre ambas guitarras. Los
arpegiados en una especie de contrapunto en dónde las voces de cada
guitarra se unían entre sí y generaban líneas que se combinaban
atrapaban rápidamente. Un buen ejemplo era el tema más interesante
de ese primer álbum, “Un poco más feliz”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">El
dúo hace ya un par de años que pasó a ser un cuarteto, sumándose
Leandro Mangado al bajo y Emiliano Pérez Saavedra a la batería. Al
mismo tiempo, las guitarras acústicas fueron de a poco siendo
suplantadas por eléctricas. Y sucedió lo que era esperable: del
Folk al Folk-Rock.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Luego
de 5 años de su primer lanzamiento, Vincent Vega, ahora como
cuarteto, lanzó su 2do trabajo de estudio, titulado “El Gran
Galgo”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 11pt;">En
este disco, gracias al instrumental (y más que nada al enfoque
musical del cual partían y el que ahora han incorporado), nos
encontramos con un folk-rock electrificado (poca presencia hay de
guitarras acústicas). Influencias como The Beatles en los discos
“Help!” y “Rubber Soul”, Bob Dylan post-“Bringing it all
back Home”, The Band, The Byrds, Buffalo Springfield, Creedence
Clearwater Revival, Grateful Dead de principios de los ’70, Moby
Grape, son algunas de las que podemos encontrar con mayor facilidad. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">No
se dejan afuera algunas de las influencias que encontrábamos en el
disco anterior, sobre todo porque estas también están ligadas al
sonido del folk-rock de los ’60 y comienzos de los ’70. Por eso,
Simon & Garfunkel, Neil Young (en su etapa más folk), The Beach
Boys, Johnny Cash (tal vez más en este disco que el anterior), son
otros de los que podemos escuchar en el sonido del actual Vincent
Vega.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Algunas
cosas que encontrábamos en el debut se han perdido en este 2do
trabajo discográfico. Aquellas melodías estiradas fueron
sustituidas por un fraseo más dinámico que acompaña el ritmo del
resto de los instrumentos. A su vez, esa ternura y paz que podían
traer las canciones fueron reemplazadas por un ambiente más alegre y
eufórico (sin llevarlo a extremos).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Algo
que tampoco encontramos con tanta presencia es la forma en qué
dialogaban las guitarras, ese contrapunto del cual hablaba
anteriormente, que sin duda era la parte más fuerte de ese primer
encuentro con el dúo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Pero
la reseña empieza con el desafío del 2do álbum, la prueba de fuego
para una banda. Y habría que pensar si lo anteriormente dicho, lo
que suena como “negativo”, solapa lo que se podría ver como
“positivo”, o si este último tiene mayor peso y este nuevo álbum
sale victorioso.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Es
verdad que la estética musical de la banda ahora pueda ser un poco
más predecible. Hay canciones que fácilmente pueden encasillarse en
un estilo, incluso en un artista en particular de los ya nombrados.
Pero no pondría el adjetivo de “menos original”. No tanto porque
ahora sea lo contrario, sino porque antes tampoco nos presentaban
nada que no pudiera definirse. Vincent Vega, desde un principio, no
se caracterizó por la originalidad, sino por el trabajo y desarrollo
dentro un territorio musical ya bien definido.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Es
verdad que el interés de las melodías en el primer disco se daba
por ese estiramiento, pero a la </span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;"> <span style="font-size: 11pt;">vez, podía a veces ser agotador. O
más que agotador, repetitivo. En este disco, las melodías tal vez
no tienen un toque tan personal, pero nunca cansan. Siempre están
activas y a la par con lo que la parte instrumental intenta plasmar.
Algo interesante, a su vez, es que en este disco los timbres de las
voces se despegan más. No es que el timbre de las voces haya
cambiado en sí, pero sin duda ambos cantantes han evolucionado mucho
y de a poco parecen definir sus propias voces. Lo que antes
funcionaba como “la voz de Vincent Vega”, ahora son 2 voces.
Vincent Vega ahora tiene 2 voces. Es que cada cantante ha llevado las
cualidades que apenas se asomaban en el primer disco a un nivel un
poco más notorio.</span></span><br />
<br />
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtqg0juABQceJGFK2NFOcwDYFtgyoXMlDWBKTJdFlBqXHjcV5AfSDASLQIXUl1hPide1vlS5NTkTH6mL-OnRsD99tub9xxolMWuAEe_wZpLNEi_TwRLtTMp6MKdS0Wogk8LlCArNjO_BFe/s1600/524939_10151131047441920_850234547_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtqg0juABQceJGFK2NFOcwDYFtgyoXMlDWBKTJdFlBqXHjcV5AfSDASLQIXUl1hPide1vlS5NTkTH6mL-OnRsD99tub9xxolMWuAEe_wZpLNEi_TwRLtTMp6MKdS0Wogk8LlCArNjO_BFe/s1600/524939_10151131047441920_850234547_n.jpg" height="218" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Por
el lado de González, el abandono de las melodías largas lo ha
ayudado a explorar otras con otros saltos que no solo enriquecen su
instrumento, sino que demuestran que tiene un amplio registro vocal y
un gran manejo de los agudos. Además, gracias a estas melodías con
mayor movimiento, ahora los pasajes de una nota a otra a través de
glissandos (pasajes de una nota a otra no por saltos, sino por un "desliz") han adoptado otro perfil que amplía las herramientas
vocales que pueda utilizar en un futuro. Algo interesante de
Gonzalez en este disco es la pronunciación de las vocales, tomando
las palabras no solo por su significado, sino por su cualidad sonora.
El mejor ejemplo está en “Tan herido”, dónde la sonoridad de
las palabras varía constantemente por este truco. Palabras como
“cansado” pasan a ser “keansado”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Por
el lado de Sepúlveda, su voz parece aún más relajada, más
despreocupada. En momentos puede ser hasta un poquito rasposa. Con
todo esto, pareciera que adoptara una posición en la cual las cosas
le importaran mucho, y a su vez en absoluto. Mucho porque parece
estar preocupado del timbre que quiere darle a su canto. En absoluto
porque no parece importarle si el resultado es placentero para el
oyente. No estoy hablando de algo extremista. No son gritos como
Henry Rollins en Black Flag ni cantos recitados como Lou Reed, ni
siquiera un canto afinado y podrido como Lemmy en Motörhead. Es tal
vez un detalle muy pequeño, pero está presente, lo suficiente como
para dedicarle estas líneas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">El
formato de cuarteto electrificado sin duda amplía las posibilidades
de trabajo. Aunque decidieron no explorar cosas que se alejaran de un
terreno ya bien marcado, tampoco se instalaron en un solo lugar.
Podemos encontrar varias partes instrumentales para empezar. Pero
también, aunque haya temas que puedan encasillarse con un artista en
particular, son artistas diferentes. Todos rondan por el Folk-Rock,
pero no siempre es el mismo.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 11pt;">Algunas
de estas partes instrumentales son tan desarrolladas que se
transforman en canciones puramente instrumentales, como en el caso de
“Instrumental”. Pero lo interesante son las partes instrumentales
dentro de canciones con vocales. Es más, hay momentos en los que
estas tienen tanto peso que hasta podrían definirse como temas
instrumentales con partes con vocales. El mejor ejemplo es el tema
que abre el disco, “Blues de las manchas”. En el principio, las
vocales predominan, con apenas un pequeño pasaje instrumental en la
mitad y la vuelta a los acordes del verso al final. Pero es en esta
última que aparece lo que recién comentaba. Algo que podría ser un
final de unos pocos segundos, ya que se trata de los mismos acordes
que escuchamos a lo largo del tema, es extendido tanto que ocupa casi
la mitad de la duración total de la canción. Primero un solo de
guitarra, luego un solo de la otra guitarra, luego aparece un piano,
y finalmente un solo de armónica por parte del invitado Ismael
Varela, mejor conocido como Señor Faraón. Cada uno de estos solos
es acompañado de manera diferente, variaciones tímbricas de esos
acordes que no paran de repetirse. Es que llega un momento que ese
estirado final tiene tanto sentido que podría durar mucho más,
exprimiendo todas las posibilidades, dándole un solo a cada
instrumento existente en el planeta. No sucede, pero se alude a ello.
</span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">¿Qué
hay de las guitarras? La interacción que encontrábamos en el primer
disco ya no está presente tan exhaustivamente. Lo que antes eran 2
guitarras en un mismo nivel jerárquico, ahora es una líder y una
acompañante. En otros momentos ambas están al mismo nivel, pero en
un nivel menos protagónico que el del debut. Es que hay que
entender: este disco no se trata del trabajo de 2 guitarras, ya no.
Se trata del trabajo en grupo, como banda de Rock. Se da lugar a
cosas muy interesantes, como la guitarra principal en “Gatillo
ligero” o la de “Honey Eyed Girl”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="font-size: 11pt;">Pero
como dije, aún encontramos esos tejidos guitarrísticos, y diría
que con mayor elaboración y riqueza. Un excelente ejemplo es “Viejo
amor”, uno de los mejores temas del disco. Las guitarras eléctricas
arpegiadas con un sonido muy cristalino y pasivo son lo mejor que
vamos encontrar en el disco por parte de estos instrumentos. Es que
al trabajo contrapuntístico que encontrábamos en el primer disco se
le agrega la búsqueda del timbre necesario, el sonido ideal para
plasmar lo que de verdad se desea. El sonido acústico era parte de
la idiosincrasia de ese primer disco. Pero era un planteamiento
estético general más que una decisión para las canciones en
particular. Esta vez, en esta canción en especial, se decide plasmar
el ambiente imaginado, aunque eso signifique, en momentos, quitarle
un sonido homogéneo al disco, transformando aa la canción en un
mundo con sus propios límites. Gracias a este arpegiado, este sonido
en particular, y la armonía dulce, pasiva e inocente, se evidencian
influencias de nuestro país, que es Eduardo Mateo, más que nada el
del grandioso disco “Cuerpo y Alma”. Aun así, esta asociación
no irrumpe con el gran trabajo realizado, mucho menos con la
valoración merecida. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzeGuvq9-801e2OnGakSFn2wpPS6jzq6iY6zmbAFc6xJgvSbZGtbSYgJK88dZLs-V42EAF_O6F0-c48xnnozre2N8N_vceDHPwblLqShAyG4Z1EaXfEqRC8s1YGRAKF2gkVt8VaP7lUrqU/s1600/1911156_10151918160611920_1944340468_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzeGuvq9-801e2OnGakSFn2wpPS6jzq6iY6zmbAFc6xJgvSbZGtbSYgJK88dZLs-V42EAF_O6F0-c48xnnozre2N8N_vceDHPwblLqShAyG4Z1EaXfEqRC8s1YGRAKF2gkVt8VaP7lUrqU/s1600/1911156_10151918160611920_1944340468_o.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="_GoBack"></a><span style="font-size: 11pt;">Hay
otro tema que sin duda hay que destacar, y es “Un et mille”. Por
un lado, nos encontramos con una guitarra que tiene mayor
protagonismo, pues esta tiene mayor movimiento, incluso dentro de un
mismo acorde, a diferencia de la otra. Sin embargo, es el resultado
lo que genera interés, los contrastes y variaciones melódicas que
se dan entre el estatismo de una y el movimiento de la otra, dándole
otro significado a las notas de la primera. </span>
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Por
otro lado, aunque la armonía no es innovadora, es interesante como
las notas de la guitarra con mayor movimiento van adquiriendo otro
carácter a medida que la armonía cambia, como las mismas
herramientas cobran otro sentido según el material con el cual es
contrastado. También vale destacar la guitarra eléctrica super
distorsionada del final, con un rol que no va por lo melódico, sino
por el timbre y más nada, algo así como un concepto más acusmático
que musical.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Finalmente,
destacaría la letra. La mayor parte de las letras de Vincent Vega
hablan de amor y de una especie de soledad existencial. No son malas
letras, pero tampoco son una maravilla. Por lo general, están ahí
sin molestar en absoluto y hasta pueden pasar desapercibidas. En esta
canción, la temática es amor, el encuentro con una persona “ideal”,
sin nunca caer en algo pomposo. La adoración por algo cuyos defectos
parecen estar en la superficie, hace que la letra suene sumamente
honesta, haciendo que la temática se sienta más personal y hasta
identificable con uno mismo. Sin duda la mejor letra del disco.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Si
comparamos con el disco anterior, podríamos decir que es más
heterogéneo, en cuánto a calidad. Hay temas que están muy bien
logrados y otros que pueden estarlo también, pero que podrían ser sustituidos por otros de la misma índole, pues su rol no es tanto ser un tema distinguible, sino reafirmar el terreno dónde se está trabajando. Pero esos puntos altos llegan más que los del
debut, pues se nota un mayor trabajo y elaboración.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Es
que el disco presenta una madurez incuestionable. Aunque el valor que
tenían los arreglos de guitarra en el debut era grande (lo cual ya
dije varias veces), en momentos podía parecer que las soluciones
compositivas eran las mismas o parecidas, como si hubieran encontrado
la fórmula secreta y la repetían una y otra vez. No cansaba, pero
de a poco se perdía el efecto sorpresa. Aquí, por más que algunos
recursos no son inventados por ellos, ni cerca, al tener varios, cada
tema puede tener una personalidad más propia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">Además,
la producción del disco es mucho mayor. No es que el otro disco
tuviera una mala, pero aquí se nota que la producción fue un tema
puesto en la mesa.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">¿Qué
podría decir entonces? El disco anterior tal vez tenía algo que los
hacía más Vincent Vega que otra cosa, aunque no por mucho. Pero
este disco tiene un mayor trabajo irreprochable. Y los puntos altos
del disco superan enormemente a los del primero.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif; font-size: 11pt;">¿Es
mejor o peor disco que el debut? Creo que eso ya entra en gustos.
Pero la pregunta es: ¿este disco cargará el peso de ser un segundo
trabajo discográfico? ¿Vivirá bajo la sombra de su antecesor? Creo
que no. Creo que más bien la tendrá a su lado, acompañándolo para
que ambos puedan decir “Esto es Vincent Vega”.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí está el link para el Facebook. Como siempre, si gusta, se pone "Me gusta": <span style="color: red;">https://www.facebook.com/pages/Vincent-Vega/118775371919?fref=ts</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego pueden escuchar online y descargar el disco en el Bandcamp de la banda: <span style="color: red;">https://vincentvegauy.bandcamp.com/releases</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí podrán descargar este y el primer disco. Recomiendo ambos: <span style="color: red;">http://www.vincentvega.uy/</span></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!</span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0in;">
<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-61839698732455202712014-09-20T08:52:00.002-07:002015-03-03T17:17:09.759-08:00Croupier Funk - "Croupier Funk"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCFrmMB-G5n19vmkfY3Jl0AOySnMeQJut1sum8VX7jG-ZDUxpoLVhw15_NA-7Fv0FtiuTC74ixl5GK7rRW0b4cgkB-kvpton9HGwf9ktJADbtENLpoE-88mZti0vEazowi35e_ntw0MLR2/s1600/funk.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCFrmMB-G5n19vmkfY3Jl0AOySnMeQJut1sum8VX7jG-ZDUxpoLVhw15_NA-7Fv0FtiuTC74ixl5GK7rRW0b4cgkB-kvpton9HGwf9ktJADbtENLpoE-88mZti0vEazowi35e_ntw0MLR2/s1600/funk.jpg" height="288" width="320" /></span></a></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hacer Funk en Uruguay es un gran problema. No hay cultura de este género musical, en absoluto. Más bien una "movida" (porque convengamos que, aunque se diga mucho, tampoco la hay de Reggae, aunque este es más escuchado). Eso lleva a 2 cosas. Por un lado, permite que cualquiera "pueda" hacer Funk, porque igual, poco se sabe de él. El otro, y el más grande de todos, es que está asociado a un encuentro social que es "la fiesta". El Funk en Uruguay es sinónimo de fiesta, sobre todo porque lo que más llego a nuestro país de este género fue las variaciones del mismo en la época Disco...y en esa quedó. Han habido varias bandas que han adoptado parte del lenguaje, pero sinceramente, diría que practicamete todas (ya que no puedo afirmar que conozco todas, aunque en realidad no ha habido muchas que digamos) lo han adoptado de manera muy superficial. Se cree que por hacer una línea de bajo con ciertos giros, una guitarra con un ritmo pseudo-Funk y cantar de forma pseudo-rapeada, alcanza. No, no es así. No es así en ningún género y muchísimo menos con este.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hace ya unos años empezó a escucharse en varios boliches una banda de Funk. Algo que llamaba la atención a primera vista era el despliegue, ya se que se trataba de una banda con varios integrantes, un ensamble de Funk, tal como lo eran en los '60 y '70. Obviamente, por lo anteriormente dicho y la selección de canciones (lo cuales eran todos covers conocidos del género), la banda era relacionada directamente al ambiente de fiesta. No se escuchaba decir "qué genial es la banda" en un sentido puramente musical, sino más bien el efecto que tenía en ese ambiente, o sea, la música como un medio y no como un fin. Esto, siendo sincero, era algo que a quien escribe le disgustaba un poco. Yo no estoy a favor de las bandas de covers, al menos no por un largo tiempo. </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero pasado un tiempo, se fueron incorporando sus propias canciones al repertorio en vivo. En un principio, inevitablemente aludían a las bandas más conocidas del Funk, o más bien, hacían uso de los aspectos más característicos del mismo. Inevitable, pero comprensible y respetable (convengamos que esa imbecilidad de "originalidad pura" no existe. TODO nace de algo).</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ya desde hace unos meses se anunciaba el futuro lanzamiento del debut de la banda, titulado también "Croupier Funk". Fue lanzado este Lunes 15 de Setiembre de 2014. Sin embargo, algunos integrantes de la banda tuvieron la gentileza de regalarle una copia a quién escribe el día antes con el fin de hacer lo que se sabe hacer en este blog: escribir de discos actuales, sobre todo uruguayos, sobre todo under. Voy a ser sincero: no sabía qué esperar. Bueno, hasta cierto punto. Ya había escuchado los temas "Dentro del club" y "La magnífica historia de los hermanos Brlbrlba". Ambos me habían gustado pero no lo suficiente en aquel momento. Sabía que me iba a encontrar con Funk, pero no así su acercamiento y elaboración. Y teniendo esas referencias (que a decir verdad, no es que les dediqué una gran escucha), á los prejuicios con los que evidentemente ya contaba, porque así empecé esta reseña, no esperaba nada que me sorprendiera. Pero ahora puedo decirlo: me equivoqué y mucho.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Las influencias de Croupier Funk son claras. Sin duda las más predominantes son Parliament/Funkadelic (más el primero ya que la banda no tiene un sonido rockero como el que solía tener Funkadelic), pero rapidamente encontramos otras claves del Funk como Sly & the Family Stone, James Brown, Stevie Wonder, Wild Cherry y Kool and the Gang. También podemos encontrar influencias del Red Hot Chili Peppers más Funk, aquel de los primeros 3 álbumes de los '80 y en menor medida en el "Mother's Milk" y "Blood Sugar Sex Magik". Pero la música se vuelve más interesante cuándo aparecn guiñadas de otros que llevaron el Funk por otros territorios, como Herbie Hancock, Steely Dan o inclusive Talking Heads, que hacen que la banda se transforme, al igual que estos 2 artistas, en algo que puede alejarse, aunque sea por 1 paso, del Funk para llegar a otras cosas.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo más valorable de la banda es que tocan Funk, de verdad, y no un simil de Funk. Cada instrumento tiene todos los trucos del género, algo así como si al escuchar Croupier Funk nos encontraramos con una especie de biblioteca de Funk. Eso significa que aquí nos encontraremos con Funk de verdad. Podrá gustar o no, pero que es Funk no hay duda. Lo más valorable es que no se quedan en un solo acercamiento. Es que ya viendo las influencias que he nombrado, es imposible que el Funk que escuchemos aquí sea solo uno. Ya hablar de James Brown y Talking Heads es hablar de kilómetros de distancia. Pero incluso al hablar del P-Funk y Sly Stone es bastante.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como banda, o sea, por la parte instrumental, sin duda son un conjunto que funciona a la perfección. No hay solos de guitarra, ni de teclados, ni de vientos. Es una banda que funciona como un solo individuo. No hay nunca un protagonista explícito. Solo puede haberlo en el oyente si este se interesa por un instrumento más que otro, pero dentro de la planificación de la banda, no hay líder. Todos parecen estar al mismo nivel jerárquico. Esto es algo interesante ya que da a lugar a otros resultados musicales, como polirritmias, melodías resultantes por la unión entre instrumentos, etc. O más que dar resultado (porque siempre puede suceder esto), ayuda a que el oído esté más atento a ello.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El juego entre pares de instrumentos es algo a tener en cuenta al escucharlos. Por ejmplo, las guitarras nunca hacen lo mismo entre sí. Generlmente podemos escuchar un haciendo un pequeño riff que tiende más hacia lo rítmico que lo melódico, mientras que la otra hace diferentes acordes rasgueados con los típicos ritmos del género. </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Las voces por lo general no hacen melodías que resalten tanto. Son melodías que juegan dentro de una cancha ya conocida. Pero lo interesante es que cuentan con un cantante masculino de voz grave y una cantante femenina de voz medio-aguda, y esto da a lugar a ciertos juegos como cantar la misma melodía a la octava o juegos de pregunta/respuesta que ganan mucha riqueza dada la diferencia de registro. Entonces diría que lo interesante de las voces no es tanto lo que hacen, sino la combinación entre ambas.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los teclados y la batería, de todos los instrumentos, son los que quedan más escondidos. Tienen el rol menos protagónico. Pero en este caso, sond de esos aportes que dan mucho en lo que es el sonido de la banda. El uso de varios timbres diferentes, lo cuales se encuentran entre los clásicos del Funk y los del Jazz Fusión, más los diferents riffs de muy corta duración, hacen que los teclados puedan no estar en el frente, pero que de sacarlos, se haría un gran agujero. Lo mismo con la batería, con los ritmos clásicos del Funk que en momentos se escapan un poco, recordando más a las baterías del Jazz Funk de Billy Cobham.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los vientos tienen 2 aspectos. Por un lado, hay que destacar las líneas melódicas. Hablando de una manera puramente tradicional, se podría decir que son motivos "bien logrados", porque tienen un buen contorno melódico, tienen sus particularidades para atrapar la atención y a su vez tienen la cualidad de ser líneas cantables y sobre todo recordables. Por otro lado, cómo son usados los vientos. La banda cuenta con una trompeta, un saxo tenor y 2 trombones, o sea, 4 instrumentos diferentes. Sin embargo, las participaciones de los vientos son siempre homófonas, o sea, los instrumentos siempre tocan con el mismo ritmo. Puede que no hagan las mismas notas. Puede que esten a diferentes intervalos y moverse en paralelo, o incluso en momentos en movimiento contrario (siempre hablando en términos melódicos), pero el resultado es una única voz que va variando su timbre en el tiempo. Y ahora es dónde entra la subjetividad, porque voy a hablar de gustos personales. Esto que hacen es algo típico del Funk. Los vientos en una enorme mayoría de casos funcionan de esta manera.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvRPMAJv789lvX07m0BhJ6PdC4VOsDwXLLIT_Js1GxFKnlFW7HpK4IvMhRJZIt8rCZK28_ZEuBG3lQMyCY3AZ3OBd7eo75GIf3Sc2r-omBPDuMPOXrsyJCqFBQyC3MFaM_bca8VdJ4jNIx/s1600/429713.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvRPMAJv789lvX07m0BhJ6PdC4VOsDwXLLIT_Js1GxFKnlFW7HpK4IvMhRJZIt8rCZK28_ZEuBG3lQMyCY3AZ3OBd7eo75GIf3Sc2r-omBPDuMPOXrsyJCqFBQyC3MFaM_bca8VdJ4jNIx/s1600/429713.jpg" height="206" width="320" /></a></span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Sin embargo, en mi opinión, habría sido interesante que también se utilizaran de una forma más contrapuntística. Teniendo 4 vientos diferentes, se podría lograr un manejo de 4 voces individualmente, o incluso 2 y 2 o como sea, y lograr así cosas que podrían enriquecer aún más la música. No hablo de un contrapunto al estilo barroco ni nada por el estilo. No hablo de un uso complejo, sino del uso en sí. Repito, es algo personal. Denominralo como "limitación" sería erróneo porque se pondría dentro de un juicio de valor...y en el arte no hay ni "mejor" ni "peor", siempre que el resultado sea el buscado. Creo que dentro del género, los que mejor han logrado un uso de los vientos son Kool and the Gang. Tenían una sección de vientos que aprovechaba ambos conceptos, y creo que el mejor ejemplo es su tema "This is you, this is me".</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo que más hay que destacar son los bajos. Como dije, toda la banda funciona como una pieza única. Es más, esto es característico del Funk, porque el Funk, al igual que toda la música afrodescendiente, tiene un gran caracter "ritualista". Pero dentro de este género, el bajo tiene un rol muy importante y creo que es necesario que este esté bien desarrollado para que el conjunto suene como debe sonar. Y en este caso es así. Por un lado, las líneas melódicas y los fraseos no solo son propios de bajo (algo que charlaba con un amigo hace unas semanas es que en el bajo existen las buenas líneas y las buenas líneas de bajo), sino que son propios del estilo. El bajo suena como un bajo de Funk. Creo que esto es lo primero que hay que destacar, porque el Funk es algo que ya está muy desarrollado y sería muy "caradura" denominarse un músico del género y no saber ni la mitad de lo que se puede hacer.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Por otro lado, destaco que las líneas son muy interesantes. Siempre tienen algún giro que sorprende y llevan al lado que se esperaba, pero girando el volante un poco, además de que están muy bien trabajadas y no son para nada simples que digamos. Pero lo que es más valorable es que no cae en el ya desgastado y cansador uso del slap. Por alguna razón, desde la aparición de Marcus Miller y Flea de Red Hot Chili Peppers, una enorme cantidad de bajistas que quieren hacer Funk creen que para hacerlo bien, hay que usar slap. Eso no solo es limitado, sino que termina desgastando. Y volviendo al principio, como en Uruguay no hay tradición de Funk y creo que nadie se ha tomado el trabajo de escucharlo y analizarlo de verdad (o al menos no lo a demostrado), todos hacen slap. Acá hay slap, pero cuándo se quiere. El slap es una decisión y no una condición. Son bajos que cuentan con una gran gama de posibilidades y que en cada uno de los temas tienen su propia personalidad. En Croupier Funk, no hay una persona que toca el bajo, sino una bajista.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco cuenta con 11 temas. El Funk es el género que domina el álbum, pero nos encontramos con diferentes enfoques. Como dije, en la base predominan las influencias de Parliament/Funkadelic, pero estas nunca son las únicas.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay temas que son Funk puro, del más clásico, en un formato de canción típico, como “Recipe”, “Fornicazzione” y varias otros. De esos temas, lo que se puede decir es que están muy bien construídos. Son temas de Funk en serio, no una especie de alusión.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo interesante es cuándo se nota aún más claramente que "saben lo que están haciendo". El Funk tiene su parte ritual. Si nos ponemos a escuchar discos de los grandes artistas del género, nos vamos a encontrar con muchísimos temas que no tienen secciones, sino que es una sola sección que se repite en un sinfin, "el ritual": un riff, una base, un ensamblaje que tiene una duración corta y esta se repite varias veces y en el correr del tema van apareciendo variaciones. Es música afrodescendiente y esto es básico. Sin ir más lejos, es lo que sucede en una cuerda de tambores. Y todo esto está en Croupier Funk. Nos encontramos con temas que están construidos a partir de una célula pequeña, la cual se repite una y otra vez y a medida que pasa el tema, vamos escuchando variaciones.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Ejemplos son "Al sol" y "Sarahbumba", sobre todo el 2do. No es que nos encontramos con algo estático. Hay diferentes momentos, sí. Pero la base sobre la que está construido el tema es el mismo. Puedo poner como ejemplo el tema "One nation under a groove" de Funkadelic, dónde sucede lo mismo. Esto creo que demuestra aún más que la banda de verdad se adentra en el género. No solo prestan atención en aspectos melódicos y arreglos, sino que tienen en cuenta la construcción de la canción, sin caer en la típica "verso-estribillo-etc", porque como dije, esta forma de una "sola parte" es también parte del género. Tal vez no conscientemente; tal vez de escuchar mucho, de intuición. Pero sea cuál sea la razón, está presente y no por casualidad.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo interesante es que varios temas cuentan con secciones que son un mundo diferente a lo que es el tema en realidad. A veces, incluso, se encuentran bastante inconexos, como si fuera una fotografía. El mejor ejemplo es el principio de "Dentro del club", el cual tiene un ambiente de Smooth Jazz que parecería llevarnos a los territorios de músicos como Grover Washington Jr. o George Benson, pero rapidamente entramos en un ambiente puramente Funk. Por un lado, uno podría decir que es una lástima que no llevaran el tema por esos lugares, ya que tal vez abriría aún más el abanico de la banda (ese fue mi primer pensamiento), pero también se puede tomar como algo interesante en el armado del tema. Una pequeña mirada a algo que no va a suceder, o más bien, que es eso y más nada; es esa pequeña sección, que empieza y termina en sí misma. </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Podemos encontrarnos con temas, como "Opiti", que siguen dentro del Funk pero llegan en momentos a algo más cercano al Disco-Funk. Esto se encuentra presente en todo el tema, pero es evidenciado aún más cuando la letra dice "siempre falta gente en la casa", gracias a la batería y los teclados, con un timbre que recuerda mucho al de Herbie Hancock en su etapa Funk, más que nada en el disco "Man-Child" (como dije en un principio: los 2 instrumentos que tienen el rol menos protagónico pero que delimitan el territorio en el que va a estar tocando la banda en cada canción). </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">También nos encontramos con una balada, "Enredados". De todos los temas, este, junto a otro del cual hablaré a continuación, es el más apartado estilísticamente. Aquí dejan de lado el Funk, o al menos en gran parte, para adentrarse en un ambiente más Soul al estilo de Janis Joplin, o sea, el Soul más "blanco". </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aún así, tengo que resaltar 2 temas.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para empezar, "Mr. Funk", el tema final del disco. Este es algo así como el resumen de la banda, con un tempo rápido y movido. Pero lo que más atrapa es como está armado. Con una duración de unos 7 minutos, el tema contiene 3 secciones: una movida con un sonido puramente Funk, la cual contiene 2 pasajes, una segunda más lenta y con volúmen más bajo, y finalmente el final "explosivo", dónde nos encontramos con lo más rockero de la banda y dónde finalmente la guitarra toma el liderazgo con un solo chirriante. Pero creo que lo más interesante de todo este tema es el final: el pasaje totalmente inesperado de esta sección Funk-Rock con el pico de adrenalina a una sección de casi 30 segundos de ruido blanco filtrado. Y lo magnífico es que el pasaje es totalmente abrupto. No hay ningún puente que conecte una sección con otra. Además, lo último que podría uno esperarse en este disco es un final así. Tiene algo cinematográfico, como si todo hubiese sido una ilusión, toda esa felicidad fuera irreal y entraramos en la nada.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El tema que se lleva todos los puntos en este disco es sin duda "Sonincandambe". Ya desde un principio es difícil definirlo musicalmente. No me refiero a que es algo de otro planeta, como si fuera algo totalmente genuino, pero juegan varias cosas al mismo tiempo. Sin duda el Funk está totalmente atenuado. Poco hay de ello, tal vez solo en el bajo. Es más, de ser apartado de este contexto, creo que dificilmente nombraríamos al Funk en algún momento. Hay más Rock que Funk. Pero dentro de esto nos encontramos con algo que es mucho más prominenente y es música afrodescendiente. </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado, la lengua en la que se canta es nativa de Mauritania. Además, la forma en la que se canta escapa bastante de las tradiciones occidentales. Hoy en día, y más en este contexto, es difícil que algo sea purista, pero en este caso, podríamos decir que la forma de cantar está un poco más despojada. Además, por parte de las voces, hay un muy lindo juego de pregunta-respuesta entre la voz masculina, que en este caso sería la líder, y las voces femeninas, las cuales tienen un arreglo muy simple, pero con ciertos decorados, como lo son los glissandos ascendentes al final de las frases. </span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEindCXhRRuIrtoO6Qrq3PmRCpMsPCOMFKMu806F07F6qljku6AbR1g70qXQ6KKfTe3hJkX3tNk0-OuTKLu_dlH0fjXRZSLjJHjxLkWJ2UWxM9HXWbM7GfLJQvXxrJPIsUr5z2XyNPJpCGTb/s1600/6411755783_7fefe98841_b.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEindCXhRRuIrtoO6Qrq3PmRCpMsPCOMFKMu806F07F6qljku6AbR1g70qXQ6KKfTe3hJkX3tNk0-OuTKLu_dlH0fjXRZSLjJHjxLkWJ2UWxM9HXWbM7GfLJQvXxrJPIsUr5z2XyNPJpCGTb/s1600/6411755783_7fefe98841_b.jpg" height="213" width="320" /></span></a></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, el tema, rítmicamente, contiene muchísimo de Candombe. Bueno, ya desde un principio nos encontramos con tambores. Creo que lo más valorable es que el candombe aquí está presente, pero no es evidente, no en la superficie. En Uruguay siempre que se quiere reinvindicar la procedencia de uno, tiene que usarse Candombe (algo con lo cual estoy totalmente en desacuerdo. No es la única manera). Y la enorme mayoría de las veces, el Candombe está ahí, en la superfice, evidenciándose de una manera que lo único que faltaría es una pancarta en el medio de una calle transitada. A su vez, si se quiere ser aún más evidente (y más burdo y poco original), no se precisa más que usar frases como "palo y tamboril". Esto a veces lleva a que el uso de esta fuente sea tan superficial y poco trabajada que no solo no aporta absolutamente nada, sino que demuestra que esa reivindicación carece de contenido. Y aún peor: nunca se transforma en música uruguaya. Pueden utilizar cuántos tambores quieran, cuántas frases uruguayescas se les antoje, son temas de Rock, Folk, Jazz, lo que sea, con un arreglo de Candombe, o sea, totalmente análogo a lo que hace Sting o algún otro de esos artistas que les gusta demostrarle al mundo que "son uno con el planeta". </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí el Candombe está presente y es eje en la parte rítmica, pero no está evidenciado, no está "en la cara". Lo toman como un elemento más de construcción, lo disuelven entre todo el resto de los arreglos presentes. Y esto lo hace musicalmente más original, porque da a lugar (o más bien ayuda a prestar atencion) a otros resultados. Demuestran ser uruguayos, pero no tienen la necesidad de anunciarlo.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
Este primer trabajo discográfico es en fin un resumen de lo que tiene la banda para ofrecer de autoría propia.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin duda la banda evidencia fuertemente sus influencias, más allá de decir “tocamos Funk”. Pero lo bueno es que demuestran poder mezclar todas estas influencias para lograr un super combo. Además, como ya he dicho, es claro que son músicos que se han adentrado en el estilo. Se nota por cómo tocan sus instrumentos, por cómo ensamblan las canciones, por cómo están construidas, etc. Podrá gustar o no, pero es innegable que saben lo que están haciendo y no que tomaron un par de materiales trillados y listo. Hoy en día, en mi opinión, si uno quiere hacer un estilo que ya está muy establecido, o lo estudias a fondo o ni intentes, porque ya hay mucho de ello para escuchar.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo más importante es que logran escapar del Funk más evidente en varios momentos, no solo musicalmente, sino a nivel constructivo. “Sonicandambe” es un claro ejemplo de ello, al igual que “Mr.Funk”, los 2 temas que más valoro del disco. </span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es un primer disco, pero ya con mucha calidad instrumental y compositiva, que también nos deja una huella de lo que puede ser más propio de la banda, algo que ojalá sigan desarrollando.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
Todos sabemos que el Funk es música, que es arte, y no simplemente un medio para la fiesta y el baile. Sí, ambas cosas forman parte de este lenguaje, pero no se reducen a eso. Forman parte no como una idea de entretenimiento, sino más bien de unión. Como dije al prinicipio, ese es un gran problema en Uruguay y bueno, varios lugares más dónde este género es poco desarrollado. Creo que el disco de Croupier Funk lucha contra eso. Hay fiesta, hay baile, pero lo que más hay es música, trabajo artístico. Aquí, por más que a uno le provoque moverse, es más fuerte la necesidad de escuchar.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
Hace unas semanas hablaba con un compañero sobre ciertas bandas nacionales actuales de ciertos géneros y concluíamos (a raíz de la falta de trabajo y estereotipación) con “para escuchar esta banda, escucho otras”. Creo que no se aplica al caso.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
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<br />
<br />
<br />
Como siempre la sección de links.</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
Empecemos con el Facebook y con la tradición de Hobo Blues de "si se lee, se pone me gusta": </span><br />
<span style="color: red; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">https://www.facebook.com/bandacroupierfunk1?fref=ts</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
La banda no ha subido el disco a internet, pero dejo algunos links para escuchar algo de lo que contiene. Pero lo recomendable es escuchar el disco entero, y para eso hay que adquirirlo. Apoyemos a las bandas. No sale caro. Y como dijo un gran músico amigo el día de ayer "no puede ser que el arte de uno valga menos que 2 cervezas":</span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
Presentación del disco: <span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=bXAC1zblB3c</span></span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Recipe": <span style="color: red;">https://soundcloud.com/croupierfunk/recipe</span></span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"La magnífica historia de los hermano Brlbrlba" (en vivo): <span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=LIovA7Cg_Po</span></span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />
<br />
HASTA LA PRÓXIMA!!!</span><br />
<br />Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-28724404685632875902014-08-06T19:16:00.003-07:002014-10-11T12:15:57.387-07:00Reyes Estallar - "La Muerte en una Buena"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV1kDclABepvUEyoMHDypxSLPe8yAtADTQglCykGjOLtn5cp67a1hGr9p6-E1Ia-ocba_QvToZmcubGGPDY76klYJ0Y5bP-pEHsSutZDfaFv6A-ddVDWeYZt4aaIxc8MxMEo-zM8xJQ8Qe/s1600/a4126949710_10.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV1kDclABepvUEyoMHDypxSLPe8yAtADTQglCykGjOLtn5cp67a1hGr9p6-E1Ia-ocba_QvToZmcubGGPDY76klYJ0Y5bP-pEHsSutZDfaFv6A-ddVDWeYZt4aaIxc8MxMEo-zM8xJQ8Qe/s1600/a4126949710_10.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es cómico que el debut de una banda se titule “La Muerte en
una Buena”. Pero acá lo único que podemos encontrar es “nacimiento”. No
estético-musical, pero sí de actitud. O más bien un retorno o reivindicación de
las raíces: el Rock and Roll en su pureza traída al siglo XXI.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Reyes Estallar tiene su toque “romántico” por 2 aspectos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para empezar, su formación, que consta de 2 guitarras, 2
voces y batería. No hay bajo. Aunque muchos lo verían como una carencia, es ese
supuesto “vacío” lo que le da un toque ameno, más íntimo, algo que podrías
escuchar en el garage de la casa vecina. Además, esta falta sin duda es adrede,
pues fácilmente uno de los integrantes podría haber tocado el bajo. La
exclusión consciente del instrumento, demuestra que la banda, por más que se
trata de Rock and Roll puro, tiene claro el sonido que quiere traer a su música
y que no se maneja con simples convencionalismos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo más “romántico” se da por quienes tocan los
instrumentos: Nicolás Barcia (guitarra eléctrica y voz), Matías Cantante
(guitarra acústica y voz) y Carlos Priario (batería y percusión). Por un lado,
se podría tratar de esas formaciones denominadas “super banda” ya que nos
encontramos con Nicolás Barcia, uno de los veteranos de la escena under del
Rock uruguayo quien fue líder de una de las bandas más importantes e
interesantes del país, Chicos Eléctricos, y que ahora, además de esta, integra
otra banda muy interesante del momento llamada Hotel Paradise, Matías Cantante, líder de bandas de la escena under actual como Los
Extraterrestres (de quienes escribí anteriormente) y Los Nuevos Creyentes, y
Carlos Priario, integrante de Hablan por la Espalda, una de las bandas
uruguayas (ya no muy under que digamos) más interesantes de este momento y que
por suerte vienen escalando hacia el reconocimiento totalmente merecido. Y es esta
integración, uno de los padres del rock under del Uruguay y unos de los “hijos”
de esto, que le da ese toque “romántico”, al menos para los que conocemos sobre
la historia de la escena y que somos fanáticos de no solo la música, sino de la
colectividad que se da. Para hacer una analogía, es como aquella unión entre
Neil Young y Pearl Jam para el disco “Mirror Ball” y su consecuente tour. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este disco debut titulado “La Muerte en una Buena” y lanzado
por Bandcamp el 29 de Julio de este 2014, nos trae un Rock and Roll de raíces
atemporal, porque suena actual, pero es algo que cuajaría perfectamente en los ’70.
La influencia más clara, o al menos más prominente, es The Rolling Stones,
aunque el momentáneo desvío de esa línea puede llevarnos a los aires de sus
hermanos estadounidenses, Flamin’ Groovies. Pero dentro de esta clara
superficie se encuentran mezclados otros ingredientes, como el Outlaw Country
de artistas como Johnny Cash y Willie Nelson y hasta el la faceta más rockera
de Bob Dylan. Y lo que sin duda está presente en algo más por la actitud es el
Punk, lo cual no sorprende ya que tanto Barcia como Cantante y Priario siempre
han tenido ese género musical presente en sus creaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una de las cosas que destaca este disco son las guitarras de
Barcia. Es de esos guitarristas que tienen la capacidad de hacer riffs no muy
complicados pero con el toque necesario para que tengan su atractivo, uno que
hace que los temas puedan diferenciarse por más parecidos que puedan llegar a
ser en ciertos casos. Por un lado, podría decir que a medida que correr el
tiempo, sus guitarras se vuelven cada vez más trabajadas. Claro, siempre atrae ese
atractivo desgarrador que tuvo Chicos Eléctricos, pero siendo objetivo, sus
guitarras en este trabajo, y más aún en Hotel Paradise, demuestran su
evolución. Pero más allá de eso (porque a fin de cuentas siempre se trata de
algo subjetivo), hay algo que es indiscutible y es que ha logrado una
versatilidad enorme dentro del campo del Rock más crudo, ya que las guitarras
en Chicos Eléctricos son muy diferentes a las de Reyes Estallar y Hotel
Paradise. Es más, hasta los de estas dos últimas son diferentes y ambas son
contemporáneas. Además, en este disco mismo podemos encontrar una variedad de
riffs, cada uno con su propia “personalidad”, más allá de que jueguen más o
menos en el mismo terreno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque tanto Cantante como Barcia cantan, el primero es el
que se lleva el premio en este disco. Mientras que en la mayor parte del
trabajo de Extraterrestres y Los Nuevos Creyente se encuentra cruda y
quebradiza al mejor estilo punk, aquí su voz es mucho más dulce y pura, a veces
hasta adolescente (excepto en “Pejerrey”). Ciertos glissandos que llevan de una
nota a la otra le dan un toque mareadiso que, aunque el tempo está siempre bien
marcado por los otros instrumentos, genera una duda si el siguiente acorde
caerá donde “debe” caer. A su vez, ciertas vocales son cantadas con una voz más
nasal. Todo esto le da un carácter más inocente a las canciones en la que es
protagonista su voz. Y esto, mezclado con la música enérgica, se transforma en
un combo que puede gustarle a cualquiera de verdad (lo cual no es fácil de
lograr).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Priario no queda atrás. En ningún momento se aleja de los
ritmos más típicos de este género, ni siquiera vamos a encontrar algún
instrumento de percusión un poco diferente. Su set de batería es básica. Pero
el interés en sus participaciones no decae debido a cómo toca estos ritmos,
estos instrumentos. Y el “cómo” es fuerte y potente. No pierde en ningún
momento el swing necesario para que esto sea Rock and Roll, pero esa sobrecarga
de energía hace que esta música esté
entre el baile y el desaforo. Obviamente
que esto se da sobre todo en los temas más potentes, ya que en los temas más
tranquilos es capaz de contenerse. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque son solo 9 canciones, hay 3 que destacaría.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La balada desolada de base acústica, “Su calavera”, es una de ellas. Por un lado,
la voz de Cantante llega a su punto máximo en el disco (y a mi considerar, en
todo lo que he escuchado de él), con melodías que, gracias a las notas largas,
glissandos de nota a nota, el timbre de la voz pura y su forma de cantar un
poco despreocupada, atrapan rápidamente. Ayudan mucho los cambios de dinámica
de parte Priario entre los versos y el estribillo para que el tema tenga sus
contrastes a pesar de la repetitiva armonía. Si tuviera que decir dónde se
encuentra la mejor participación de Barcia en la guitarra, sin duda diría que
es aquí. El riff principal tiene muchas variaciones a pesar de su corta
duración y es interesante como cada acorde en el correr del tema tiene su
propia forma de ser tocado. Sin duda la jema del disco.<o:p></o:p></span></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Hooker Mike” es otra. No es la gran cosa. Es un tema de
Rock and Roll como varios más, con un riff típico del género, al igual que la
letra, ritmo, arreglos, etc. En fin, no nos vamos a encontrar con nada que no
hayamos escuchado antes. Sin embargo, cada uno de estos detalles está hecho a
la perfección. Aquí supieron tomar cada “herramienta” utilizada un millar de
veces en el Rock and Roll, explotarlas al máximo y así dar algo que no es nuevo
pero sí logrado a la perfección. La guitarra tiene el sonido sucio necesario,
la voz la crudeza para darle ese toque rebelde (incluso las notas desentonadas
adrede ayudan mucho), la batería tiene su energía y swing en el tope. En fin,
todo está en el nivel más alto que podría estar una canción de Rock and Roll
bailable y efervescente o una canción de Rock and Roll para destrozar una casa
entera. Estas 2 cosas combinadas en su punto máximo dan lo que a mi
consideración es un excelente tema de Rock and Roll.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La 3era a destacar es “Divinorum”, por su melodía en un
registro medio grave y los demás acompañamientos vocales y las participaciones
de la guitarra eléctrica de Barcia (que gracias a la distorsión, sus arreglos
en momentos se vuelven un poco difusos y le dan cierto atractivo). Gracias a
todo esto, sumado a la percusión bastante minimalista pero con un timbre
característico, se logra plasmar un paisaje bastante claro que remite a un
viaje en ruta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIkP5LhSAhoR_eFVF5sIv0GUZ1idg8uHwbh5XZdXgmIXZCNKyfwfarBsZevFe1uEA86J24w8CyM8IrFWSNW7DBkaJcS_-mZAeXrfW_AyJYQ3Uo_iMnJccj0HLOgf9WCH9gQpPTxnQBh5X2/s1600/10313723_879760812053752_80995201748332665_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIkP5LhSAhoR_eFVF5sIv0GUZ1idg8uHwbh5XZdXgmIXZCNKyfwfarBsZevFe1uEA86J24w8CyM8IrFWSNW7DBkaJcS_-mZAeXrfW_AyJYQ3Uo_iMnJccj0HLOgf9WCH9gQpPTxnQBh5X2/s1600/10313723_879760812053752_80995201748332665_n.jpg" height="266" width="400" /></a><o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> </span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo que varios podrían decir es que es una música
totalmente anglosajona y que no nos representa como latinoamericanos, etc, y en
eso quisiera detenerme. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Yo soy de creer que es no solo interesante, pero necesario
crear un lenguaje musical que se nuestro. Sin embargo, hay que tener ciertas
cosas en claro. Empezando por algo general, la forma de concebir música en prácticamente
TODAS las prácticas musicales latinoamericanas parte de planteamientos
europeos. El pensar que “hay una armonía” y que esta “se mueve de tal manera” y
que el discurso musical se da de una forma y que “cierta cosas están mal y otras
bien”, no solo en las músicas populares más consumidas, sino también en los
ámbitos más experimentales, es de proveniencia europea. Eso incluye hasta los
mayores reivindicadores del latinoamericanismo. Porque lamento decirlo, pero
hasta las figuras que más han representado ese latinoamericanismo, como Violeta
Parra, Mercedes Sosa, etc., están extremadamente influenciados por ese longevo
colonialismo, pues afinan como “hay que afinar” según los europeos, entonan
como ellos dicen, usan acordes y movimientos armónicos que en la mayoría de los
casos respetan hasta las reglas más fundamentales de la música tonal y podría
seguir con un enorme listado de aspectos que los hacen “europeizados”. Si de
verdad alguien quiere ser “latinoamericano”, o más bien alguien despojado en lo
más posible de las prácticas europeas (porque digamos que ser puramente
latinoamericano es imposible porque no queda nada puramente pre-colonial), va a
tener que ir en contra de TODO lo que conoce, incluso de la manera de pensar y
concebir música. El día que alguien lo haga, seré el primero en aplaudirlo
porque soy de los que no solo cree que hay que experimentar cosas nuevas, sino
que intento incentivarlas e incluirlas. Mientras tanto, pueden haber análisis y
planteamiento filosóficos, pero como digo a veces, “bajen el puño un poco que
se van a acalambrar”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero hay algo más importante aquí y es que se trata de Rock.
Este, por más que nació en EEUU, no es un lenguaje musical folclórico. A nadie,
ni siquiera los estadounidenses, se le ocurriría decir que el Rock es algo
propio de EEUU y que el resto del mundo está haciendo música estadounidense. Sí
puede tener influencias del folclore de ellos, como cuando se usa Blues con bastante
pureza u otros géneros. Pero decir que el Rock es algo estadounidense…no, de
ninguna manera. Y no lo digo de forma burda, como si dijera “EL ROCK ES DE
TODOS!!!”. Lo digo porque apenas nació, ya era parte de todos, porque rápidamente
empezó a circular en el mundo, porque ya existía la industria musical y la
globalización. No dio el tiempo para que se lograra establecer como algo
totalmente propio de EEUU. Sí como algo que nació ahí, pero no como algo que es
puramente de ellos. Y es porque los que lo crearon no lo hicieron para eso. No
se trataba de una reivindicación cultural, sino de la juventud. El Rock SIEMPRE
ha sido la música de la juventud. Nació para eso, siempre ha sido para eso y lo
será por siempre. El Rock nació para que
los jóvenes se identificaran y punto. Es la música de la transgresión y del
cuestionamiento, en momentos hasta ingenuo, pero es eso. Entonces decir que
alguien hace música “yanqui”, “imperialista” o el término que se lo ocurra para
rebajar el trabajo de los músicos de Rock en Latinoamérica (porque he ahí otra
cuestión: no existe el Rock uruguayo, sino el Rock hecho por uruguayos….porque
agregarle una cuerda de tambores y mantener intacto prácticamente el resto y
decir que es “uruguayo” es lo mismo que decir que Sting hace Rock africano por
agregar un par de cantantes de Senegal y una percusión algún instrumento de
Mali ) es un grave error porque sería criticar desconociendo el verdadero
significado de esta música.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces, uniendo ambas cosas, diría que sí, está bien
plantearse esos cuestionamientos, buscar cual es la identidad de uno y entender
de dónde provienen las cosas. Pero a su vez hay que saber que es parte de lo que
somos todos y que tampoco se puede estar haciendo ese análisis/crítica a todo,
menos con ese posicionamiento tan autoritario, menos a algo que no nace de ahí.
No hay que ser un crítico arrogante y
totalitarista, pero tampoco un despreocupado e ingenuo, porque al fin y al
cabo, el erudito soberbio es tan iluso y sobre todo insoportable como el
rockero que dice “ESTO ES ROCK!!!”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dicho todo esto, ¿qué podría decirse finalmente de Reyes
Estallar? Yo diría que es una banda que hace Rock and Roll, del que todos
conocemos, del que a todos les gusta, pero hecho acá, en Uruguay, con la mejor
calidad que puede llegar a tener este género en su casi máxima pureza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Son 2 guitarras, 2 voces y una batería….y no precisan más.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí lo más importante, que es el link para poder escuchar y descargar el disco: <a href="http://reyesestallar.bandcamp.com/"><span style="color: red;">http://reyesestallar.bandcamp.com</span></a></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!</span></div>
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<br /></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<br /></div>
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Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-78290353076823201742014-07-29T08:13:00.000-07:002014-07-29T08:13:02.593-07:00King Buzzo - "This Machine Kills Artists"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8shQg1GNaVMqzzSH-Bzex6IlizRi5zqcZkuzcubQhNCG87xaEQRKGiFTEfm0mVi2Jf_lg4BUQRpKiyxJHIGw8bVMo-cfvzdPioNlLJJZMmtAGL_g2SC28WpA6Iu7KWdL1TbiGSjzH5Ymg/s1600/505px-KingBuzzo-TMKA_Ipecac.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8shQg1GNaVMqzzSH-Bzex6IlizRi5zqcZkuzcubQhNCG87xaEQRKGiFTEfm0mVi2Jf_lg4BUQRpKiyxJHIGw8bVMo-cfvzdPioNlLJJZMmtAGL_g2SC28WpA6Iu7KWdL1TbiGSjzH5Ymg/s1600/505px-KingBuzzo-TMKA_Ipecac.jpg" height="320" width="269" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego de un tiempo ausente, vuelvo a escribir en este blog. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Roger Osborne, mejor conocido como Buzz Osborne y
posteriormente mejor conocido como King Buzzo, es, a mi consideración, quien ha
logrado una nueva cara al formato cantautor solista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como muchos saben, Osborne ha sido líder de la famosa banda
Melvins por más de 3 décadas, banda reconocida como la fundadora del género
Sludge Metal, un subgénero del Doom Metal, caracterizado por tonos graves,
timbres super distorsionados, tempos más lentos, aunque a veces contrastantes,
y la incorporación de elementos del Hardcore Punk y Noise Rock. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el caso particular de Melvins, más allá de la
agresividad, más allá de sus oscuras letras, la música se trata del sonido, del
timbre. Aunque nos encontramos con una variedad de riffs, ritmos, melodías,
etc, la música se centra más en el sonido que desea plasmar. Algunos temas como
“June Bug" del disco “Stoner Witch”
contienen varias secciones. Pero por lo general, cada tema presenta una sola dimensión, llegando a puntos en los
que el disco en su enteridad es un todo totalmente homogéneo, como el caso del
clásico “Lysol”. Es que por lo general, los riffs de cada disco de la banda
rondan por los mismos lugares, transformando cada canción en una parte de un
todo y no una entidad solitaria. En el caso de “Lysol”, claramente hay una
continuidad en la que cada tema es una versión reducida del todo, como si al
escuchar el disco entero nos encontráramos con una versión expandida de las
partes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Buzz Osborne comenta, a propósito de su estética en la
guitarra eléctrica, que no le interesan los solos de guitarra, ni el virtuosismo,
sino el timbre. Sus riffs tienen su propia identidad, pero al escuchar los que
ha creado en el correr del tiempo, uno se da cuenta que su guitarra no tiene
varias caras, sino que es una y muy extensa. Jimmy Page es de esos guitarristas
que logra varias caras con su instrumento y es lo multifacético lo que
distingue su guitarra. En el caso de Osborne, se trata del constante trabajo
sobre ese sonido. No toma la actitud romántica de estar en constante búsqueda
de esa “gran obra”, ni de intentar dejar atónito a nadie con virtuosismo. Su
trabajo es más íntimo, el constante agregado a su creación, buscando como
seguir expandiendo los horizontes de su sonido guitarrístico que sin duda son
totalmente maleables, pues, después de 30 años, sigue incorporando nuevos
elementos. A mi parecer, creo que esta
es de las posturas más respetables y valiosas en la música, la constante
búsqueda de nuevos materiales sonoros y trabajar a fondo con los encontrados,
sin nunca zambullirse en la búsqueda por el reconocimiento; una búsqueda
artística por el arte mismo y no por otra cosa; el arte como fin y no como
medio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este primer disco como solista lanzado a principios de
este año 2014, titulado “This Machine Kills Artists” en honor a la célebre
frase “This machine kills fascists” que se encontraba endosada en la guitarra
de Woody Guthrie, Buzz Osborne nos trae una nueva búsqueda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aún nos encontramos con los riffs clásicos de él, sin duda
con mucho más desarrollo o más bien claridad, movimiento y longitud. Esto sin
duda se debe a la incapacidad de la guitarra acústica de producir esas masas
sonoras que se pueden lograr con la eléctrica y una buena sobrecarga de
distorsión. Sin embargo, debido a la afinación más grave de la guitarra y la
agresividad, la pesadez no se pierde. Entonces, aunque el resultado no es el
mismo definitivamente, la idea desde donde se parte es la misma. Hay una clara
búsqueda tímbrica, y aquí es la guitarra acústica de cuerdas de acero. Claro,
no es el 1ero ni el último que tomará una guitarra de estas y cantará sus
canciones en forma solista. Pero la cosa es que él se lo plantea de esta forma
sin lugar a dudas. El hecho de elegir una afinación más grave, tocar de manera
fuerte y punzante, y así evidenciar no
solo esta afinación, sino el que las cuerdas estén menos tensionadas y así
producir sonidos que otros considerarían indeseados, demuestra que hay algo
premeditado, que el resultado sonoro, el resultado tímbrico, es el buscado, y
que al final de cuentas, el disco se trata de eso: del sonido de la guitarra
acústica jugando en el terreno del Doom Metal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Obviamente que por el clásico uso de la escala pentatónica
en este género, y en este caso combinado al sonido de la guitarra acústica, es
inevitable que en ciertos momentos la música nos remita al blues-folk crudo
denominado Americana. Sin embargo, esto es en momentos y siempre queda en claro
que la música juega en el terreno de rock pesado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, el concepto que Osborne aplica en sus trabajos de
Melvins, lo anteriormente nombrado, el tomar el disco como una sola unidad, es
aplicado aquí. Hay varios temas, hay varios riffs (tal vez más variados que los
que se puede encontrar en un disco de su banda), pero todos rondan por el mismo
paisaje, incluso tonalidades. Esto hace que el disco, por más que tenga varias
partes, es una pieza homogénea. No se trata de escuchar buenos temas, sino un
buen disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4c5-ySZ-WAl3_QdPezSLIzdT9ikfnN2s8ECL0ULKVk34taGPClzn4zJYAcYCDAWvkInOUVSW-wsZcdyjJzXfC9QDfycww3OZITmqEL8Pz5qo5ZspDFDIDYOnDapG6sx0NGhsNNpVyUqtg/s1600/Buzzo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4c5-ySZ-WAl3_QdPezSLIzdT9ikfnN2s8ECL0ULKVk34taGPClzn4zJYAcYCDAWvkInOUVSW-wsZcdyjJzXfC9QDfycww3OZITmqEL8Pz5qo5ZspDFDIDYOnDapG6sx0NGhsNNpVyUqtg/s1600/Buzzo.jpg" height="320" width="250" /></a><o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> </span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Gracias a estas cosas, nos encontramos con un disco
sumamente original. Sin duda hay un concepto tímbrico detrás de todo esto.
Conociendo el vasto y variado repertorio de su banda Melvins, la elección de un
disco con un sonido homogéneo, un disco que se encuentra siempre en el mismo
territorio, no es por limitaciones, sino por elección. Esto es lo más
importante en la música: que el fin obtenido sea el buscado. Luego de eso, no
existe ni el bien ni el mal, no hay mejor ni peor música. Lo importante es que
el resultado es el deseado y no se trate de mera casualidad o limitaciones. Y
creo que el resultado es obvio: un disco, una sola pieza, de música pesada
tocada en formato solista acústico. O sea, nos encontramos con un cantautor
acústico y pesado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y es esto último lo que hace que este disco sea algo
bastante único dentro del casi eterno catálogo de cantautores acústicos en la
historia. Por alguna razón, una gran parte de los artistas de esta índole
llevan su música a un lugar más tranquilo y pasivo. En muchos casos nos podemos
encontrar con algo un poco más sucio y rebelde. Pero prácticamente nadie
(aunque en mi caso, nunca he escuchado a nadie) ha tomado este rol de una forma
pesada; hacer Metal con tan solo una voz y una guitarra acústica, muchísimo
menos hacer Doom Metal de esta forma. Lo que tenemos acá es un disco de metal
acústico. Así de simple. Si hubiera que ser más específico, de Sludge Metal
acústico, pero bueno, se entiende.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es inevitable que el Rock y la música popular que ronda en
sus cercanías de alguna forma ahora tenga una evolución más lenta, pues, al
haber aparecido a mediados de los ’50, contaba con siglos de aportes de otros
lenguajes musicales y por ende, tenía todo un ropero de herramientas para lograr
cambios en muy poco tiempo. El Rock evolucionó rápidamente por la incorporación
de elementos de otros lenguajes, combinándolo con el avance de la tecnología.
Hoy en día, cuenta con la tecnología más que nada y por eso ese supuesto
“detenimiento”. Sin embargo, uno ve la música hace 15 años y se pueden notar
cambios. Claro, no son tan pronunciados como los que hubo del ’65 al ’75 o del
’75 al ’85, pero siempre sucede así en la música: evoluciones inversamente
proporcionales. Bueno, es que en realidad, en la historia de la música, las
evoluciones han sido más prolongadas. El alto avance es algo propio del siglo
XX, pero no de la música en sí. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces, a todo esto, este disco representa esos lentos
avances, pero aún así avances. Es un género musical ya conocido pero presentado
en otros medios y así, se logra una combinación diferente. Novedosa, no al
punto de un nueva revelación o género, pero sí novedosa. Es un granito más que
nos aleja del pasado y nos acerca al futuro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Queda en claro que este disco será de los mejores de este
año, al menos así lo será para este blog.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
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<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí comparto con ustedes el disco entero para que lo puedan disfrutar:</span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=esA6bbd7xts"><span style="color: red; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">https://www.youtube.com/watch?v=esA6bbd7xts</span></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Además, un pequeño concierto que dio en KEXP, porque King Buzzo es de esos artistas que es mejor verlos en vivo que escucharlos en un disco:</span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=vowA-8WvU2w"><span style="color: red; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">https://www.youtube.com/watch?v=vowA-8WvU2w</span></a></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!</span></div>
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<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-8758768689243627452014-03-18T12:48:00.002-07:002014-10-11T12:15:47.682-07:00Tráfico - "Tráfico"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt3igxD1bxYHZLa3WUzjXXl0uZf5gmOfwB3sxMnm0sqdHymECMHcTVIcrfiOS8-m2vUaFCkHs7z4jqXjDN7IMaz0VliQKs8zZXcv0btuXfpB4Jxtaf6ZpWjqzSDWOoMGUTLb4MEUQnrMIr/s1600/535673_10152080798158976_624830182_n.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt3igxD1bxYHZLa3WUzjXXl0uZf5gmOfwB3sxMnm0sqdHymECMHcTVIcrfiOS8-m2vUaFCkHs7z4jqXjDN7IMaz0VliQKs8zZXcv0btuXfpB4Jxtaf6ZpWjqzSDWOoMGUTLb4MEUQnrMIr/s1600/535673_10152080798158976_624830182_n.jpg" height="290" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Nuevamente ausente por varias semanas debido a
complicaciones, vuelvo para presentar la primera reseña de una banda uruguaya
de este año.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo que presento hoy es Tráfico, una banda muy reciente
conformada por Gustavo Antuña (guitarra eléctrica, clásica), Bruno Boselli (guitarra
eléctrica, acordeón, sanxian), Nandy Cabrera (órgano, electrónica de varios
tipos, melódica), Ignacio Gutiérrez (piano, teclados), Diego Macadar (voz,
saxo), Gastón Otero (contrabajo, bajo eléctrico) y Martín Ariosa (batería).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Al leer estos nombres, podemos notar que se trata de un
estilo de “super banda” (tomando la clásica definición), ya que se trata de un
numeroso grupo constituido por integrantes de otras conocidas bandas uruguayas,
siendo estas Buenos Muchachos, Assimo, Platano Macho, Selectorchico, entre
otras. Aunque todas conocidas a mayor o
menor nivel, hay una que sin duda se despega y es Buenos Muchachos, ya que en
los últimos años se ha vuelto de las más populares de Uruguay (diría que por
suerte y al fin). Esto obviamente es un enorme beneficio para esta banda ya que
desde un principio cuentan con una atracción y difusión más grande de la que
tendría cualquier otra banda que recién empieza, y tratándose de una banda de
gran calidad (pues esta página no es de crítica, sino recomendaciones), es una
suerte para todos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Tráfico es rock, empecemos por ahí. Los
integrantes, como artistas de este género, van a traer una valija de sus
trabajos previos relacionados a este lenguaje musical. Por ende, hay mucho de
rock alternativo, indie rock y post-punk por sobre todo. Y gracias a esto,
contamos a priori con una energía que transmite intensidad, incluso en el tema
más tranquilo. No intensidad sonora, o sea, un volumen alto y sobrecarga de
electricidad y capas sonoras, sino más bien algo sentimental, que obviamente es
subjetivo pero es transmitido por la actitud y puesta artística de estos
músicos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, esto es solo una base, de donde parte la
música, tal vez a un nivel más bien inconsciente, de esencia de los músicos
mismos más que de la música misma. Y esto es porque Tráfico no es una banda de
post-punk ni la definición más pura de rock, ni siquiera de aquellas un poquito
más alejadas. La música de esta banda es un centenar de mezclas que logran un
sonido bastante particular pero familiar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ya a leer la integración de la banda nos aleja un poco:
saxofón (que aunque es un instrumento que ya ha sido muy utilizado en el rock,
su asociación tan fuerte con el jazz siempre le da un toque especial,
simplemente con estar presente más allá de lo que de verdad hace), acordeón,
electrónica (que va desde el uso de materiales sintéticos a grabaciones de
paisajes sonoros que en muchísimos momentos no tienen ninguna modificación más
que cierta ecualización). <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay una gran incorporación de jazz. No desde el punto de
vista melódico y armónico, sino más bien ambiental. Toman ciertos aspectos del
carácter del jazz para colorear de otra forma la música. No es el jazz que
parte del bebop, sino uno más bien del dixieland o tal vez el jazz más cercano
al blues, aquel asociado a la música de cabaret, dándole un toque oscuro y
citadino. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Si a la idea de jazz le incorporamos la experimentación que
adorna la música y a su vez el gran intento de evocar un ambiente citadino, sin
duda podríamos notar influencias de Miles Davis, aquel que empieza a nacer con
“On the Corner” con una mentalidad más cercana a la juventud y la ciudad que
logró su auge (en este aspecto) con “Doo-Bop”. A su vez, no podemos dejar de
lado la influencia que parecería ser la más evidente, Tom Waits. Este es bien
conocido por su blues-jazz de cabaret de discos como “Blue Valentine” o “Heart
of Saturday Night”, pero también por su increíble rock experimental de discos
como “Rain Dogs”. La música de Waits contiene gran parte de lo que es Tráfico,
tanto musicalmente como en la actitud y letras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Nick Cave y Lou Reed sin
duda están presentes en esto. Como dije, hay una base de rock que nace del
post-punk, un género en el cual Nick Cave es un gran referente y Reed una
enorme influencia. Ambos están relacionados con lo que es el rock experimental.
Pero Tráfico tiene una gran cara en la poesía, con letras que van de una
especie de relato a descripciones, siempre con un enfoque metafórico que hace
que lo relatado o descripto pase a una especie de simbolismo. Esto es algo que
siempre está presente en Cave y Reed, y bueno, Tom Waits también. Con esto
último no me refiero a que debido a estas influencias se haya adoptado esta
idea, sino que por el uso de la misma, es posible la asociación. Y creo que
tratándose de 3 enormes de la música, es algo meritorio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Otras influencias un poco menos notorias pero que aun así
están claramente presentes son el tango, del cual Astor Piazzolla es sin duda
la principal influencia, el trip-hop de bandas como Portishead y Massive
Attack, y finalmente la música electroacústica, sobre todo la concreta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero algo que no se menciona en ningún lado es The Doors.
Hay mucho de blues en la banda, que mezclado con el aire de jazz más el rock
desenfrenante que mencionaba, sin duda se
genera una enorme reminiscencia a esta gran banda de los ’60 y comienzos de los
‘70. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo importante es el saxo, en mi opinión. No es algo nuevo
en el rock y ha habido varios usos. Pero es siempre algo que sin duda lo
aproxima al jazz. The Stooges incorporaron el saxo en su 2do álbum “Fun House”
y es incuestionable la influencia del jazz. Sin embargo, en Tráfico el uso del
saxo recuerda más a su banda tocaya inglesa, Traffic, y Van Der Graaf
Generator, donde el saxo hacía melodías carecientes de virtuosismo donde no
importaba tanto el movimiento melódico, sino el terreno donde se movía. Aquí
parece suceder algo similar. Tal vez Macadar no es un gran saxofonista desde un
punto de vista técnico (o al menos no parece serlo con lo que presenta en esta
banda), pero tiene una clara idea de que debe tocar para no solo acoplarse a lo
que se intenta generar, sino para enriquecer y darle ese toque especial que
tiene la banda. Es que al escucharlos, uno pronto se da cuenta que no se tratan
de canciones, sino de paisajes sonoros que adoptan el formato de canción para
transcurrir en el tiempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, la voz de Macadar, en un registro medio-grave, con
un timbre un poco desgastado, le da ese toque callejero de una vida en penas,
un toque más sombrío y echado al abandono que acopla perfectamente con el
ambiente que genera la música.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En realidad, esta idea aparece en toda la banda, pues de eso
se trata. De todas formas, hay 2 casos en especial que me gustaría nombrar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Nandy Cabrera está constantemente jugando con su arsenal
electrónico. En momentos algo melódico, en otros acordes, en una gran mayoría
sonidos electroacústicos sintéticos con un rol de efectos acusmáticos, rol que
en muchos momentos es tomado por grabaciones de paisajes sonoros que en su
mayoría tienen poco trabajo más que filtrados o relleno de ruido (aunque, según
la visión de los especialistas en paisajes sonoros, la selección de la
grabación, tanto por una toma más pequeña del total de la misma así como la elección
del tiempo y momento donde se graba ya lo transforma en un trabajo musical y no
una documentación).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwbiwpb36N2ET3LaCll6q-u5Chct0NsL8pQizGVkMBgSqY1ITpJZ9KmMmmO7Mk9IFx2ttonFTumpXiNiv27QfVjpSo3Lv18G3L42hyphenhyphen6Nk0z1xFDGWv9KWfJ-6sHCYwAZ4OafGTZwvj27pY/s1600/1888914_10152624691328976_163376064_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwbiwpb36N2ET3LaCll6q-u5Chct0NsL8pQizGVkMBgSqY1ITpJZ9KmMmmO7Mk9IFx2ttonFTumpXiNiv27QfVjpSo3Lv18G3L42hyphenhyphen6Nk0z1xFDGWv9KWfJ-6sHCYwAZ4OafGTZwvj27pY/s1600/1888914_10152624691328976_163376064_o.jpg" height="213" width="320" /></a><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los aportes de Antuña en la guitarra también muestran este
enfoque. Tal vez es el que carga con un mayor peso, pues es una de las 3
figuras clave de Buenos Muchachos y por ende, desarraigarse de su trabajo
previo es muy difícil. A su vez, sigue siendo el mismo guitarrista, por lo cual
hay ciertas cosas que las usa en ambas bandas. Sin embargo, es interesante como
ha logrado que obtengan un significado totalmente diferente. Por ejemplo, en
Buenos Muchachos, su aporte monódico está vinculado a lo melódico o un solo de
guitarra. Aquí son riffs que debido a una repetición en forma de loop en muchos
casos, pierde su esencia y se transforma en un contorno musical fraccionado en
el tiempo. Lo más interesante es el uso de la masa sonora y el ruido. En Buenos
Muchachos, estas toman una forma de acumulación de lo que viene sucediendo
previamente; un solo de guitarra cuya resonancia perdura en el tiempo y se va mezclando
y sumando hasta llegara una enorme bola
sonora, o sea, una versión compacta de lo que había sucedido. Aquí es algo que
aparece como un ente aparte. No es una acumulación, no es producto de una suma
de acontecimientos. Es una masa sonora que existe por sí misma, nunca fue otra
cosa. Esto hace que sus apariciones sean repentinas y no como resultado de un
proceso. El ruido y la masa son análogos a una nota musical con un espectro
mucho mayor, y gracias a la propuesta musical, adopta el rol de efecto sonoro
como lo son varios de los aportes de Cabrera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esta banda formada en el 2009 lanzó su debut discográfico,
producido por Gabriel Casacuberta (integrante de Bajofondo) a finales del año
2013 bajo el título “Tráfico”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como se trata del debut de la banda, pasaré a hablar de las
canciones directamente ya que hablar de la banda en general es en gran parte
hablar del álbum en sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“...Y las lucecitas” es el tema que abre el álbum. Ya desde el
primer momento nos transportamos a un paisaje citadino del más oscuro y vulgar
llevado por un tiempo lento que recuerda a una balada de jazz. Lo interesante
es que el tema consta de 2 acordes menores que se repiten una y otra vez a lo
largo de la canción, siendo la evidencia del transcurso del tiempo la constante
variación y suma de instrumentos: líneas melódicas de las guitarras, los
diferentes detalles de los teclados e instrumentos electrónicos, y la evidente
suma de tensión que va llegando a su auge a través de un penetrante solo de
saxo que culmina con la banda tocando con una gran intensidad. Algo interesante
es el contrabajo, que pareciese ser el único instrumento que siempre se
mantiene en el mismo territorio, por lo cual, junto a la armonía minimalista, logra
ese estado cuasi-estático.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Chinatown” vendría a ser el hit del álbum. Con un sonido de
órgano Hammond, la canción recuerda mucho a The Doors en el disco “Waiting for
the Sun”. Tiene un aire muy lúdico y surrealista, creando un paisaje un poco
tenebroso pero cómico a la vez. Vale destacar que las participaciones solistas
de los instrumentos son siempre la misma melodía para todos, lo cual transforma
el clásico solo en una reaparición constante de lo que podría ser un segundo
motivo principal (siendo el primero el que aparece entre verso y verso de la
letra).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“La Maga” nos trae el primer tema rockero del disco. Aquí no
encontramos ningún rastro de esas influencias más jazzeras de la banda. Se
trata de un tema tranquilo con aire de balada de rock alternativo que gracias
al instrumental, como guitarras acústicas y piano y melodías bastante amigables,
puede acordar al indie rock de bandas como Belle & Sebastian.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En “Timba”, es el acordeón quien sin duda lleva el volante
musical. Esto ayuda mucho a crear el ambiente un poco veneciano con un ritmo
muy bailable. Sin embargo, aunque muy pintoresco suene esto, el tema es
bastante misterioso, como si fuera una canción para una película de detectives
a lo Dick Tracy.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Verano en Arachania” seguramente sea el mejor tema del
disco. Instrumentalmente es muy diverso, encontrándonos con un sonido percusivo
electrónico que trae el aire trip-hop de la banda, un sitar que evidencia las
influencias de Miles Davis en su primera época eléctrica, y guitarras acústicas
y teclados con pequeñas acotaciones. Algo interesante es la ruptura que se
encuentra por la mitad de la canción, con un carácter más agresivo, totalmente
opuesto a lo que venía sucediendo previamente. Creo que de todos los temas,
este es el que mejor expresa ese deseo paisajístico y ambiental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Tren a Rotterdam” no es nada del otro mundo. Es una canción
de rock un poco melancólica compuesta con una progresión de acordes bastante
típica. Es una muy buena canción que puede no llamar mucho la atención, pero sí
ser disfrutable. Lo interesante es que dentro de esto tan habitual, se
encuentran grabaciones de paisajes sonoros que pueden darle un aspecto bastante
peculiar, como sonidos de aviones. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“See all the blue” empieza como una triste, oscura y
misteriosa balada de blues, con apenas un teclado marcando los acordes, una voz
susurrando las letras y sonidos que parecerían ser de ruido filtrado creando
esta caricia a la muerte. Aunque este principio no es tan rico como el tema
anterior, sin duda es el paisaje más intenso del disco. Ya por la mitad de la
canción, el piano empieza a hacer una armonía más cambiante para introducirnos
de a poco a lo que luego será un jazz-blues al mejor estilo de Chicago, con la
banda completa acompañada por vientos de metal, estos últimos siendo los protagonistas
tímbricos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Hang out” es la más rockera del disco. Con una duración de
casi 2 minutos, empieza como un rock deforme y surrealista con mucha energía.
Pero esto, llegado al estribillo, se transforma en un rock and roll algo punk,
dándole un toque de humor con tal cambio repentino. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Selima” es el primer tema donde participa Pedro Dalton,
cantante de Buenos Muchachos. Y como es de esperarse, la poesía reina en la
canción, algo evidenciado en el inicio. El tema nos acerca al lado más
post-punk de la banda, algo que obviamente puede recordar a Buenos Muchachos. Es
un tema con muy intenso, con un ritmo de galope guiado por una guitarra
acústica mientras que Dalton anuncia la cabalgata con un potente canto en el
registro medio-agudo. Contiene una sección más pasiva en la mitad, pero pronto
vuelve a la sección del principio con mayor energía, donde la voz de Dalton
llega al grito y el saxo chilla de dolor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Miro al viento” es la segunda participación de Dalton. Por
su carácter melancólico y contemplativo y el hecho de que este se mantiene homogéneo
durante toda la canción, hace que esta canción sea de las que mejor enmarca un
paisaje determinado, aunque sin duda no llega al imaginario de las demás, seguramente
por tratarse de una balada bluesera y por ende algo que no es muy ajeno al
oído. Obviamente que debido a esto, la canción invita a transportamos a una
nocturna calle venida a menos. El instrumental reducido para lograrlo es
esencial, siendo este un piano, la voz y un saxo, añadiéndose algunos sonidos
electracústicos cercanos al final. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN7R6gX5UoopEHOookJq4BNmqA8rtYcNSrThH4Jn9aAekOUrtXgcaBxlOC4B0Ed1DuYXYgHwFGDonmpZW43sTkmBXh_9kY_F0HpesYExY6q9Jjt2H6OpgnMLBAqvXDGZePYbXohOgrQEZI/s1600/1898908_10152624695433976_1772472745_o.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhN7R6gX5UoopEHOookJq4BNmqA8rtYcNSrThH4Jn9aAekOUrtXgcaBxlOC4B0Ed1DuYXYgHwFGDonmpZW43sTkmBXh_9kY_F0HpesYExY6q9Jjt2H6OpgnMLBAqvXDGZePYbXohOgrQEZI/s1600/1898908_10152624695433976_1772472745_o.jpg" height="213" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El tema que cierra el disco, “Nadie vio”, es el más largo de
todos, cercano a los 8 minutos, y es algo que incita a crear algo más
elaborado. La canción se divide en 3 secciones. Empieza con un dúo de piano y
voz en un ambiente trasnochador penoso musicalizado con una balada de
blues-jazz que suplica la liberación del dolor. Esto es luego transformado en
un rock al estilo de The Doors (sobre todo por la línea secuencial minimalista del
bajo y los acordes jazzeros del piano) que se desenfrena con una guitarra y efectos
electrónicos ruidosos y chillantes, acercándolo a un noise rock muy original. Pero
repentinamente, todo esto se corta como si cambiaran de cinta y aparece un
piano haciendo un repetitivo y simple cambio de acorde que, gracias al trino y
la gentileza, nos da el inicio de una armoniosa y cristalina sección, a la cual
de a poco se van sumando los demás instrumentos para ir paulatinamente cargando
el tema hasta estallar en el final; la liberación espiritual de toda la
tristeza y soledad que nos había invadido previamente, un rayo de luz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Creo que queda bien claro que más allá de que no es una
música que nos pueda sorprender mucho y sonar ajena, pues son territorios que
han sido explorados por varios artistas, la propuesta de Tráfico se aparta
mucho de las de las demás bandas del Uruguay. En momentos más, en momentos
menos, pero el trabajo total afirma que lo que se escucha aquí no se podrá
escuchar en otra banda uruguaya. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Además, mientras que la base de las cancones hace uso de
lenguajes musicales muy establecidos, la forma en que están adornados y
arreglados, sea por los diversos timbres que podemos encontrar como la forma en
que participan varios de los instrumentos, nos crean un entorno bastante
original. Y de eso se trata la banda: paisajes sonoros. Hay letra, hay un desarrollo,
pero creo que estos pretenden ser más bien medios y no el fin.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Bandas que la han luchado durante años, como The
Supersónicos, Buenos Muchachos y La Hermana Menor, otras cuyo camino recién
está empezando y aunque se encuentran en el medio under, su energía y potencia
demuestran que no podrán ser frenados (como las que he escrito en otras
ocasiones), y ahora Tráfico, están logrando cambiar la escena musical uruguaya,
trayéndonos algo más rico, profundo, genuino y honesto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Como siempre, dejo algunos links para escuchar algunos de sus temas:</span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Tren a Rotterdam": <a href="http://trafico.bandcamp.com/track/tren-a-rotterdam"><span style="color: red;">http://trafico.bandcamp.com/track/tren-a-rotterdam</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"...Y las lucecitas": <a href="http://trafico.bandcamp.com/track/y-las-lucecitas"><span style="color: red;">http://trafico.bandcamp.com/track/y-las-lucecitas</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Chinatown": <a href="http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown"><span style="color: red;">http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Miro al viento": <a href="http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown"><span style="color: red;">http://trafico.bandcamp.com/track/chinatown</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Timba": <a href="http://trafico.bandcamp.com/track/timba"><span style="color: red;">http://trafico.bandcamp.com/track/timba</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br />También dejo para que vean el videoclip de "Chinatown": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=bNYVQAjh0Ko"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=bNYVQAjh0Ko</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y finalmente el Facebook de la banda, que como siempre, si se lee Hobo Blues, es un "Me gusta" a la página de la banda: <a href="https://www.facebook.com/trafico.com.uy"><span style="color: red;">https://www.facebook.com/trafico.com.uy</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!! </span></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><br /></o:p></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-65905655839056316632014-02-22T13:41:00.001-08:002014-02-22T13:41:13.122-08:00John Surman - "Saltash Bells"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUCaIacG96PpNTWDXqJiaYpi0Z7eX0X24J2lfk6KjFIQpvJZ_7ORM86sIh6jZuKz7fA3-I-T4WP2pRoWD-zqECyeBAlMKNg9hP_2_i78FUdZAgdTuU7KZku4PUKQYM-GY4BlHP4QrWs1HB/s1600/Surman+-+Saltash+Bells.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUCaIacG96PpNTWDXqJiaYpi0Z7eX0X24J2lfk6KjFIQpvJZ_7ORM86sIh6jZuKz7fA3-I-T4WP2pRoWD-zqECyeBAlMKNg9hP_2_i78FUdZAgdTuU7KZku4PUKQYM-GY4BlHP4QrWs1HB/s1600/Surman+-+Saltash+Bells.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco que traigo hoy es uno de esos que son bastante
indefinibles. Bueno, el artista en general es indefinible. Es catalogado como
Jazz, sobre todo en sus trabajos con grupo. El problema es cuando nos trae
trabajos como este, donde el único participante es él. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">John Surman, nacido el 30 de Agosto de 1944, es un
saxofonista, clarinetista y compositor inglés. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Definir el estilo de Surman es un tanto difícil. Su música
claramente parte del Jazz. Por un lado, porque en sus discos con grupo el
lenguaje e interacción van por ese lado. Su estilo y sonido claramente forma
parte del denominado Jazz de cámara, un estilo que es representado
principalmente por el sello al que pertenece este artista, ECM. Surman es,
junto a Oregon, Ralph Towner, Eberhard Weber, Jan Garbarek, gran parte del
trabajo de Keith Jarrett, entre otros, uno de los mayores exponentes de este
estilo, caracterizado por composiciones con grandes influencias de música de
cámara, folclore europeo, sobre todo inglés, incluyendo siempre la interacción
de improvisación del Jazz. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Yo siempre sostengo que no importa el estilo musical que a
uno le guste, uno puede ser objetivo y saber dar una buena opinión. No importa
si su instrumentista preferido es de Rock o lo que sea, los mejores son SIEMPRE
los de Jazz. Lo demás está entre en algo subjetivo y emocional. Pero la
capacidad melódica, armónica e improvisatoria que tienen los artistas de Jazz
es inigualable. Y obviamente Surman es uno de ellos sin lugar a dudas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es que, en mi opinión, Surman es uno de los mejores y más
interesantes saxofonistas que se ha podido escuchar. No solo tiene una técnica
y capacidad melódica impresionante, sino que tiene un estilo musical y forma de
tocar muy personal, tiene su propio sonido. Uno lo escucha y al instante se da
cuenta que es él. Yo creo que eso es lo que diferencia entre un buen
instrumentista y un buen músico, cuando uno llego al punto que tiene un sonido
propio, su propia voz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, cuando entramos en sus trabajos solista, el lenguaje
musical, aunque sigue partiendo del Jazz, incluye tantas otras cosas que ya no
es posible catalogarlo como este estilo en su sentido más puro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En estos, el instrumental es siempre saxo barítono y
soprano, clarinete bajo y teclados, sumándose en ocasiones un clarinete alto o
algún otro instrumento de viento. Todos estos son tocados por Surman. Los
teclados siempre sirven como acompañamiento, dejando la verdadera magia para
los instrumentos de viento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En estos discos solista podemos encontrar siempre 3 tipos de
temas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado tenemos algunos con instrumento solista: una
melodía sin acompañamiento, en momentos improvisada, en momentos compuesta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego tenemos aquellos que usan, por lo general, varios de
un mismo instrumento, haciendo gran juego con el timbre idéntico o parecido y así
creando una polifonía polirrítmica que crea nuevas líneas melódicas por la
mezcla de las originales. Estas composiciones carecen de improvisación y son
minuciosamente compuestas. En varios casos son tocadas por un solo instrumento,
estando éste conectado a un delay (un pedal que, luego de tocar una nota, la
repite X veces con un intervalo temporal y de altura X) y así pareciendo que
hay más de un instrumento, lo cual le permite jugar con la polifonía y
polirritmia de otra manera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Finalmente tenemos aquellas en donde hay una base
instrumental, generalmente hecha por los teclados y en algunos casos algún
instrumento de viento más, y Surman elige un instrumento de viento en el cual
improvisará. Este es el caso donde más se acerca al Jazz. Claro, no es el
lenguaje de Jazz más clásico, de ninguna manera. No nos vamos a encontrar con
un Bebop, de ninguna manera. Pero es la improvisación y la comunicación entre
las diferentes partes instrumentales que lo acercan. Es que como todos los
lenguajes, a medida que pasa el tiempo, se va diversificando y se aleja de su
origen, pero mantiene su esencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">De estos discos solista, el más interesante y que más
recomiendo es “Road to Saint Ives” de 1990. Es más, fue uno de los tantos que
incluí en la lista de discos que recomiendo: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/12/117-artistas117-albumes.html"><span style="color: red;">http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/12/117-artistas117-albumes.html</span></a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí comparto con ustedes los 2 temas más interesantes de
este disco, que a su vez deben ser de los más interesantes de toda la
discografía de este artista. “Trethevy Quiot”: <o:p></o:p><span style="color: red;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=0w-TVT6i5dw"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=0w-TVT6i5dw</span></a> </span>. "Perranporth": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=dHDQEONh_Dk"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=dHDQEONh_Dk</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco que presento en esta ocasión, “Saltash Bells”,
lanzado en el 2012 (aunque fue grabado en el 2009), es el 7mo álbum de esta
índole.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Saltash Bells” se originó como una colaboración con el
fotógrafo y cineasta Odd Geir Sæther, quien iba a hacer una especie de
documental sobre el suroeste de Inglaterra. Luego de que fallara la producción
de esta filmación, Surman decidió seguir trabajando en el álbum por su cuenta. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música que se presenta en este disco no difiere en
absoluto a lo que presentan los demás discos solista. Surman tiene varias
facetas. Y su constante aporte a cada una hace que se vuelvan cada vez más
ricas. Este álbum es un aporte más a ese mundo que ha creado con sus discos
solista. Es un aporte más a ese incasable trabajo compositivo con este enfoque.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Estos discos son muy personales y particulares. Tienen la
virtud de ser compuestas minuciosamente, con varios arreglos, sobre todo en
aquellas que parecen ser hasta escritas. El lenguaje recuerda al Jazz, pero las
influencias de música clásica de cámara y folclore inglés lo transforman en
algo sumamente original. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El virtuosismo técnico es sorprendente, pero como es la gran
virtud de todo instrumentista de Jazz, este no quita en absoluto la capacidad
melódica de las líneas improvisadas. Por ejemplo, hay guitarristas de Heavy
Metal que tocan a 1000 km/h, pero melódicamente no logran nada. Son un montón
de notas tocadas a enorme velocidad. Si lo que uno busca es eso, virtuosismo,
entonces está perfecto. Luego tenemos otros, como el querido Neil Young, que
carecen totalmente de una gran técnica, pero tienen una capacidad de crear
melodías que es inigualable. Para mí el punto máximo es cuando ambas 2 se unen:
un virtuosismo técnico que lo deja a uno con la boca abierta, como si sacarán
trucos y trucos de magia de un sombrero, pero que a su vez la capacidad de
crear melodías es tan increíble que uno las puede cantar. No importa que sean
super veloces y complejas, uno puede recordarlas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="http://jazzbarisax.com/wordpress/wp-content/uploads/2012/05/surman.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="http://jazzbarisax.com/wordpress/wp-content/uploads/2012/05/surman.jpg" height="320" width="295" /></a><o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> </span></o:p></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">John Surman es uno de estos últimos. Es que por el lado
técnico, sus instrumentos se lo permiten, ya que el saxo y sobre todo el
clarinete son los instrumentos con los que se puede llegar a una velocidad más
alta. Son los instrumentos más versátiles desde este punto de vista. Y como son
instrumentos melódicos por excelencia, ya que obviamente no pueden hacer
acordes, o al menos no con la técnica tradicional, la parte melódica puede ser
desarrollada al máximo. Y bueno, un hombre que ha tocado con grandes como John
McLaughlin, Terje Rypdal, Jack DeJohnette, Dave Holland, Kenny Wheeler, Paul
Bley, Gary Peacock, Tony Levin y John Abercrombie, entre otros, no es un hombre
cualquiera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo que se presenta en estos discos es una música muy
paisajística, donde lo que se intenta es crear un escenario natural donde los
diferentes instrumentos serían los sonidos del mismo. Sin ir más lejos, el
mismo Surman menciona esto y los títulos de los diferentes temas, en su
mayoría, son nombres de lugares geográficos. En cierto modo, lo que Surman
intenta es plasmar musicalmente lo que le transmiten esos lugares, algo que
poéticamente puede ser muy atractivo, pero que objetivamente no cambia nada, ya
que, como siempre digo, esto se trata de algo totalmente subjetivo que puede
obtener significado en uno si comparte la misma clase de símbolos que Surman, o
en muchos casos, que usan símbolos más usados, los que la sociedad ha creado. A
lo que voy es que ninguna música suena a la pradera, o a las montañas, o a la
ciudad, o a un río. Son asociaciones, muchas por tradición, muchas por
sinestesia, y otras muchas porque el título o descripción nos inducen a ello.
Siendo objetivos, “Blowing in the Wind” de Bob Dylan suena tanto al campo como
“Master of Puppets” de Metallica. Es más, tal vez es más pobre lograr esto si
la idea es partir de estos símbolos, porque es simplemente tomarlos, componer
en base a ellos y listo, uno es un compositor que “logra” recordar a ciertos
paisajes con su música. Cualquiera puede hablar de amor usando la palabra “amor”.
La magia está cuando uno no nombra el objeto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco empieza con la melancólica “Whistman’s Wood”. Con
una base constituida por un saxo barítono haciendo unas notas que van con cada
cambio de acorde y unos sintetizadores con delay con un sonido de videojuego
como el Super Mario Galaxy, la melodía es primero llevada por un clarinete
bajo, luego cambian roles entre este y el saxo, y lo cierra un saxo soprano con
una base en un volumen bastante más bajo. El tema, estructuralmente, es de
aquellos cercanos al Jazz, por su progresión cíclica de acordes, la
improvisación y la alternancia entre instrumentos para hacer sus respectivos
solos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Glass Flower” es un tema para clarinete solista. También
con un aire melancólico, aquí nos encontramos con un ambiente más desolado y
contemplativo, en gran parte por el vacío que se produce por ser un instrumento
monódico solista, pero sobre todo por la melodía de notas largas y silencios
entre medio. La estructura es de “puente”, ya que empezamos con una melodía más
lentas que de a poco va volviéndose más rápida, al punto de llegar a ser algo
muy rítmico donde hay una simulación de 2 voces por los saltos repentinos del
agudo al grave, volviendo finalmente a la lentitud del principio. De haber
improvisación, esta no es muy evidente y sin duda debe ser muy restringida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“On Staddon Heights” es la aventurera del disco. Estructuralmente
se acerca a una pieza del Minimalismo de los ’60 y ’70, ya que se trata de una
base modal de 2 acordes en la que de a poco se van agregando pequeñísimos
detalles que le van dando más energía y tamaño, todo esto mientras que Surman
improvisa libremente con su saxo soprano sobre estos 2 acordes . Es que Surman
sin duda tiene influencias de este lenguaje musical, y en especial al de Terry Riley, uno de los 4
pilares del Minimalismo junto a La Monte Young, Steve Reich y Philip Glass,
quien ya por fines de los ’60 creaba una música de este estilo, una base repetitiva
de sintetizadores donde él libremente improvisaba . A esta base creada por
Surman se le van sumando percusión y un clarinete bajo cuya función es similar
a la de un contrabajo en un Jazz de esta índole, además de otros detalles por parte
de los sintetizadores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Triadichorum” empieza con 2 saxos moviéndose homófonamente (o
sea, moviéndose simultáneamente y en una misma dirección) siempre a intervalo
de 5ta justa (los intervalos siempre son la distancia entre una nota y otra. En
este caso, se dice “de 5tas” porque entre el saxo más grave y el más agudo hay
7 semitonos, el equivalente a una 5ta justa. De tocar el saxo grave un Do,
sonará un Sol más agudo por parte del otro saxo, ya que es la 5ta nota a partir
del Do. De ser un Mi, será Si, y así con los demás casos.) Lo que sucede
gracias a esto es una sola voz conformada por acordes incompletos, logrando así
una melodía más rica e impredecible que de haber sido hecha por un solo saxo.
Claro, esta melodía luego se repite una y otra vez, de forma que la impredecibilidad
se va perdiendo, aunque no tanto por tratarse de una melodía bastante larga.
Inteligentemente, Surman se da cuenta de que la melodía repetida, para el oído,
se va transformando en una base ideal para improvisar, lo cual hace con otro
saxo.<o:p></o:p></span></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">De “Winter Elegy” no hay mucho para decir ya que se trata de
otra con una base electrónica donde Surman improvisa. Lo que cambia es el
ambiente que se genera, con un aire mucho más alegre y amistoso, pero aun así
bastante contemplativo. Aquí la base de sintetizadores y clarinete bajo es
igual en todo el transcurso de la pieza. Sí vale decir que aquí se encuentra la
mejor improvisación de todo el disco, llegando a un nivel técnico increíble
donde las melodías cantables se vuelven más claras que en ningún otro momento
del disco. Vale destacar la capacidad para llegar a unos agudos extremos en el
saxo soprano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="background-color: white; font-size: 10pt; line-height: 115%;">“Ælfwin"</span> nos trae otra pieza solista, esta vez con un saxo.
Aquí el ambiente se encuentra en constante cambio. Mucho más movida e
interesante desde un punto de vista armónico, aquí no se produce un vacío
musical más allá de la falta de instrumentos (falta en comparación a los demás
temas). El movimiento melódico del saxo es tan impredecible que podría empezar
o terminar en cualquier momento. De haber sido una pieza clásica de la primera
mitad del siglo XX, habría tenido un enorme valor. Hoy en día no por usar un
lenguaje que poca innovación puede tener a esta altura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Saltash Bells” es una meditación de 10 minutos. Mientras
que los sintetizadores hacen sonidos reminiscentes a campanas y además una nota
pedal super grave, lo cual hace que la pieza logre ese estatismo, las
participaciones de los vientos siempre van en dúo, 2 clarinetes, 2 saxos. Estas
en casi ningún momento son de un carácter melódico tradicional. Se trata más de
un entrelazado de ataques entre esos dúos donde no importa tanto lo que hace
cada uno, sino la suma total, la suma de ataques. Es claramente una especie de
paisaje sonoro donde se juega con la melodía indistinguible y la de carácter
más tradicional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Dark Reflections” es la gema del disco. En este caso nos
encontramos con una composición al estilo tradicional. Acá claramente todo lo
que se escucha está previamente compuesto. Se trata de una pieza solista, saxo
soprano solo. Sin embargo, lo que este toca es pasado por un delay cuyas
respuestas son emitidas a intervalos de 0,33 segundos y a una distancia de 4ta
descendente, o sea, si se toca un Do, suena un Sol más grave. Por un lado, la
melodía es atonal, moviéndose libremente por el registro del instrumento, y con
este agregado, lo que se escucha no solo se vuelve más rico, sino más complejo
y deforme. Pero a su vez, debido a este delay, se forma un motivo rítmico
inevitable. Lo que toca Surman ya es muy rítmico de por sí, pero el ritmo
resultante, el ritmo de la pieza, termina siendo la suma de lo tocado con su
respectiva respuesta. Es una pieza muy lúdica que en momentos puede recordar
mucho a composiciones de Igor Stravinsky.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“The Crooked Inn” es un dúo de saxo barítono y soprano. Mientras
que el primero, pasado por un delay pero con un volumen tan bajo que termina
siendo más bien un detalle tímbrico y no un juego como en la anterior, hace una
línea acompañante con un ritmo de marcha muy alegre, el soprano se dedica a dar
la línea principal con un motivo que se usa a lo largo de la canción como punto
de partida para improvisar. Es una canción muy infantil.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://jazzjournal.co.uk/UserFiles/Image/November%202011/SURMAN-John-1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://jazzjournal.co.uk/UserFiles/Image/November%202011/SURMAN-John-1.jpg" height="212" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco cierra con “Sailing Westwards”, nuevamente con una
base hecha por sintetizadores y clarinete bajo, pero esta vez se le une una
armónica que sin duda logra darle un toque diferente a las demás. La ilusión de
movimiento en esta no se da por la parte de la armonía, ya que la canción está
eternamente en el mismo acorde, sino por el movimiento melódico de los
diferentes instrumentos. Esta vez Surman elije solamente el saxo soprano para
improvisar. Nos encontramos nuevamente con algo al estilo de Terry Riley, pero
esta se encuentra muy cercana al Jazz, y gracias a esta combinación, más la
inclusión de la armónica, recuerda mucho a algunas de las últimas grabaciones
de Pat Metheny, sobre todo a “Orchestrion” y su obra maestra “The Way Up” junto
a su querido Pat Metheny Group, donde Gregoire Maret toca incansablemente una
armónica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Saltash Bells” cuenta con la cualidad de ser un disco super
minucioso y en momentos complejo, pero super accesible a la vez. Sin embargo no
es un disco para cualquiera. Es Jazz, pero a su vez no lo es. Lo es
estructuralmente, pero musicalmente está bastante alejado. Y bueno, como he
dicho, en momentos está más cercano (o más bien lo es) a una pieza clásica del
siglo XX que a un tema de Jazz. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, ¿a quién le interesa qué es? Es música. Se
escucha y si gusta, excelente. Con la alta evolución musical que ha habido en
la historia, sobre todo en el siglo XX y sobre todo en la 2da mitad del mismo
para la música popular, el pretender de que algo se mantenga dentro de los
mismos límites no solo es ingenuo, sino de un conservadurismo inepto,
innecesario y hasta soberbio. La música avanza, por suerte. Y cuantas más
propuestas haya, mejor. Es Jazz. Si claro, no es Charlie Parker, no es
Thelonious Monk, mucho menos Duke Ellington. Pero es Jazz. Es una rama producto
de otra serie de ramas, pero la base está ahí. Además, y por sobre todo, Surman
es un músico de Jazz. Cualquiera agarra alguno de sus discos con grupo y no hay
forma que diga que no es Jazz. Lo importante es saber su procedencia: inglesa,
o sea, europea. Entonces si somos más específicos y a su vez abarcativos,
diríamos que es Jazz europeo. Eso es algo que existe, es algo aceptado por
todos los expertos en Jazz y es hasta bienvenido por los grandes del Jazz
americano. Sin ir más lejos, Keith Jarrett tuvo lo que se conoció como “el
cuarteto europeo de Jarrett”, donde, salvo por él, todos eran europeos y el
lenguaje obviamente se alejaba en gran parte del de procedencia estadounidense.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Saltash Bells”, junto a los demás de Surman solita, es un
excelente ejemplo de hasta donde se puede llevar el trabajo con solo una cabeza
participando en absolutamente todo. Es una música bastante particular y rica
que seguro tiene algo para aportarle a todo aquel que la escuche. Y nuevamente
demuestra que Surman lleva siempre al máximo todo enfoque musical, tanto la
composición como la improvisación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Antes que el disco, les dejo aquí un increíble concierto solista de John Surman en el 2013: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Ix0I_--aork"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=Ix0I_--aork</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo todos menos 2 temas del disco:</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Whistman's Wood": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=MCLs-MOD3BU"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=MCLs-MOD3BU</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Glass Flower": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=I7Jt9DHVpd0"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=I7Jt9DHVpd0</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="background-color: white; font-size: 13px; line-height: 19.1875px;">"Triadichorum"</span><span style="background-color: white; font-size: 13px; line-height: 19.1875px;">: </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=dPDTY-ZjeUc"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=dPDTY-ZjeUc</span></a> </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="background-color: white; font-size: 13px; line-height: 19.1875px;">"Winter Elegy": </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=oUW9wGsyksI"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=oUW9wGsyksI</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"<span style="background-color: white; font-size: 13px; line-height: 19.1875px;">Ælfwin": </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=BLbOL1Bxf3I"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=BLbOL1Bxf3I</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><span style="background-color: white; font-size: 13px; line-height: 19.1875px;">"Saltash Bells": </span><a href="https://www.youtube.com/watch?v=N22mmDPgXjU"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=N22mmDPgXjU</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Dark Reflections": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Mr8x-CtUtF4"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=Mr8x-CtUtF4</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"The Crooked Inn": <a href="https://www.youtube.com/watch?v=di9LcqYg0ak"><span style="color: red;">https://www.youtube.com/watch?v=di9LcqYg0ak</span></a></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA</span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-39263956692861048772014-02-08T21:45:00.002-08:002014-02-09T06:07:49.512-08:00Tinariwen - "Emmaar"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKLl6qDH4zifQwFkrC9mceVNNnuEqAlGagx7nM4N9jOPxbpm_gzF8XDLPSZAfOXcBXq54TVDjZKrP5NecERBjUOPDBXB-_4duVvVII2NNZ3h9KWY4kojDFv1nruO1RFwM5SmGtu-wLO7AJ/s1600/tinariwen-emmaarlp.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgKLl6qDH4zifQwFkrC9mceVNNnuEqAlGagx7nM4N9jOPxbpm_gzF8XDLPSZAfOXcBXq54TVDjZKrP5NecERBjUOPDBXB-_4duVvVII2NNZ3h9KWY4kojDFv1nruO1RFwM5SmGtu-wLO7AJ/s1600/tinariwen-emmaarlp.jpeg" height="320" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
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<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
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<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
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<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
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<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Retornando al blog, esta vez les traigo
nuevamente a uno de los actos musicales más interesantes de los últimos años,
Tinariwen, que están a unos días de lanzar su nuevo álbum pero que ya puede ser
escuchado en internet.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el post en el que reseñe su disco del
2012, “Tassili”, cuento un poco sobre sus orígenes, los cuales son
fundamentales para poder entender su música de verdad. Aquí dejo el link del
mismo: <a href="http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/06/tinariwen-tassili.html">http://hoboblues2013.blogspot.com/2013/06/tinariwen-tassili.html</a></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este nuevo disco llamado “Emmaar” será
lanzado el 11 de Febrero. Aunque no nos vamos a encontrar con algo que nos
sorprenda, ya que al tratarse de una banda que toca folclore tuareg, no va a
tener ningún giro estilístico de 180°, sin duda nos trae un enfoque diferente
de su música y esto no es por casualidad o por un planteamiento puramente
artístico. Mucho le ha sucedido a la banda desde el lanzamiento de su
próximamente anterior álbum y que sin duda condicionó en gran medida la música
que se nos presenta esta vez. Aunque la historia es larga, intentaré resumirla
sin perder los detalles más importantes. Y creo que estos acontecimientos
cuentan la mitad de lo que se trata el disco, porque entender de verdad lo que
es la música de Tinariwen no es simplemente escuchar su música, sino saber cual
es su realidad, más que nada saber cual es su realidad.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A principios de Enero del 2012 empezó una
guerra para que el área del norte de Mali, conocida como Azawad, lograra la
total o mayor independencia del gobierno de Mali, de forma de que este
finalmente se volviera una tierra independiente para los tuareg. El gobierno de
Mali, desde hace décadas, nunca ha reconocido la independencia de los Tuareg,
desatando matanzas masivas a los mismos y negándole sus derechos. Luego de esta
batalla, los tuareg lograron tomar temporalmente el control de esa zona.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por Marzo, el entonces presidente Amadou Toumani Touré fue despojado de su
puesto, justo un mes antes de las elecciones nacionales, por un grupo de
militares que se hicieron llamar el Comité Nacional de Restauración de la
Democracia y el Estado (CNRDR) y estos tomaron el poder hasta que considerarán
que el país hubiera vuelto a una democracia digna de una elección presidencial.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los rebeldes tuareg, ante esto, empezaron a
tomar otros sitios, tomas ante las cuales, en realidad, la CNRDR no hizo mucha
fuerza en contra. Luego de esto, se declaró que estos habían conseguido
independencia de Mali. Pero debido a la facilidad en que la obtuvieron, hubo un
enorme cuestionamiento del grupo militar que había tomado el poder. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Fue con esto que Ansar Dine, un grupo
militante islamita que ha intentado imponer violentamente la Ley de Sharia (el
código moral, político, económico,
sexual y religioso del Islam), empezó una larga y tortuosa pelea contra los
rebeldes tuareg<a href="https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=1105358847677119348" name="_GoBack"></a>, logrando obtener el territorio ganado
por los mismos y capturándolos.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ya por el 2013, el gobierno de Mali pidió
ayuda a fuerzas militares extranjeras, de las cuales las francesas fueron las
que más participaron. Al tiempo, el
territorio tomado por los islamitas fue recuperado por el gobierno de Mali y se
firmó un tratado de paz con los Tuareg. Sin embargo, los últimos levantaron la
paz porque afirman que el tratado no había sido respetado por el gobierno y
hasta entonces siguen en guerra y conflicto.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Durante la toma del norte por parte de
Ansar Dine, hubo una enorme persecución y captura de tuaregs. Entre los más
buscados estaban los miembros de Tinariwen, ya que se han transformado en
líderes de esta comunidad. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Durante esta persecución, Ansar Dine logró
capturar en Enero del 2013 a Abdallah Ag Lamida, uno de los guitarristas y
cantantes de la banda. Los demás lograron escapar. Sin embargo, este ya fue
liberado.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Debido a todo esto, obviamente el quedarse
en su tierra natal, el desierto de Sahara, no es algo posible para la banda, o
más bien inseguro. Mucho menos para grabar el nuevo álbum que tenían planeado. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La banda se trasladó a Estados Unidos para
grabar el disco. Pero no fue en cualquier lugar. Debían encontrar una conexión
con su tierra natal y la encontraron en Joshua Tree, un lugar no tan desértico
como el Sahara pero si muchísimo más que una ciudad, en el desierto de California.
Para grabarlo, construyeron un estudio en una casa del lugar. Las grabaciones
duraron 3 semanas nada más.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En su álbum anterior, nos encontrábamos con
un disco casi que puramente acústico, algo que los acercaba aún más al folclore
tuareg, esa música grupal de fogata que más que un espectáculo artístico, se
transforma en un ritual social. Los integrantes comentaban que se trataba de
recuerdos de aquellos tiempos donde estaban en plena guerrilla y era la música
la que evocaba una paz momentánea.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por ese lado, era un retorno. La
electricidad es algo fundamental del sonido de Tinariwen, pero tal vez no tanto
espiritualmente. Es más una posición estética más que filosófica. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, debido a la participación de
varios artistas occidentales, a quienes, por lo que parece, se les dejó
contribuir desde su propio mundo, su universo musical occidental, la música en
varios momentos parecía diluirse con las costumbres de rock y música pop
carecientes de una identidad cultural. En muchísimos momentos nos encontramos
con lo más folclórico de esta banda, lo más “tuareg” que uno podría escuchar.
Pero en otros uno duda qué está escuchando, si acaso es música tuareg con unos
toques de occidentalismo o rock acústico con pinceladas de algo exótico. Sin
embargo, más allá de todo esto, la carencia de sobreproducción, ya que la
música, sea lo que sea, es muy clara y sin casi capas de sonido que tapan
descuidadamente aquello que podría hacernos creer que los tenemos al lado
nuestro, nos traía un sonido genuino y puro y nos transportaba a los paisajes
íntimos que deben vivir estas personas cuando se encuentren en fogata en el
medio del desierto. Aún así, el enfoque compositivo es muy variado, por lo que
las canciones se pueden distinguir fácilmente, algo que es típico en el enfoque
musical de la música pop de procedencia anglosajona, y algo que hoy en día se
ha tornado en algo valeroso y que en momentos es fundamental para medir la
calidad de un disco.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este disco, por el lado compositivo, es
estrictamente folclore tuareg. Hay participaciones de artistas de rock, como
Josh Klinghoffer, el ahora guitarrista de Red Hot Chili Peppers, pero estas
participaciones no interfieren en el total compositivo. Es más, su carácter no
es tanto melódico sino más bien textural, y como este es mínimo, suena más a
una mano del lado de producción más que el instrumental. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, volvemos al sonido característico
de la banda, ya que se trata de un disco puramente eléctrico, llevándonos al
lado más rockero de la banda, tal vez el más en toda su carrera.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero antes de ocuparme de comentar todo lo
positivo que le encuentro a este disco, que sin duda es muchísimo ya que se
trata de una gema musical, además de que si no lo considerara bueno no lo
compartiría ya que acá se trata de recomendaciones musicales y no de crítica
musical, voy a hacer una crítica muy severa sobre lo que le está sucediendo a
esta banda gracias a la industria musical, algo que no es culpa de ellos, ya que
sucede con todos los artistas de cultura no-occidental. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El gran problema es que la banda se ha
vuelto muy popular mundialmente. Esto suena un poco estúpido dicho de esta
manera así que déjenme profundizar. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el mundo está por un lado el mundo musical
y por otro la industria musical, uno que nace de algo honesto y genuino (aunque
obviamente puede caer en las manos de la avaricia) y el otro que nace de algo
totalmente económico. Esto último significa que se ve a la creación artística
como un objeto con capacidad de venta, un producto. Una industria, como tal,
debe lograr que su producto logre el mayor número de ventas.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> Algunos, como el querido Dischord Records, se
dedica a darse cuenta de cual creación tiene un valor puramente artístico y con
esto ya alcanza para lanzar su disco, sean super vendibles o no. Otros, como
todos los grandes sellos musicales, ven un poco esto, pero se dedican más que
nada a ver cual de estas creaciones tienen un potencial de mercado, o sea,
cuales tienen un elemento que puede ser encasillado dentro de las diferentes
búsquedas musicales que hay. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el caso de Tinariwen, el elemento es ser
exótico, no occidental. El hecho de que sean nómades, sean del Sahara, vistan
ropas extrañas para el ojo europeizado y toquen una música ritualista típica de
una cultura bastante desconocida, le da TODO el atractivo para llamar la
atención de aquellos que buscan fuentes musicales lejanas a su realidad. A todo
esto le podemos sumar la importancia histórica de los integrantes de la banda:
ex guerrilleros que hasta el día de hoy viven una realidad muy turbulenta y que
mediante su música, portan el mensaje de paz de su pueblo. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero hay algo que es lo que le da la
premiación implícita de promesa musical étnica: el hecho de que toquen
instrumentos eléctricos y que, con la suma de sus claras y ya explícitas
influencias de bandas de rock, su sonido sea muy cercano al blues-rock ya muy
bien sentado en nuestro mundo musical, lo cual lo hace sentir muchísimo más
familiar que la enorme mayoría de artistas y conjuntos musicales con una
propuesta más cercana al folclore de su tierra. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todo esto obviamente no escapa del ingenio
de mercado de la industria musical y han sabido como explotarlo. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Al principio, era con imágenes e historias
que se encontraban en los librillos de los discos, entrevistas y mini
documentales de la banda, todo siempre decorado de una forma super poética para
hacerlo más atractivo. Lo que podía ser una simple caminata por el desierto, en
la escritura se transformaba en “un viaje en la soledad de la arena del
Sahara mientras el viento de un atardecer sopla desde el horizonte”. Esto es
algo que sucede en todos los artistas de esta índole cuando se los intenta
vender al consumidor ajeno a esto: se le hace una “invitación” al mundo
exótico, una “invitación a adentrarse en
estos mundos desconocidos y descubrir lo que se encuentra en lo más profundo de
estas culturas”. Básicamente hacer sentir al oyente que está a punto de
encontrarse con algo nuevo, un atractivo que crea la ilusión de que esa
persona es ahora parte de una cultura a la que no pertenece y así sentirse
alejado, por un momento, de su realidad citadina. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego, desde su 3er álbum, empezamos a
notar que la producción de los discos es no solo más profesional, sino que esta
rellena con varias capas de sonido. Esto se debió a que el éxito de la banda
estaba creciendo y quienes venden su música ya no buscaban solamente como
objetivo de venta a los aficionados de los folclores, sino a gente del rock,
estilo al que, como dije, se lo puede vincular fácilmente. Y estos posibles
nuevos oyentes no solo van a querer la música, sino un gran trabajo de estudio.
Estos oyentes, generalmente, buscan una experiencia musical, algo que les
permita viajar en su imaginación hacia otros lugares. Y la mejor manera de
lograr esto es mediante un gran trabajo de producción de estudio
post-grabación, de forma de que todo este nuevo imaginar al que puede conducir
esta música ajena se vea facilitado mediante capas de sonido que logren un estilo de espacialización ficticio que difiere a la realidad sonora del mundo citadino
y bueno, del mundo en general, pues este mundo sonoro creado tampoco es el
mismo que viven estos artistas. Con esto, el “viaje” ya está totalmente
preparado y solo hace falta ponerse unos auriculares y apretar el botón de Play
para poder subir a bordo.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lamentablemente esto es lo que ha sucedido
con la banda y cada vez más. Obviamente la banda no tiene la culpa de esto, o
al menos no del todo. Son víctimas de un monstruo mucho más grande que
cualquier músico. No es culpa de ellos porque en sí, los medios no mienten
sobre su realidad. Sin embargo, estos últimos saben muy bien que palabras
elegir y como ordenarlas para que toda esa realidad sea mucho más atractiva y
poética. Y la producción musical muchas veces no es decisión total del artista.
No dudo que los integrantes de Tinariwen no quieran lograr esto, porque han
comentado muchas veces de su entusiasmo tecnológico. Pero es verdad que con
esto, de a poco su música puede ser víctima de una lenta dilución con
componentes occidentales, acercándose cada vez más a la música pop hasta transformarse en una banda de rock con influencias
tuareg.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este disco sucede algo así. Por su
carácter puramente eléctrico, parecería muy difícil no tentarse a un poco de
sobreproducción. Aquí se puede notar claramente como, más allá de que son
distinguibles los diferentes instrumentos musicales, hay un gran manto de
sonido que nos crea un paisaje bastante onírico. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero hay algo que es verdaderamente molesto
y asqueroso. El disco empieza con unas palabras EN INGLÉS, con un tono grave,
tranquilo y meditativo, en las cuales nos describen lo que deberíamos imaginar:
caminar por el viento, caminar por el agua, por el desierto. Esto es un claro
ejemplo de lo que les comentaba anteriormente.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhI1o0PRJcNH1H3YBImUXI_j0QdgtxSsUBp47hHqLDwC5-Dqq6m2rJR8Q2xXfxLDqP-8sm6OxXnHNRSCQkV_ujuRwdLzI8BGGN4F74eT1MunmZZVWYZkNR5w0Ht13gxxRfMLVL48OroXZg/s1600/tinariwen09_bluedesert-1050x700.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhI1o0PRJcNH1H3YBImUXI_j0QdgtxSsUBp47hHqLDwC5-Dqq6m2rJR8Q2xXfxLDqP-8sm6OxXnHNRSCQkV_ujuRwdLzI8BGGN4F74eT1MunmZZVWYZkNR5w0Ht13gxxRfMLVL48OroXZg/s1600/tinariwen09_bluedesert-1050x700.jpg" height="266" width="400" /></a><span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Todo esto que he dicho hasta ahora va más
allá del disco y la música en sí. Es algo que considero muy importante para
reflexionar y preguntarse si cuando uno escucha estas cosas, por un lado, si lo
que a uno de verdad le gusta es esto ajeno o el hecho de que esto ajeno tiene
un componente muy importante que lo asemeja en gran medida a lo que estamos
acostumbrados a escuchar, y por otro, si somos conscientes de lo que estamos
escuchando, o sea, no solo la música, sino todo este trabajo muy bien pensado
para lograr atraparnos con lo exótico.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dicho todo esto y dejando en claro el campo
por el que creo que estamos caminando, ahora es momento de hablar del disco
mismo, porque, más allá de lo que puedan hacer los sellos discográficos, en
este caso, la mayor parte del trabajo está hecha por estos increíbles músicos.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Tinariwen, como comente al principio, ha
estado viviendo momentos muy difíciles para su pueblo, al punto de que han
tenido que alejarse de su tierra natal. Este dolor y pena son claramente
reflejados en la música del disco.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La elección de un sonido eléctrico en su
totalidad, al punto de que no se escucha una clara intervención acústica en
todo el disco excepto en el último tema, no es casualidad. Es un sonido crudo,
sucio y doloroso. Son guitarras con poca distorsión, pero la tienen, y eso le
da un crujido que con una acústica sería más subjetivo. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo más importante es el clima triste y
oscuro del disco. Excepto el penúltimo tema, “Emajer”, que es tal vez el más
interesante ya que la percusión tiene un ritmo mucho más movido con ataques de
menor duración y espacios entre uno y otro, dándole una idea más veloz de lo
normal, son temas que invocan un ambiente desolado, de pena y dolor. El uso de
la escala pentatónica menor, la conocida como la de blues, es el pilar de este
logro. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces nos encontramos con 11 temas super
electrificados y con ritmos movidos pero densos, todos con un aire de momentos
difíciles y tocados con la misma escala. Y gracias a esto sucede algo que no
sucedía en los otros discos. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Al escuchar el disco de punta a punta, uno
obviamente nota que las canciones van cambiando. Sin embargo, llega un momento
en el que uno se pone a dudar si lo que está escuchando son diferentes
canciones o son partes que constituyen una única gran canción. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es que como dije, todas parten del mismo
lugar emocional y todas están plasmadas de una misma forma, porque es así como
lo sienten estos artistas. Entonces más que 11 canciones, podría verse como 1
sola canción con 11 variantes. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es algo placentero, porque de una forma
subjetiva, desde la magia y poesía de la banda, se logra de verdad experimentar
un “viaje”. Y este no existe gracias a la producción de estudio de rock, ni el
constante énfasis en que son nómades del Sahara, ni el uso de imágenes de su
pueblo en sus vestimentas típicas o de los paisajes en los que viven, ni a la
patética introducción anglosajona del principio, sino por el trabajo artístico,
por la composición y musicalidad de estos músicos, por el concepto unificador
que hay por detrás de todo este trabajo discográfico.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y esto puedo afirmarlo ya que un amigo del
alma, aquel con quien más comparto esta banda, me comentó exactamente esto sin
que yo dijera ni una sola palabra. Y se trata de una persona que, por más que
tiene un oído un poco más trabajado que la mayoría, no es ningún conocedor de
teoría o estética musical. Su comentario nació puramente desde una percepción
sin conocimientos de la materia.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Entonces aquí aparece algo interesante.
Mientras que por un lado nos encontramos con un sonido eléctrico que es difícil
desvincularlo del rock y por ende a la cultura globalizadora, por otro nos
encontramos con un enfoque compositivo que nos lleva a la pureza del folclore
tuareg y por ende al verdadero significado de un folclore, sea del origen que
sea. Esto último se debe a que no hay una gran diferenciación entre tema y
tema, prácticamente no la hay. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Las canciones se diferencian por sus
letras, que obviamente no las entendemos, y entonces ahí de verdad entramos en
lo que es la cultura tuareg. No se trata de lo que sucede en una canción y
luego en la otra, no se trata de cómo se diferencian entre ellas, ni como están
diferentemente arregladas, sino del conjunto, el todo, lo que se evoca. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay que partir de la idea de que son
canciones de rituales sociales, y como en todo ritual, hay un principio y un
fin del mismo. En una cabeza occidental, la canción funciona como un mundo
propio. Puede haber una conexión entre todos los temas de un disco, pero cada
tema tiene que funcionar por sí mismo, cosa que de ser desarraigada del resto,
aún funciona. Aquí no sucede eso de ninguna manera. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es interesante que más allá de un sonido
rockero, si esto lo limpiáramos y lo dejáramos con un sonido puramente
acústico, no nos encontraríamos con canciones, sino con un verdadero ritual.
Empiezan a tocar, frenan unos segundos, vuelven a tocar, y así sucesivamente,
pero en ningún momento lo percibiríamos como el comienzo de algo nuevo, sino
como el retorno a aquello que ya había empezado.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Con “Emmaar”, Tinariwen logra crear uno de
sus discos más personales, genuinos y sin duda más difíciles de escuchar,
porque por más que el sonido nos es familiar, el desarrollo musical es muy
homogéneo. Se crea un solo paisaje de principio a fin y la escucha es
simplemente un recorrido por el mismo, pero este SIEMPRE se encuentra intacto.
Siempre vamos a encontrarnos con el mismo paisaje en el mismo estado emocional,
en el mismo momento del día. Es un paisaje estático.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este nuevo álbum, que se transforma en el
6to de la banda, es, musicológicamente, uno de sus más importantes. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En su primer álbum, “The Radio Tisdas
Sessions”, nos encontrábamos con una música muy pura, sin ninguna influencia
ajena a la tradición tuareg más que la que la banda portaba desde un principio
previo al lograr un contrato discográfico. Esto lo transformaba en su disco más
valioso musicalmente, porque nos presentaban su música intacta, la esencia de
la banda, y por ende, es hasta el día de hoy su disco más difícil de escuchar y
sin duda el que más puede aportarnos.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esta vez nos encontramos con un disco muy
difícil de gustar verdaderamente. Obviamente, se puede escuchar fácilmente en
mayor o menor medida, pero gustar de verdad, apreciarlo de verdad, es más
difícil. Y es por todo eso que decía, pero por algo más también. El oído se ve
confundido. Es muy interesante la dicotomía que se crea entre un sonido
eléctrico, típico de rock, algo a lo que todos estamos acostumbrados, y luego
un enfoque compositivo prácticamente invariante, emocionalmente estático, donde
la diferenciación de canciones se va haciendo cada vez más difícil a medida que
avanza el disco, transformando todo en una gran canción y por ende, creando una
escucha cercana a los 60 minutos donde la división temporal no solo parece innecesaria
musicalmente, sino que se vuelve imposible.</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Emmaar” es sin duda una verificación de la
constante presión que ejerce la industria musical en la creación artística,
pero es a su vez el primer trabajo conceptual de la banda y tal vez lo más cerca
que vamos a poder estar de la banda desde un punto de vista social. </span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo para que vean los 2 videoclips que han lanzado de este nuevo álbum:</span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES-UY"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Toumast Tincha": <a href="http://www.youtube.com/watch?v=IFtmB2U3Clo"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=IFtmB2U3Clo</span></a></span></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"Imidiwan Ahi Sigdim": <a href="http://www.youtube.com/watch?v=ix76SFstT0I"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=ix76SFstT0I</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí para que puedan escuchar el álbum entero online: <a href="http://www.theguardian.com/music/musicblog/2014/feb/03/tinariwen-emmaar-album-stream"><span style="color: red;">http://www.theguardian.com/music/musicblog/2014/feb/03/tinariwen-emmaar-album-stream</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!!! </span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-79471160553105187342013-12-13T11:14:00.002-08:002013-12-15T11:48:32.678-08:00Revólver - "Vengan Todos a la Luz"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPEB_s9601AlOGHo3q1c3Y7AhUIQXZYikx7xjxYnDP6unUodAH9HvqQUS5vCJGMNHWACF24niDtNoLXzd8BN0PRY8yN6NJTd_cGOFsxCeDpf7EbXsyLcINi8BdxF3FRT9teadf03wYfKca/s1600/revolverrrr.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPEB_s9601AlOGHo3q1c3Y7AhUIQXZYikx7xjxYnDP6unUodAH9HvqQUS5vCJGMNHWACF24niDtNoLXzd8BN0PRY8yN6NJTd_cGOFsxCeDpf7EbXsyLcINi8BdxF3FRT9teadf03wYfKca/s1600/revolverrrr.png" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego de varias semanas sin escribir debido a compromisos,
vuelvo con un disco que varios hemos estado esperando por varios meses. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En varias ocasiones les he hablado de un círculo de bandas
under de Uruguay, las cuales tienen un enfoque desgarrador y cercano a la
pureza del rock. Les hablé de Oro, Los Extraterrestres, Santacruz pero faltaba
una. Y finalmente se las traigo porque han decidido dar a conocer su último
trabajo de estudio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Vengan Todos a la Luz” es el 2do trabajo discográfico de
Revólver, una de las mejores bandas de la escena under y de las mejores de rock
uruguayo sin lugar a dudas. Y esto no solo lo digo en un plano sentimental y
puramente personal. Ya les iré explicando porque.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La banda está conformada por Daniel Croza (bajo), Gonzalo
Marín (guitarra, voz), Ismael “El Faraón” Varela (batería, voz) y Mauricio
Sepúlveda (guitarra, voz). El último se unió el año pasado. Proveniente de la
banda folk-rock Vincent Vega, sin duda le ha dado un toque diferente a la
banda. No tanto estilísticamente, pues el sonido sigue siendo de power trio y
ahora sobrecargado, pero sí en arreglos de carácter melódico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Revólver es un enfoque personal de géneros que
ya están bien consolidados en el rock pero que nunca está de más redefinirlos,
sobre todo cuando la industria musical se las arregla para destrozar todo lo
logrado y en gritos de esperanza, una búsqueda en el pasado con ojos del
presente siempre es una buena arma para reflotar la honestidad y genuinidad de
aquello que le da voz a nuestro enojo y euforia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La base es de blues rock sin duda. Sin embargo, se acerca
más al de bandas post-Cream, sobre todo Led Zeppelin. Podemos encontrar
influencias de Black Sabbath, no tanto por lo satánico y ultratumba, sino por
lo demás. <span lang="EN-US">Otras pueden ser
Grand Funk Railroad y Ten Years After. </span>Revólver no es una banda pesada
en un sentido heavy-metal. Es pesada por su energía, como si fuera un tornado.
Imagínense el “II” de Led Zeppelin pero con mayor energía y fuerza. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> También encontramos
un sonido que evoca al desierto o paisajes desolados. Es que es esta la
principal razón por la que la banda se aleja de un blues rock pesado
tradicional: sus letras y música evocan paisajes con mayor trascendentalismo,
mayor profundidad, pero sin nunca llegar a algo oscuro. Es música con un
lenguaje de rock tradicional pero con un enfoque paisajístico. Aquí la distorsión,
por ejemplo, no es un efecto tímbrico, sino más bien un simbolismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Esto me ha ayudado a llegar a cierta analogía. De este
círculo, Revólver, Oro y Santacruz son las que tienen un sonido pesado y
potente con una fuerte base de blues rock al estilo Zeppelin y Black Sabbath. Y
podría trazar una línea que logra una transición. Oro es sin duda la que se
acerca a un rock más puro, ya que tiene una fuerte base de rock and roll,
además de que sus letras son de temas de la vida descriptas en una forma no poética.
En la otra punta colocaría a Santacruz, ya que aquí nos encontramos con una
expresividad muy profunda y paisajes oscuros y muy personales de carácter cuasi
onírico e imaginativo, como si fuera el fin del mundo. Y a medio camino
colocaría a Revólver, ya que su música tiene un carácter más pintoresco que
Oro, pero no llega al nivel de Santacruz. A su vez, lo que en Oro es crudeza, a
medida que nos acercamos a Santacruz, se va transformando en dolor. Revólver
está en el medio, por lo que la crudeza se transforma en enojo y el dolor en
introspección. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo que creo que hace que Revólver se gane el querer de
uno es su actitud honesta y dispuesta a dejarlo todo por lo que tocan. Esto se
ve cuando tocan en vivo. Son una banda muy intensa, tanto en sonido como en
personalidad. Tocar fuerte y alto lo puede cualquiera. Tan solo hace falta
darle fuerte al instrumento y subir el volumen a 10 (u 11 si sos el guitarrista
de Spinal Tap). Pero que esto llegue a la forma en que uno marca su presencia,
su actitud, no es fácil. Yo siempre hablo del sudor. Es que el sudor significa
trabajo, esfuerzo y destreza. Significa hacer las cosas con intensidad, con todo
hasta la última gota de energía. Y Revólver es una banda que suda…y hasta logra
que el público sude. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Vengan Todos a la Luz” es el segundo trabajo discográfico
de la banda. El primero fue “Peligroso Río”, lanzado en el 2009 en formato de
trío.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este nuevo álbum demuestra una clara evolución en el sonido
de la banda. Evolución porque mantiene su base de blues rock pesado lleno de
energía, pero se las ingeniaron para que este llegase a un nivel más profundo,
subjetivo y por ende abstracto, en un sentido sentimental obviamente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para empezar, el disco claramente tiene una mayor y mejor
producción. No solo por la calidad sonora, sino por una mayor carga de detalles
y arreglos, añadiendo instrumentos ajenos al formato power trio/cuarteto de la
banda, o incluso una elaboración más minuciosa del instrumental oficial. Lo
bueno es que estos instrumentos añadidos nunca hacen una participación de gran
presencia, sino que son más bien pequeños detalles: un piano por aquí, metales
por allá. Esto logra que la música tenga mayor valor en cuanto a arreglos, pero
que la textura tímbrica general no se desvíe del genuino sonido de la banda y
por ende no transformarlo en otra o en un estilo de soberbia musical.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo más interesante del disco está en la parte compositiva,
tanto musical como lírica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este disco encontramos 2 encares diferentes (en mi
opinión): uno que se asemeja al formato de canción más tradicional y otro, que
sin irse muy lejos, adopta el criterio de “pieza”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el primero, la estructura es algo que funciona como una
herramienta y es la textura lo que importa. No importa tanto el desarrollo
temporal, sino la idea, paisaje o sentimiento que se intenta transmitir, y esto
es logrado mediante una textura homogénea y no hace falta unir los acontecimientos
para comprenderlo. Es el todo lo que importa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el segundo, lo que importa más que nada es la estructura.
No se deja de lado ni en un segundo la textura, el timbre, pero por mi parte,
lo que más valoro es el desarrollo, la transición entre una parte y otra.
Mientras que en lo anterior se genera un paisaje intenso pero estático (en el
sentido de que no muta), aquí nos encontramos con paisajes que están en
constante cambio o una simulación de transportación de un paisaje a otro, como
si fuera un estilo de expedición.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En general, aunque la potencia en tema y tema varía, lo que
se genera es algo muy personal. Como dije, es música bastante introspectiva.
Cuando hay furia y estallido, no es como una actividad grupal, sino como un
deseo de liberación personal. Cuando hay algo más tranquilo, es un estado de
contemplación solitaria. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Se genera un ambiente bastante desértico, lo cual, unido a
la general energía de la música, puede llegar a recordar bastante al stoner rock
de los últimos años, más que nada al de Them Crooked Vultures, el proyecto de
Josh Homme, John Paul Jones y Dave Grohl, el cual contiene un sonido
típicamente de power trio, con mucha pesadez pero sin llegar a esa cosa densa
del stoner temprano, con una alta carga desértica y con una fuerte base de
blues rock pesado (bueno, tenemos a uno de los integrantes de Led Zeppelin).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Trota y Trota” abre el disco de la manera que debe ser:
dándonos la sensación de que un viaje ha comenzado. El tema sirve como el
perfecto punto de transición entre el 1er disco y lo que continuará, ya que nos
encontramos con el blues rock pero ya con una visión más poética. A su vez, de
a poco nos vamos topando con detalles, como lo es el piano monódico en el verso
o los teclados que simulan ser coros en el estribillo. Para no empezar con
melancolía, nos reencontramos con el cantar característico de la banda que
alude a la pronunciación de rock pesado latinoamericano de los ’70. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Campanario” demuestra claramente lo anteriormente dicho:
una minuciosidad en arreglos y paisajes más elaborados. Aquí se nos presenta un
rock de ruta de atardecer viajando por una carretera de penas. Pero lo
excelente es que la banda se las ingenió para agregar un sitar para acompañar
el riff, realzando de manera excepcional este paisaje con un aire exótico. Lo
bueno es que el sitar no es utilizado de ninguna forma para crear una especie
de espiritualidad hindú barata como lo han hecho varias bandas en la historia.
Aquí es un instrumento tan desgarrador como el bajo oscuro que le da ritmo al
tema. Pasada la mitad del tema, nos encontramos con un pasaje instrumental que
funciona de manera excepcional para crear un paisaje sonoro, ya que no hay una
melodía principal, haciendo que lo que importa es la textura general y así
lograr un paisaje estático. Este es sin duda uno de los temas que mejor armado
está y representa uno de aquellos en los que la estructura es lo que prevalece
sin nunca dejar de lado el clima.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://www.revolver.com.uy/img/fotos/01-matias-lasarte.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="214" src="http://www.revolver.com.uy/img/fotos/01-matias-lasarte.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Donde Has Ido” empieza como un típico rock de este género
con un riff muy simple pero pegadizo que se caracteriza por su cambio de acorde
en un tiempo débil. Pero en la mitad nos encontramos con otro paisaje sonoro,
esta vez mucho más rico desde el punto de vista tímbrico. En este, se genera
una especie de nube sonora muy clara debido a su carácter tonal, la cual evoca
un ambiente pasivo y hermoso, transformándose en lo más tierno de todo el
disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La canción bajo el título “Necesidad” es, a mi parecer, de
los mejores temas con potencia, pesadez y energía de la actualidad y me atrevo
a decir a decir de la historia del rock uruguayo. Desde su principio con un batería
tocada como un galopar de disparos, al cual se le une una sobrecarga eléctrica,
donde la guitarra con slide se gana todos los puntos, y finalmente un aullido
desgarrador que despierta el grito más profundo de cada uno, es básicamente 4
minutos de pura adrenalina, una estampida donde solo si uno libera el
sentimiento más primitivo que tenga guardado podrá sobrevivir. Aleluya por la
intensidad en hervor! <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Está picando alrededor” no podría ser mejor título para
esta canción. Es un tema con mucho groove y danza sobre una manta de rock muy
funky que recuerda a los temas más funk de Led Zeppelin y, por el riff y los
teclados, a lo más bailable de The Doors. Este tema es lo que es: una canción para
distenderse y disfrutar de un baile super rítmico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“A ningún lugar” nos baja a tierra con un rock más clásico,
tanto en la música como en las letras. Se asemeja mucho al primer trabajo de estudio
de la banda. De base blues rock con una actitud bastante alegre, puede recordar
a los temas más tranquilos de Ac/Dc, que igual significa potencia. Algo a
destacar es el pasaje instrumental de la mitad donde la guitara eléctrica, sin
mucha complejidad, logra una gran expresividad. Lo destacable de este pasaje es
que le da mayor valor al tema pero manteniéndose siempre en el mismo paisaje.
Sería algo que la colocaría entre esos temas con un ambiente estático y
aquellos que tienen una constante evolución, en referencia lo que les comentaba
en el principio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“En la Luz” es el que contiene una estructura evolutiva de
manera más eficiente. Su forma es cónica en todos los planos. La dinámica va creciendo
de a poco, al igual que la densidad instrumental, el gesto de ataque y por ende
el clima general. El principio tiene el pasaje instrumental más interesante del
disco, ya que su carácter hipnótico, misterioso y onírico le otorga una
cualidad sumamente abstracta e irreal capaz de ser interpretada e imaginada de
diversas formas. Yo sería capaz de escuchar varios minutos de esto y más nada.
De a poco se van uniendo otros instrumentos, siendo el piano y el ritmo de la
batería los que evocan un andar hacia la perdición. También la transición de
una tonalidad a otra, aunque esto puede ser discutible, está lograda de
excelente forma con un pasaje instrumental que conlleva al mismo y no está ahí
simplemente por estar. El canto en forma de coro ayuda a crear ese andar
desolado, como si estuviéramos yendo a una guerra pero con la cabeza en alto. Tal
vez no tenga la gran carga de detalles como “Campanario”, pero es sin duda el
tema más despegado de todos, pues su estructura difiere bastante de la de una
canción típica. Es una pieza evolutiva, con principio y fin. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Hombre”, aunque musicalmente no llame tanto la atención, ya
que se trata de un rock pesado y denso que se acerca mucho al stoner de tiempos
tempranos o más bien a Black Sabbath en su disco “Master of Reality”,
estructuralmente es bastante particular. Se trata de una larga estadía en un
solo acorde que da la ilusión de variar por su riff, el cual va acompañado de
una batería cuasi invariante y un pedal de piano y guitarra eléctrica. De
todos, es el que representa de mejor manera aquellos paisajes estáticos
(repito, estático no como sinónimo de inmóvil, sino de inmutable) donde no
importa tanto que sucede antes o después de tal cosa o cuánto dura, sino su carácter
general, sus límites. Es un paisaje eléctrico y pesado. Aquí podríamos aplicar,
de alguna manera, el concepto de ventana temporal, donde lo que escuchamos,
siendo en este caso casi 5 minutos, es solo una selección de lo acontecido. El
tema empieza y termina porque así está hecha la pista, pero podría durar
eternamente y ser nosotros quienes decidimos cuando entrar y salir de este
paisaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Vengan Todos a la Luz” cierra el disco con un largo jam de
blues rock clásico. Aquí nos encontramos con solos de guitarra, voces, etc.; la
clásica fórmula tan usada y reelaborada que nunca deja de funcionar porque no
se trata de una creación, sino un acto de socialización. Es bastante tranquilo
y distendido, con un riff que recuerda mucho a los de Robby Krieger y por ende
a The Doors. Me es un tanto confuso el cierre ya que veníamos con algo bastante
trascendental y todo se acaba con algo menos profundo y típico. Tal vez no se
asemeja con lo generado anteriormente y dicte una conclusión que no sería la
que me habría gustado escuchar. Eso es en una visión de “álbum”, ya que este
disco sin duda no es una compilado de temas disconexos creados en un cierto
período, sino que puede percibirse como un todo más allá de sus partes. Aun
así, el tema es excelente y dan ganas de escucharlo varias veces, sobre todo
por las participaciones de los vientos que le dan un toque especial.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Vengan Todos a la Luz” tiene como virtud el ser un disco
conceptual en un plano musical. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay muchas bandas que tienen discos con un sonido homogéneo,
pero generalmente esto se da por una postura estilística más restringida (o
muchas veces por la incapacidad de variar). Ac/Dc es una increíble banda y sus
discos, su música en general, es homogénea. Sin embargo, no creo que esto sea
por una postura conceptual. Obviamente que es porque ellos quieren tocar eso y
no otra cosa, pero no lo veo como un concepto. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este álbum, Revólver es sin duda consciente de ello. Por
un lado, porque hay un enorme vínculo entre canción y canción. La forma en que
están trabajados los temas demuestra un criterio en común, tanto por la parte
estructural como por la parte sonora. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero más que nada, porque aunque contiene una base y una
estética bastante clásica, la forma de concebir estos temas, sus arreglos,
pasajes, etc, es en momentos bastante atípica o llevada a un nuevo extremo. Y
cuando algo es atípico y reiterado, entonces pasa a ser algo consciente, algo
que forma parte del trabajo e idealización previa a la creación. Y es esto lo
que valoro. Logran un disco con un sonido propio que forma parte de un concepto
y no una mera posición estilística o de gustos propios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Desde hace ya varios años que digo que Revólver no solo es
de las mejores bandas de la actualidad en Uruguay (y porque no en su historia),
sino que es de las mejores de la actualidad en el rock en general. Y con
actualidad me refiero a bandas que se han formado en los últimos años, porque
Pearl Jam, por más de que sigue tocando y sacando discos nuevos, no es de la
actualidad, sino que ha llegado a la misma. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero esto lo decía con solo un disco de estudio, uno que no
llegaba a la madurez musical ni al sentido artístico que se logra en este. Y es
por esto que mi declaración no solo sigue vigente, sino que ha sido reforzada
de manera exponencial.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Venga Todos a la Luz” nos trae a Revólver mejor que nunca y
así, al rock actual con nada que envidiarle a bandas del pasado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
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<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
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<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><o:p>Aquí podrán ver el videoclip de la canción que le da nombre al disco: </o:p><a href="http://www.youtube.com/watch?v=N1obsz7gnAs" rel="nofollow nofollow" style="background-color: white; cursor: pointer; font-size: 13px; line-height: 16px; text-decoration: none;" target="_blank"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/<wbr></wbr><span class="word_break" style="display: inline-block;"></span>watch?v=N1obsz7gnAs</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Porque es una banda under y a su vez solidaria, de aquí podrán bajar "Vengan Todos a la Luz" y el primer disco "Peligroso Río" de forma gratuita, así como enterarse de las últimas noticas e información de la banda: <a href="http://www.revolver.com.uy/"><span style="color: red;">http://www.revolver.com.uy/</span></a></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA SEMANA QUE VIENE (PROMETIDO)!!!!!</span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-22221615349324142092013-10-17T18:05:00.000-07:002013-10-19T07:04:49.946-07:00Oro - "Blues Pesado"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Ke4YCS7wqH2hU3D_1lrls9rHtmwmjQywR2CKycSam3eFGWC5CHKegBx3ySk_naLIVTsPf7flqs87cILCTeTBmNlPzIpu24hl_kLqCZ5HWVte8HFxau0mb1pDDrmAILl4fu8fEWUxxrLX/s1600/bluespesado-descarga-grande.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><img border="0" height="307" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8Ke4YCS7wqH2hU3D_1lrls9rHtmwmjQywR2CKycSam3eFGWC5CHKegBx3ySk_naLIVTsPf7flqs87cILCTeTBmNlPzIpu24hl_kLqCZ5HWVte8HFxau0mb1pDDrmAILl4fu8fEWUxxrLX/s320/bluespesado-descarga-grande.png" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Finalmente ha llegado y hoy hago la reseña.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hoy voy a dedicarle una reseña al álbum que anticipé hace
varias semanas: “Blues Pesado”, el último trabajo discográfico de Oro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Obviamente, hay cosas que dije en aquella reseña de adelanto
que las repetiré en esta, pero intentaré ir más profundo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como les había comentado, Oro es parte de un círculo de
bandas de la movida under uruguaya, junto a Matias Cantante y los Extraterrestres,
Revolver y otras. Aunque son fácilmente diferenciables, más allá de que
Revolver y Oro son las que tienen una base bluesera más fuerte, tienen en común
que todas parten de una idea del rock en su mayor pureza (a veces no tanto en
lo musical, pero sí en el concepto).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Oro es rock en su definición más pura: tocan
rock, las letras hablan de rock y tiene actitud de rock. Partiendo de una base
de blues-rock con aires pesados y llegando en momentos a algo bailable y
movido, esta banda claramente tiene influencias de las bandas más prominentes
de este género, como Ac/Dc, Rolling Stones, ZZ Top y Cream (esta última por el
formato más que nada). Tal vez de estas, la más notoria es Ac/Dc, debido a la
pesadez. Aun así, en Oro el blues es mucho más fuerte que en Ac/Dc. Otra gran
influencia es Motörhead. Tal vez no tanto por el estilo, pero sí por la
velocidad y potencia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero hay una banda que es tal vez la mayor influencia, o más
que influencia, su “padre”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El origen de la banda trasciende su propia historia de
alguna forma. Allá por finales de la década de los ’60 y comienzo de los ’70,
hubo un estallido musical en Uruguay: el nacimiento del rock uruguayo. La cosa
ya había arrancado con varias bandas, sobre todo con Los Shakers. Sin embargo,
fue durante esos años en el que ya no se trataba de bandas aisladas, sino de
una movida general. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aparecieron bandas con una fuerte base rockera, que en
ciertos casos incluía un poco de la tradición musical uruguaya. Los géneros
eran diversos, pero había algo en común: ninguna tenía absolutamente nada para
envidiarle a las bandas anglosajonas. Y lo más interesante (que lo hace análogo
a lo que sucede con el círuclo de Oro) es que eran bandas amigas en el mayor de
los sentidos. Los músicos en varias bandas se repetían o se invitaban entre
ellos. Había varias bandas, pero era una única “sociedad”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una de estas bandas fue Días de Blues, una banda de base
blues-rock al estilo Cream, con gran técnica instrumental, jams de larga
duración y un sonido sucio y oxidado. Lamentablemente, la banda lanzó un solo
disco de estudio y ninguno en vivo. Y debido a la partida de varios músicos y la
posterior llegada de la dictadura (aunque, según el historiador Fernando
Pelaez, los músicos “se fueron porque quisieron”), no hubo una legacía, al
menos no a corto plazo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Oro retoma ese acercamiento al rock olvidado en nuestro
país; retoma el blues rock de Días de Blues pero con una idea más actual. Es el
puente que faltaba.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La banda está constituida por Santiago Bondoni (guitarra y
voz), Guillermo Madeiro (bajo) y Federico Anastasiadis (batería, percusión y
voz). Acá ya tenemos una prueba de este círculo under uruguayo, pues el
baterista de esta banda es a su vez el de Los Extraterrestres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Bondoni es literalmente un maestro de la guitarra. No hace
nada innovador y tal vez no llega al punto que podamos decir “sí, tiene su
propio estilo y sonido”. Pero es una enciclopedia. Parecería que supiera todos
los licks y fraseos existentes de este género. Lo que sea que exista en el
blues rock, él lo sabe tocar. Lo bueno es que no se queda en la imitación y
nada más. Sabe cómo combinarlos. Pero lo más importante es que los comprende.
Es fácil aprenderse todos los trucos y tocarlos, pero eso no significa que uno
sepa de qué se trata. Y es esa comprensión que lo hace capaz de crear riffs
pegadizos y con gran expresividad. Hasta el más simple tiene su propia
identidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Anastasiadis demuestra una gran versatilidad. Nunca hace un
solo virtuoso o un ritmo complejo de 7 contra 3. Sabe que es lo que se precisa
en cada momento. ¿Una batería potente? Ahí la tienes. ¿Un ritmo denso y
decaído? Ahí va. Sabe lograr lo necesario sin tener que sacar un arsenal de
fuegos artificiales. Es un baterista que sabe sintetizar. Lo que afirma esta
versatilidad es que sus participaciones en Oro son muy diferentes a las de Los
Extraterrestres, que, aunque no son bandas que estén muy alejadas
estilísticamente, son diferentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Madeiro es aún más económico. Sus líneas son simples y
fácilmente tocables. Pero tiene un sonido especial. Es de esos bajos que
funcionan como guitarra al mismo tiempo, ya que su espectro ocupa tanto el
registro de los graves, que es la zona que le pertenece a este instrumento por
excelencia, pero a su vez tiene su peso en los medios, yendo de la mano con la
guitarra. Esto recuerda mucho a los bajos de Lemmy. En lo personal, me importa
la técnica, pero soy un oyente que va siempre por el sonido primero. Me gusta
sentir la presencia del sonido como materia autónoma, cuando el sonido escapa
de las propiedades de la escala, la armonía, la tonalidad, etc. Y creo que es
lo más interesante de esta banda: el sonido del bajo. Es un sonido tan cargado
que pareciese que a uno lo rodea. Tal vez en el disco de estudio no se siente
tanto, pero en vivo es la estrella en el plano sonoro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay 2 aspectos de Oro que hacen que la banda llegue de
verdad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado, es una banda de amigos. Por más que uno no sepa
su historia, la cual se trata de 3 amigos que simplemente quieren tocar música,
por los cantos en conjunto en forma de hinchada de estadio y las letras que una
y otra vez reafirman la importancia de la amistad, uno nota que la unión es
fuerte. Y eso se transmite.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero lo más importante es que son genuinos. Sí, hablan de
rock, alcohol, mujeres y amigos, y sí, tocan blues rock en un estilo que poco
tiene de innovador y con gran ambiente de fiesta rockera. ¿Pero saben qué? Uno
de verdad se lo cree. Se lo cree porque tocan vestidos como andan por la vida
misma, porque son cercanos al público, porque al terminar un concierto no lucen
bien y porque no andan con pretensiones. No hay nada por delante de la música.
A Neil Young le creo cada cosa que toca y dice lo que cree y practica, porque desde que empezó, ha
sido el mismo. Nunca ha buscado formas para vender su música, ni musicalmente
ni trayendo un show gigante. A U2 no le creo nada. Una banda que dice “ayudemos
al mundo” o quieren lucir como rockeros, pero mientras tanto tapan su “arte”
con una fachada de fuegos artificiales, looks de revista de moda y shows
carísimos con toda la última tecnología intentando estar lo más actual posible,
es una banda que tiene el dinero por delante de la música. El acto musical
termina siendo como una película 3D, donde la temática vacía y sin contenido es
tapada por una fachada de efectos innecesarios, transformándolo en un mero acto
de entretenimiento vendido como arte. Oro, como varias otras, es una banda
under. Y es esta la razón por la que me creó absolutamente todo lo que tocan y
dicen. No tienen un contrato discográfico, no pueden hacer shows
multitudinarios (recién el de este 24 de Octubre puede llegar a ser su primero
y aun así no va a ser un super show), no ven una moneda de todo esto. Este es
su 2do disco y el dinero sale de sus bolsillos y son ellos mismos los que van a
salir a vender cada copia y con suerte podrán recuperar el dinero que
invirtieron. Y esto ni nada los frena. Van por la música y nada más. Y si la
suerte les pasa por su casa, podrán ver el éxito que merecen pero sabemos bien
que nunca dejarán de ser una banda under en sentimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Blues Pesado” es el 2do trabajo de estudio de Oro, el cual
será lanzado este 24 de Octubre junto a la presentación del mismo en el Teatro
Alianza (todos los datos están en el afiche que se puede ver en la parte
superior derecha de esta reseña).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En esta vuelta, la banda se adentra aún en el género que
tocan. Aunque no nos alejamos del territorio del blues rock y rock and roll
pesado, sin duda el abanico se ha abierto. Hay mayor variedad de climas, mayor
diferenciación entre tema y tema. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El primer álbum, “Oro”, se trataba de un estallido a toda
velocidad de principio a fin. Es un disco de euforia durante toda su duración.
En “Blues Pesado” tenemos oportunidad de calmarnos, o más bien, entrar en
diferentes estados anímicos. Obviamente nos encontramos con esos temas en 5ta a
fondo, pero también con canciones más desoladoras o incluso alegres de fiesta. Es
un disco musicalmente más maduro y con mayor cantidad de detalles, haciendo una
transición de un sonido puramente garagero a algo más de estudio (sin llegar a
una super producción).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Incluso las letras presentan nuevas temáticas. Nos seguimos
encontrando con temáticas sobre mujeres, alcohol, rock and roll y amigos, pero
parecería que estuvieran tratados de una forma más madura y reflexiva. También
se tratan temáticas de la vida como en “Lo que aprendí”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo que caracteriza al álbum y que ayuda mucho a que haya
una mayor variedad de climas y detalles son los varios pasajes instrumentales.
A veces son pasajes con solos que vuelven a lo anterior. Pero lo interesante es
cuando sirven como puente hacia nuevas secciones muy diferentes a lo que se
escuchaba en el principio del tema correspondiente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco abre con “Lo que mueve nuestros pies”, un tema
pesado y enérgico de principio a fin. Los cantos grupales en forma de grito
ayudan mucho a generar esa euforia típica de la banda. Lo interesante son los
teclados que decoran el tema, pero más que nada, las múltiples variaciones del
riff, logrando un tema cuasi-seccionado y manteniendo el interés
constantemente. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“El escuadrón” nos lleva a un hard rock al estilo de ZZ Top,
con guitarras potentes y riffs concisos pero super rítmicos. Algo interesante
son las diferentes secciones instrumentales de poca duración que rompen una
posible estaticidad. Pero lo más interesante está en el minuto 3:20. Aquí
entramos en una transición pesada de ultratumba, algo así como un pasaje a la
muerte. Sin duda el que prácticamente toda la duración de esta sección sea
bastante estática ayuda a dejar crecer ese sentimiento de perdición en el
oyente. Constructivamente, es el mejor tema.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Bandida” es un rock and roll bailable del más puro. Sería
lo que definiría como una visión de Chuck Berry en el siglo XXI. Como tal, hay mucho ritmo y alegría y sin duda
despierta las ganas de bailar desde el alma (algo que se ha perdido gracias a
las discotecas plagadas de música con una enorme pretensión que viene
acompañada de una excesiva preocupación del pensamiento ajeno y por ende, el
baile se transforma en una demostración más que en una liberación personal). El
premio del tema se lo lleva la capacidad de lograr riffs super simples pero
atrapantes y el piano que acompaña y ayuda a transportarnos a esa pista de
baile de rock and roll. Muy interesantes las intervenciones de la guitarra, que
sin duda se asemejan a las del rock and roll de los ’50 de excelente manera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Queremos lo mismo” tiene el mejor riff del disco, el cual
se vuelve pegadizo por la bajada pentatónica que luego de la nota más grave, hace
un salto a los agudos. Es un blues rock pesado que logra una especie de
encuentro entre Cream y Blue Cheer. Su duración es de casi 7 minutos, pero
debido al clima de jam, podría durar tranquilamente el doble. Es sin duda un
tema diseñado para tocar en vivo y lo que escuchamos aquí es solo una sinopsis
de la verdadera magia. Nuevamente nos encontramos con la característica
principal del disco: el tema cierra con un blues semi acústico lento y denso,
dividiendo el tema en 2 secciones diferentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego nos encontramos con “Lo que aprendí”, un blues-rock
desolado con el sentimiento de blues más puro.
Es de esos temas que invitan a la improvisación y que sin duda lo mejor
sería escucharlo en vivo. Es interesante como, más allá de que sea un típico
blues-rock que obviamente no sorprenderá a nadie, se logran pequeños detalles,
tanto melódicos como de la banda trabajando en conjunto, que mantienen la
atención constantemente. También es interesante la participación del trombón
que se puede escuchar en momentos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“La noche en la cara” es un tema de rock and roll puro con
su toque de suciedad y blues. Gracias a su duración de 2 minutos, simpleza y
familiaridad, sirve como una especie de descanso y limpieza para lo que sigue.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“En falso” es la que tiene el ambiente más emotivo de todos,
en el sentido de que es posible que sea la que tenga la mayor capacidad de
despertar un sentimiento más profundo. Su aire es desolado y de atardecer. Es
lo que denominaría un tema para la ruta. Su ritmo es llevadero y tiene una
enorme carga de sonido. Estilísticamente es difícil de definir. Sigue siendo un
blues rock, pero en momentos, debido a la guitarra tocada con slide (que en mi
opinión, es la crema guitarrística de todo el disco), recuerda muchísimo al
sonido de “Physical Graffiti” de Led Zeppelin, sobre todo a “In My Time of
Dying”. Pero al mismo tiempo, debido a los teclados, podemos llegar a tener
recuerdos de The Doors de los primeros tiempos o de “L.A. Woman”. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“La jugada” es el tema diferente. Su riff es alegre y
positivo. No pierde el aire rockero, pero sin duda deja de lado la actitud
sucia a la que estamos acostumbrados con Oro. Lo más interesante son los
vientos, con participaciones en forma de coro. Gracias a estas 2 cosas, un
paisaje de fiesta es plasmado de manera perfecta. A veces es necesario festejar
los buenos tiempos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Venimos por más” logra la pesadez que necesitábamos. Nos
reencontramos con la velocidad, el desgarre fuerza de siempre. Pero gracias al
riff oscuro, el sentimiento se potencia, pasándolo de algo desafiante a algo
más cercano a la perdición. Como en “El escuadrón”, nos encontramos con
múltiples secciones caracterizadas por diferentes riffs y ritmos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Si es así” es el cierre perfecto para el disco. Desde su
principio, con su riff de 2 notas, ritmo de marcha y estaticidad desértica, nos
da la sensación de que todo lo anterior era una simple introducción a esto: un
tema de 7 minutos y medio cargado de energía e improvisación. Más que un tema,
es una banda sonora. Lo más interesante de esta canción es también lo más
interesante del disco: del minuto 5:38 al 6:21 nos hundimos en una nota pedal
que va creciendo como una ola, acompañada de coros con gran reverberación,
dando una sensación de lejanía y espacialidad gigante. Todo esto alimenta el sentimiento
destructivo. Es un tema que de tener una duración de 15 minutos en una versión en
vivo, sería la gloria de la banda. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay 2 cosas que faltaron en el disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para empezar, un tema acústico. Creo que al tratarse de un
disco que atraviesa varios senderos, un tema acústico habría ayudado a darle
aun más valor y calidad. Además, sería de gran interés escuchar las ideas
acústicas de esta banda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Lo otro (y esto es sumamente personal) sería que los bajos
no tienen el volumen necesario. Tienen gran participación y marcan la
diferencia, pero sin duda que de tener una mayor presencia en algunos temas, el
disco podría realzar aun más esos paisajes que se evocan. Claro, esto es por mi
experiencia en vivo con la banda, algo que comentaba párrafos atrás. Pero
viéndolo de otra manera, tal vez podría decir que es bueno, porque significa
que la verdadera magia de la banda está cuando uno se encuentra en su presencia.
De alguna forma, el disco es una representación de la banda y no la banda en
sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Blues Pesado” marca un avance en Oro. Sin alejarse del
sonido y estilo que los marcó en su primer disco, exploran los territorios ya
visitados e incluso viaja por otros nuevos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como dije, son los detalles y, por sobre todo, los
diferentes pasajes y secciones que caracterizan a este disco y que le dan ese
toque diferente. Estas 2 cosas permitieron que la banda siguiera tomando el
blues rock como su fuente compositiva pero aun así lograr temas con mayor interés,
variación, impredecibilidad y mayor nivel artístico. Marcan una unión entre el
blues rock, caracterizado por su simpleza compositiva y aire de improvisación,
y un rock más artístico, con pasajes instrumentales y un mayor trabajo en el
armado. No es solamente un disco con
enorme madurez, sino que es muchísimo más profesional, tanto instrumentalmente
como compositivamente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es una enorme alegría que bandas como esta formen parte de
la nueva generación de bandas de rock de Uruguay. Entre tantas bandas con poca
energía o mensajes sin contenido, es bueno tener una banda que tenga la
potencia, euforia y genuinidad que poco se ve en estos días donde hay más
industria musical que música.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Este Jueves 24 de Octubre será la presentación del disco en
el TEATRO ALIANZA (Paraguay esquina Soriano) a las 21 30 hs. La entrada cuesta $250
y la banda estará vendiendo su disco. Los invito a que los acompañen para saber
de qué se trata esto que les traigo porque es en vivo donde está la esencia de
la banda. Y los invito a que compren el disco. Como podrán ver más abajo, hay
un link para bajar el álbum gracias a la banda. Yo como gran melómano voy a
comprar el disco. Pero sé que hoy en día la descarga es algo al alcance de
todos y es más barato. Si fuera una banda grande no sería importante. Pero esta
vez se trata de una banda under, una banda que hace esto porque de verdad lo
aman y han sacado cada moneda de su bolsillo para hacer esto posible. Y lo han
hecho para nosotros. Cuando uno escuche este disco, va a recibir algo y si le
gusta, algo habrá cambiado. Para hacer que esta y otras bandas sigan, hay que
apoyarlas. Aunque no lo crean, es una diferencia. Para Aerosmith, por ejemplo,
la compra de un disco es una compra más y una entrada a un concierto es un
asiento ocupado más. Para una banda under, la compra de un disco es recuperar
lo gastado y a su vez una enorme alegría, porque esa compra la presencian. Y
una butaca ocupada es una inspiración más y otra enorme razón para seguir y no
tirar la toalla. En “Lo que aprendí”, Oro dice “Y la vida se trata hermano de
pelear por lo que querés”. Y de eso se trata esta venta y este concierto:
alcanzar un sueño. Y ese sueño no es el éxito económico ni la fama. Es el éxito
musical, que el arte que uno crea le llegue al corazón de la gente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Blues Pesado” nos trae a Oro renovado y con muchísimo para
ofrecer, demostrando nuevamente que no hace falta buscar en el exterior para
encontrar bandas con fuerza y actitud. Solo hace falta buscar en donde nadie
quiere ver. Pero más que nada, demuestra que con amigos y honestidad, la música
nace.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo una filmación con el proceso de grabación y entrevistas que cuentan un poco sobre la historia de esta banda: <a href="http://youtu.be/5NlvD43TGHE" rel="nofollow nofollow" style="background-color: white; cursor: pointer; font-size: 13px; line-height: 16px;" target="_blank"><span style="color: red;">http://youtu.be/<wbr></wbr><span class="word_break" style="display: inline-block;"></span>5NlvD43TGHE</span></a></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Y aquí les dejo el link para descargarse el disco y también descargar el primero: <a href="http://www.orobluespesado.com/"><span style="color: red;">http://www.orobluespesado.com/</span></a></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">ESPERO QUE LES GUSTE!!!</span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<b><i><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">"<span style="background-color: white; color: #333333; font-size: 13px; line-height: 16px;">QUE SIGA SIENDO Y QUE NUNCA FALTE"</span></span></i></b></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-59407494892481917762013-10-01T19:55:00.000-07:002013-10-02T11:09:44.985-07:00Alejandro Pacello - "Luar"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-49zwsjkriMV0c6J2SSEHYO5cbS9lyTE95xPzHbjRIQPUNYuv2I-ludLCwhzh7tuGqMd5tUhTASTziBJ0ymBFuGkJLKUjBGVoLnx8VQyzQcqzR3dB_ixBillErhadxIs6gMHokJUwzH15/s1600/tapa_luar_pacello.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-49zwsjkriMV0c6J2SSEHYO5cbS9lyTE95xPzHbjRIQPUNYuv2I-ludLCwhzh7tuGqMd5tUhTASTziBJ0ymBFuGkJLKUjBGVoLnx8VQyzQcqzR3dB_ixBillErhadxIs6gMHokJUwzH15/s1600/tapa_luar_pacello.jpg" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para terminar con la línea de jazz por unas semanas, les
traigo hoy un disco de un artista de mi país, Uruguay, que me ha dejado
boquiabierto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El guitarrista Alejandro Pacello es de aquellos que no
pueden encasillarse en un estilo. Es verdad, su base es de jazz. Eso es
incuestionable. Pero al tratarse de un músico de estos últimos años y viviendo
un ambiente donde ya han sucedido muchísimas cosas, es más fácil extender el
lenguaje hacia varios territorios. Y por suerte lo hace.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Se podría decir que la música de Pacello parte del jazz
fusión, teniendo como referentes a Allan Holdsworth, John McLaughlin, John
Abercrombie, Scott Henderson, etc. O sea, aquel jazz fusión donde el jazz
predomina más que el rock y que contiene poco y nada de funk como Weather
Report o los trabajos de Herbie Hancock. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí es donde podemos notar la genialidad guitarrística,
donde utiliza un lenguaje que tira más al jazz que al rock, pero que, debido al
sonido crudo y distorsionado, lleva a este último de la mano. No es tanto el
lenguaje lo que sorprende. Es muy bueno y de verdad lo domina, pero es esa
dicotomía que hay con el timbre eléctrico cuasi garage rock que le da el
verdadero gusto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, y por suerte, no se queda solamente en estos
territorios. En la música de este artista también nos encontramos con un lado
acústico y es aquí donde se vuelve más rica la cosa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pacello tiene un dominio de la guitarra acústica excelente,
con una técnica clásica que no tiene que envidiarle a otros grandes. Aquí nos
podemos encontrar con ambientes calmos y meditativos, así como otros con mayor
euforia y energía. A su vez, estos ambientes también están condicionados por
diversos enfoques, ya que hay momentos en los que no se deja de lado el
lenguaje de jazz más clásico, acercándose a los trabajos solista de Joe Pass,
otros en los que se puede escuchar un estilo más cercano al sello de la ECM,
teniendo a Ralph Towner como referencia, e incluso momentos en los que una
especie de folk new age logra vida a través de las cuerdas de su guitarra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo interesante es que, a diferencia de una larga tradición
en Uruguay, no hay ni un asomo de candombe pero sin embargo suena uruguayo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"> En muchísimos
conjuntos de jazz del Uruguay, hay un enorme uso de candombe y esto se ha
vuelto, por mi parte, cansador. Como principio, o sea, el tener un lenguaje que
pertenezca a la identidad de uno, me parece genial y super respetable. Pero el
problema es que (y esto para TODA la música), si uno no incluye candombe,
carnaval, milonga o el género de raíz nacional que sea, entonces no es
uruguayo, lo cual obviamente es una estupidez. Pero a su vez, esta gran mayoría
resuelve las cosas de la misma manera. Algunos serán más minuciosos que otros, pero
al final, todo suena parecido. No igual, pero sí muy parecido. Salen nuevos
discos y nuevos temas, pero ya los he escuchado millones de veces. Me parece
genial incorporar esas tradiciones al jazz o al género que sea, pero el método
con el que se los incluye está oxidado y no da para más.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Luar”, lanzado en el 2012, es el 2do trabajo discográfico de Alejandro Pacello,
siendo el primero “Trio” lanzado hace ya varios años, allá por el 2000. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En el interior del disco, nos encontramos con una frase
escrita por el mismo guitarrista que dice: <i>“Este
trabajo intenta tender un puente entre dos universos musicales: por un lado las
piezas para guitarra sola, la música escrita y la guitarra clásica, y por otro
el jazz fusión, la improvisación y la guitarra eléctrica”.</i><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque esto no es tan equitativo como suena, ya que hay una
clara predominancia de la guitarra clásica solista y aún más de la “música
escrita”, es lo que sucede en este disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Nos encontramos con temas en los que Pacello toca en
solitario su guitarra clásica, viajando por diferentes paisajes y estados de
ánimo, temas en los que aún hay guitarra clásica y partitura pero acompañado de
banda y temas totalmente electrificados donde la improvisación y la energía
están en el volante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para este disco, Pacello contó con la presencia de Martín
Cruz (batería) y Andres Pigatto (contrabajo) en “Jazz Sonatina” y “Hacia otro lugar” y con Cruz y Nacho Correa
(bajo eléctrico) en “Montevideo a media noche”.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Debido a su clima predominantemente acústico solista, es un
disco muy entrañable y meditativo. Claro, obviamente que en los temas en donde
nos topamos con la energía e improvisación no, pero son pocos los casos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco abre con “El regreso de Fiticus”. Creo que si me
hubieran dado a mí para elegir el orden de los temas, habría puesto este como
el primero también. Es un tema solista de gran energía; una especia de aventura
donde algo nos acecha, con un ritmo tensor y una progresión armónica y arreglos
que poco tienen que envidiarle a piezas clásicas de la índole de Abel Carlevaro,
que sin duda es una influencia de este guitarrista. Técnicamente es destacable,
logrando una especia de doble guitarra con un bajo rítmico tocado con el pulgar
mientras los demás dedos hacen la especie de melodía. Esto puede hacer recordar
a la técnica de Bruce Cockburn. Sin embargo, estilísticamente, se encuentra en
un ambiente enérgico y progresivo que a los pocos segundos se asocia con
Egberto Gismonti. Es tal vez la joya del disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Una mujer en la playa” nos lleva al lado de jazz acústico
más tradicional. Rápidamente se nos vienen a la cabeza varios nombres: Joe
Pass, Pat Metheny, John Abercrombie y Bill Connors en su faceta acústica y más
que nada Ralph Towner, entre otros. Es un tema super tranquilo, contemplativo y
bello, cargado de detalles, donde se plasma perfectamente la música escrita con
el jazz. Destaco el detalle de cambio armónico mediante un desliz en el traste
de la guitarra en lo que vendría a ser el estribillo de la canción (apareciendo
por primera vez en el segundo 24). También es muy interesante el cambio que
sucede por el minuto 3, llevándonos a un lugar más oscuro y tenebroso que
recuerda mucho a los hermosos paisajes del disco “Characters” de John
Abercrombie (una enorme gema del jazz acústico).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Atardecer” es la más tranquila, evocando el tal vez paisaje
más bello del disco (tomando la definición más clásica de paisaje bello).
Basada en un arpegio que sufre ciertas variaciones a lo largo de la canción,
cuenta con grandes detalles sin llegar al virtuosismo que podíamos encontrar en
los temas previos. Podría denominarse como una canción folk new age de buena
calidad, recordando a las grabaciones de guitarra solista de los discos de la
discográfica Windham Hill, en especial las de William Ackerman. Aun así, y por
suerte, no llega a los niveles de ternura barata de varias de estas
grabaciones. Está en el punto preciso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Janaina” es la última acústica solista antes de pasar al
formato de banda. Aquí nos encontramos con otro enfoque. Nos alejamos del jazz,
folk y todo lo anterior y nos vemos en un mundo neo-romántico académico que
recuerda a aquellos compositores de guitarra clásica, como Mario
Castelnuovo-Tedesco y Alexandre Tansman, que en el siglo XX adoptaron el lenguaje
musical neoclasicista que tanto tocó el conocido Andrés Segovia (al cual le
tengo enorme repudio por haber atrasado por largo tiempo el repertorio de la
guitarra clásica por haber sido un asqueroso clasicista autoritario, ya que era
casi que el único guitarrista conocido de esa época, y no querer tocar
absolutamente ninguna pieza de compositores contemporáneos de aquel entonces
que presentaban un lenguaje más innovador. Gracias a Dios apareció Leo Brouwer
y cambió toda esa situación).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Ahora nos encontramos con “Jazz Sonatina”, una sonatina de 3
movimientos compuesta por el compositor serbio Dusan Bogdanovic para guitarra
solista y arreglada para trío por Pacello para los movimientos I y III. Por un lado puramente objetivo, la pieza (y
con esto me refiero a lo creado por Bogdanovic) no tiene gran valor. No hay
ningún planteamiento armónico que llame la atención, mucho menos la
construcción, que se basa en un modelo clásico que se viene utilizando desde
hace siglos. Técnicamente, tampoco introduce nada nuevo. A su vez, la mezcla de
música clásica con otros lenguajes como el jazz no es nada innovador.
Básicamente, es una pieza que podría saltearse o incluso faltar en el
repertorio musical. Por el lado subjetivo, es una pieza con energía a imaginación
y con varios cambios de ánimo manteniéndose siempre en un mismo paisaje. En lo
personal, me gusta. Pero acá lo interesante es el arreglo. No es nada
arriesgado en sí. No es como la adaptación de “Bourée” de Bach a banda de rock por
Jethro Tull u otras composiciones barrocas para banda de heavy metal (algo que
es tan asqueroso y terraja como las mismas guitarras que usan los que tocan esa
música. Amigos, hay cosas que funcionan y otras que no, y no sé en qué
dimensión, galaxia o universo encontraron esa combinación como respuesta a sus
ansias de tocar música...). Por tratarse de una sonatina con enorme uso de un
lenguaje de jazz, adaptarla a un trío de esa índole no parecería descabellado.
Pero fue Pacello quien lo hizo y es una idea genial y funciona perfectamente.
Vale la pena apreciar los arreglos logrados para esta pieza musical.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A esto le sigue “Hacia otro lugar”, el primer tema donde
aparece la guitarra eléctrica. Basada en el tercer movimiento de la Sonatina,
nos encontramos con un jazz fusión con gran energía y enorme destreza técnica.
Aquí podemos notar el sonido rockero de este guitarrista que, manteniendo un
lenguaje puramente jazzístico, logra ensuciar todo con alta distorsión y shredings
rapidísimos. No hay que dejar de lado los aportes del baterista Martin Cruz
quien logra mantener el ritmo sin dejar de lado los pequeños detalles.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Montevideo a media noche” es el tema puramente eléctrico,
ya que, además de la guitarra eléctrica, nos encontramos con el bajo eléctrico
de Nacho Correa. Este debe ser el tema que está más apartado del resto del
disco, pues, por más que el tema anterior fuera con guitarra eléctrica y con un
lenguaje de jazz fusión, el resto de los instrumentos era acústico y se trataba
de una especie de variación de la sonatina. Tal vez este sea el único caso en
donde el género sea más cercano al de otros temas del repertorio uruguayo,
sobre todo por el ritmo proporcionado por la batería. Aun así, esto es leve.
Aquí podemos escuchar fuertes evidencias de Allan Holdsworth en sus trabajos
que empezaron a finales de los ’80 y los
trabajos de los últimos años de John McLaughlin. Lo interesante es que, aunque
sea puramente eléctrico, no es un tema que llegue a un nivel energético tan
grande. Nuevamente los solos de guitarra de Pacello son sorprendentes, haciendo
gritar a la guitarra con un nivel preciso de distorsión. Por mi parte, me
habría gustado que el bajista en este tema, y también en el anterior, hubieran
tenido una participación con mayor presencia. Algún solo o tal vez un momento
puramente rítmico. Aun así, destaco las participaciones por parte de Correa,
con un aire funky super rítmico que no caen en el típico tributo a Jaco
Pastorius, logrando líneas muy cantables.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Joaquín” despide el disco como debía serlo: un tema
acústico solista. Es muy bello, gentil y super entrañable que en cierta forma
deja un sentimiento de tristeza por tratarse del final de este álbum. Sin
embargo, nos despide de una gran forma, con ambientes nocturnos y misteriosos
que desembocan en una melodía amistosa que le dibujan una sonrisa al oyente. Es
de esas canciones que uno podría escuchar para despedir la noche cuando se
encuentra en las afueras de la ciudad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Luar” nos presenta un abanico de estilos que toman como
punto de partida el jazz, pero que pronto sacan raíces hacia otros campos. Es
imposible catalogar de forma adecuada a este disco porque hay más de un mundo
viviendo al mismo tiempo. Ponerle la etiqueta de “jazz” es lo más fácil y
evidente, pero quiero dejar en claro que esto lo hago simplemente para dar una
idea y sin duda no merece etiqueta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es un disco interesante porque nos transporta a un universo
muy rico en tan solo 36 minutos. Son 36 minutos de arreglos exquisitos,
paisajes diversos muy bien pintado y de una fineza musical enorme. Es un disco
muy bien trabajo pero careciente de pretensión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">A su vez, lo destacó por tratarse de algo diferente. Tal vez
no tanto a nivel internacional, aunque podría incluirse tranquilamente en un
catálogo de la discográfica ECM, cuyo sonido se asemeja mucho al de este disco,
y no pasar desapercibido en absoluto (y mucho menos envidiarle algo a otros discos).
Pero sí a nivel nacional. Hasta ahora no había escuchado una propuesta de este
estilo en el campo del jazz uruguayo y sin duda me da mucha alegría que alguien
como este gran guitarrista se tome el riesgo de aventurarse por estos territorios
tan poco explorados en el jazz nacional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">2 párrafos atrás decía que la etiqueta de jazz no describe
todo lo logrado en este disco. Yo diría que la indicada es “música”…..y de la
buena! <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo el Soundcloud de este artista donde podrán escuchar algunos de sus temas y samples de otros, y dónde podrán comunicarse con él si tienen ganas de adquirir su disco, que esperemos que así sea (al menos es mi recomendación...):<span style="color: red;"> <a href="https://soundcloud.com/alejandro-pacello">https://soundcloud.com/alejandro-pacello</a></span></span><br />
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">También les dejo su MySpace: </span><a href="https://myspace.com/alejandropacello/music/songs"><span style="color: red; font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">https://myspace.com/alejandropacello/music/songs</span></a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA!!!!</span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-67864437035521445382013-09-16T17:54:00.000-07:002013-09-16T17:54:26.758-07:00Avishai Cohen with Nitai Hershkovits - "Duende"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2z-CmTH8ERx6200Mfl7u0K7HsQE3hIsC0k7MsH5SOv_kXSp92OAj-v67QSliMus5IqLcnUQwlGTIRvOejiPvXmOY-QGIKb4vNWoR1hSrHF58aWTpyBC7bI3wT9NE1YlKfEMW8G4vh4bU/s640/1b.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2z-CmTH8ERx6200Mfl7u0K7HsQE3hIsC0k7MsH5SOv_kXSp92OAj-v67QSliMus5IqLcnUQwlGTIRvOejiPvXmOY-QGIKb4vNWoR1hSrHF58aWTpyBC7bI3wT9NE1YlKfEMW8G4vh4bU/s320/1b.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Siguiendo con la línea del jazz, hoy les traigo un artista
que se ha vuelto de mis preferidos de las más jóvenes generaciones de jazz de
hoy en día.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Avishai Cohen es un contrabajista y muchas veces bajista
eléctrico nacido en Israel. Luego de terminar sus estudios de secundaria, se
mudó a New York donde estudió música en el Mannes College The New School for
Music. Aunque la vida en esos primeros años no fue fácil, teniendo que trabajar
de obrero en construcciones y tocar en la calle para ganarse alguna moneda, un
tiempo después fue invitado por Danilo Perez a formar parte de su trio. Sin
embargo, lo mejor sucedería cuando el mismísimo Chick Corea lo invitara a
formar parte de su entonces nuevo sexteto llamado Origin. Gracias a esto, lanzó
4 álbumes solista en el sello de Corea. Ya por el 2003, cuando se encontraba
tocando con Corea en formato de trío, decidió regresar a Tel Aviv e iniciar su
propio sello discográfico, Razdaz Recordz, en el cual ha lanzado varios álbumes
desde entonces.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Cohen tiene un lenguaje muy particular.
Partiendo de una base jazzera, rápidamente nos encontramos con influencias de
medio oriente, Europa del este, flamenco, jazz latino y por supuesto
tradiciones israelíes (aunque son menos evidentes que en el disco de Metheny y
Zorn). En ningún momento deja de lado estas influencias. Nunca llega a un
lenguaje puramente jazzístico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como es típico en las nuevas generaciones de jazzeros, como
Brad Mehldau, la armonía se aleja bastante de la tradición del jazz, tomando de
ella, más que nada, el ritmo y por supuesto la improvisación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Hay 2 aspectos que caracterizan la música de Cohen,
haciéndola fácilmente identificable. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado, la forma de tocar el contrabajo. Es un toque
muy percusivo y super rítmico, con líneas que generan un gran contrapunto con
los demás instrumentos y que, en vez de hacer un walking bass, hace líneas
puramente melódicas que cambian la armonía constantemente. Es interesante
porque generalmente no es la percusión la que da el ritmo, sino el contrabajo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por otro lado, viniendo de la mano con lo anterior, los
pianos, siempre con un toque bastante clásico-romántico y manejando un lenguaje
de las influencias que mencioné previamente, acompañan con motivos que se
transponen junto a ese constante cambio armónico. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La música de Cohen tiene un carácter profundo. Rara vez
queda en temáticas que no despierten un espíritu contemplador y filosófico.
Siempre hay alguna historia o pensamiento en el relato musical. Es una música
que evoca sentimientos más que sensaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo interesante es la estructura de las canciones. En gran
cantidad de casos hay un pensamiento más bien vertical que horizontal (en
términos musicales, refiriéndose a una partitura). Con esto me refiero a que
generalmente la música de Cohen se preocupa más por los cambios armónicos, los
acordes que se forman y como se conectan entre ellos, más que por la melodía.
Esto hace que la banda funcione como un bloque, como un todo. Cuando hay una
melodía, es con un pensamiento más cercano al riff. Esto, a su vez, hace que la
improvisación, en muchos casos, tenga una identidad muy particular, ya que
varias veces se tratan de pequeñas improvisaciones con pocas notas, como si
fueran pequeños pasajes. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco que les traigo hoy se titula “Duende”, lanzado en
Mayo del 2012. Es un disco especial para Cohen, pues es de dúos entre
contrabajo y piano. Quien lo acompaña es Nitai Hershkovits.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Debido a la escasez instrumental, el disco es muy personal y
por ende bastante más contemplativo que los demás. Sin embargo, esta escasez no
es razón para bajar la energía y nos encontramos con ritmos potentes como los
suelen ser en la música de Cohen.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como gran melómano, soy de tener ciertos momentos para
escuchar ciertos tipos de música. El jazz generalmente lo prefiero escuchar de
noche. Y en este caso, siendo tranquilo, diría que es para una buena noche de
lluvia a oscuras. Es algo subjetivo y sin valor en realidad, pero entre melómanos
nos entendemos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este disco, Cohen se ha tomado el trabajo de llevar ambas
concepciones musicales a un extremo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Por un lado, nos encontramos con canciones super
estructuradas con enorme cantidad de detalles. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque nunca hay modulación armónica (es decir, pasar de una
tonalidad a otra), la armonía es muy rica ya que, como siempre, se encuentra en
constante cambio. Gracias a esto, las melodías de carácter minimalista se ven
enriquecidas, ya que cambian su personalidad en cada momento dependiendo del
acompañamiento y finalmente las melodías parecen ser más largas de lo que realmente
son a pesar de su carácter cuasi-repetitivo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Los temas, en su mayoría, no parecen tener una estructura
típica de jazz, con su introducción, improvisación y vuelta al tema o trabajo
en conjunto. Parecen ser piezas escritas, de partitura, donde todo fue pensado
y arreglado previamente. Sin duda hay improvisación, pero en la escucha,
parecería que en el trabajo previo a la grabación se hubieran establecido las
reglas para la misma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">También es muy rico el juego instrumental. Siendo solo 2
instrumentos, las posibilidades de juego tímbrico y contrastes es más difícil,
pero aquí, Cohen y Hershkovits explotan las posibilidades instrumentales y la
combinación al máximo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El piano vive en un eterno baile de arpegios, acordes,
melodías, pasajes con mayor concentración en lo rítmico que lo melódico y con
grandes contrastes de dinámica, saltando de algo super suave a algo fuerte
repentinamente. Y es este baile que crea unas participaciones pianísticas muy
personales, porque rara vez algo es puramente arpegiado o puramente acórdico.
Siempre es una combinación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Si el piano es quien le da los colores a estos paisajes, es
el contrabajo quien le da el dinamismo y carácter. Sus participaciones siempre
son las que marcan la personalidad del tema. Nos podemos encontrar con
contrabajos tocados con arco de forma muy sutil y suave, dándole un sonido más
puro y de reflexión al tema. También hay contrabajos tocados a dedo, dándonos
un poco más de movimiento y solos de gran calidad. Y finalmente tenemos
aquellos punteos agresivos cercanos al slap que le dan a los temas la energía
suficiente para olvidarse de que no hay batería.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aunque son variados, hay un ambiente homogéneo y un punto de
partida en común. Sin embargo, vale destacar ciertos temas que caracterizan al
disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco abre con “Signature”, careciente de improvisación y
minuciosamente armado. Cuenta con enorme cantidad de detalles. Al principio nos
encontramos con una entrada muy cantábile, cuasi flotante y en constante cambio
armónico que de a poco se transforma en algo super rítmico gracias al
contrabajo, volviendo finalmente a algo como el comienzo. Una perfecta
introducción para lo que nos espera en lo que sigue del disco.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Criss Cross” es la que tiene un lenguaje de jazz más
clásico. Pero lo interesante es que este paisaje claramente influenciado por
Thelonious Monk está pintado con un aire italianesco, dándole un toque muy
bello. Algo que llama la atención: Cohen haciendo un walking-bass, algo que
raramente hace. A su vez, gracias a la instrumentación y el aire del tema,
recuerda mucho a los trabajos más tradicionales de Ron Carter.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Soof” es un ejemplo perfecto de lo que hablaba
anteriormente acerca de la melodía. Aquí claramente se puede notar como la
melodía superior (la aguda) es bastante minimalista y no hace grandes saltos
pero gracias al constante cambio armónico y luego del bajo a un estilo de bajo
continuo de estilo barroco, esta parecería ser más móvil de lo que de verdad
es. Lo interesante es que los acordes de a poco se van transformando en ese
bajo continuo y este, finalmente, toma el rol de la voz principal. Un ejemplo
excelente del trabajo realizado por el dúo. Aquí se notan claramente las
influencias clásicas más cercanas al barroco pintadas con armonías y ritmos de
medio oriente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“All of You” es la alegre y divertida del disco, con un
lenguaje más cercano al bebop y con toques de hard-bop, aunque cerca del final
nos lleva a los paisajes típicos de Cohen. Es jazz del más puro lleno de
improvisaciones excelentes. Aquí es el piano quien se lleva todos los premios,
aunque hay que destacar la comunicación entre ambos instrumentos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco cierra con “Ballad for an Unborn”. Como lo dice el
título, es una balada y como tal tranquila. Igual va por un lado introspectivo
y filosófico más que de tranquilidad o algún sentimiento banal. Aquí solo
participa el piano. Es un tema muy bello que resume de excelente manera lo
generado en todo lo anterior.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Estilísticamente no es un disco novedoso. Es actual sin
lugar a dudas, ya que el sonido y estilo de composición es el que está
sucediendo hoy en día por parte de las generaciones más recientes del jazz como
Brad Mehldau, Mathias Eick y otros, donde las armonías de jazz son de a poco
sustituidas con las de otros estilos musicales populares, sobre todo del rock
alternativo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La magia y originalidad de la música de Cohen es el ritmo,
el constante cambio armónico y el detallismo. En este disco todo eso se
encuentra presente pero llevado a su apogeo, sobre todo por el gran trabajo de
los arreglos, tornando los temas en composiciones de partitura prácticamente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Duende” es otro trabajo discográfico que demuestra que
Avishai Cohen es de las voces más originales e interesantes del jazz actual,
tal vez aún no reconocida lo suficiente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
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<o:p><span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></o:p></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo para que puedan escuchar el disco entero:<span style="color: red;"> <a href="http://www.youtube.com/watch?v=XG-81iAjGEk&list=PLED1FC791D4F6660E"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=XG-81iAjGEk&list=PLED1FC791D4F6660E</span></a></span></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA SEMANA QUE VIENE!!!!!</span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
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<br /></div>
Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1105358847677119348.post-8076637485455035292013-09-04T14:52:00.000-07:002013-09-04T14:52:03.863-07:00Pat Metheny - “Tap: John Zorn’s Book of Angels, Vol.20” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://wsm.serpent.pl/sklep/okladki/okl_okl_38600.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://wsm.serpent.pl/sklep/okladki/okl_okl_38600.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dejando de lado el rock, en las próximas semanas estaré
escribiendo sobre discos de jazz y estilos adyacentes. Y hoy empiezo con ello.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco que les traigo esta vez es la unión entre 2 de los
mayores genios musicales de estos tiempos desde décadas atrás. Son 2 de esos
artistas que no pueden ser encasillados estrictamente dentro de una categoría y
que año a año demuestran evolucionar y explorar nuevos territorios: Pat Metheny
y John Zorn.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pat Metheny, de los 2, es el menos heterogéneo, pero esta afirmación va solo por el lado de
la comparación, pues el mundo de Metheny es inmenso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Desde sus inicios como guitarrista en la banda de Gary
Burton, se inclinó hacia el jazz. Sin embargo, ya en sus primeros discos fue
mostrando otras influencias, como el folk, rock, influencias latinas, etc. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Varios discos como “Pat Metheny Group”, “Offramp”, “The Way
Up”, etc, nos dan a conocer su lado jazzístico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Discos como “New Chautauqua”, su obra maestra a mi
consideración y a su vez uno de los mayores logros de la música popular, nos
muestra un Metheny en busca de ambientes y paisajes sonoros pintados con aires
de jazz, folk y algo de new age de los ’70. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Luego nos encontramos con otros como “Secret Story” o
“Imaginary Day” donde el género es bastante indefinible debido a la enorme
mezcla de lenguajes musicales, llegando a incluirse tradiciones folklóricas
asiáticas muy lejanas a la cultura anglosajona. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero también tenemos un Metheny super experimental en varios
temas de su disco “Quartet” junto su clásico grupo Pat Metheny Group, en el
cual siempre ha participado el excelente tecladista Lyle Mays, el mayor
colaborador de Metheny, y más que nada en “Zero Tolerance for Silence”, 5 temas
de superposiciones contrapuntísticas de guitarras eléctricas con gran
distorsión que logran un ambiente sucio y pesado, llegando al noise rock más
salvaje y demente que uno podría escuchar. Y hay varias caras más.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Como guitarrista, es, a mi consideración, el mejor desde su
aparición. Conozco varios guitarristas. Algunos llegan a un virtuosismo
inigualable. Otros llegan a un nivel melódico que pareciera que cantarán. Pero
muy pocos, MUY POCOS, llegan a combinar ambas de forma precisa. Metheny es de
esos poquitísimos guitarristas que logran tener un virtuosismo técnico único y
que a su vez llegan a un desarrollo melódico impresionante. Canciones como “New
Chautauqua” tienen un nivel técnico que pocos podrían igualar pero a su vez son
solos que pueden cantarse. Es literalmente el punto máximo al cual un
guitarrista puede llegar. Y les dejo aquí para que lo comprueben: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=-odr6jeYfo4"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=-odr6jeYfo4</span></a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">John Zorn es de esos hombres que lanzan, lanzan y lanzan
música sin parar, en un abanico gigante de estilos musicales. Es como un Frank
Zappa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Sin embargo, la música de Zorn es bastante más arriesgada en
cierto sentido. Nunca nos vamos a encontrar con discos como “Sheik Yerbouti” o
“Overnite Sensation” de Zappa, discos en los que se puede encontrar rock en un
estilo más clásico. Zorn es un experimentador y siempre se ha manejado con
lenguajes musicales en donde la experimentación es algo fundamental. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Dentro de su gigantesca discografía, la cual alcanza más de
400 álbumes, nos encontramos con jazz, improvisación libre, rock, heavy metal,
hardcore punk, noise rock, klezmer y otras tradiciones judías, música
clásico-contemporáneo, música para películas, etc. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es un hombre inclasificable que salta de una punta a la otra
constantemente. Bueno, sin ir más lejos, este hombre nos presentó Masada, una
banda que tocaba una mezcla de jazz con klezmer en un ambiente super tonal y
bastante accesible y un año antes se encontraba con Naked City, una banda que
llevaba la música a su estado de mayor violencia y agresividad, plagada de
cambios bruscos en temas que no llegaban al minuto. Aquí les dejo un ejemplo de
Masada:<span style="color: red;"> <a href="http://www.youtube.com/watch?v=fzzt2kCix8c"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=fzzt2kCix8c</span></a></span> y aquí uno de Naked City: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=oXcgg7WC7LI"><span style="color: red;">http://www.youtube.com/watch?v=oXcgg7WC7LI</span></a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">La historia de este disco empieza años atrás.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Durante la época de Masada, Zorn escribió un libro de unas
200 canciones con influencias de tradición judía. Estas contaban con una
melodía y una serie de reglas para seguir la canción, como las tonalidades o
modos en las cuales tocar, el tempo y otra serie de reglas, lo cual da la
posibilidad de improvisar o de “componer” el resto del tema. Estos temas fueron
tocados con la banda en su 1er época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Para el 2004, Zorn había compuesto unas 300 canciones más,
las cuales las incluyó en un segundo libro de Masada titulado “The Book of
Angels”. Este segundo libro no ha sido interpretado por la banda sino por
diferentes músicos, algunos a pedido de Zorn y otros simplemente le han pedido
a este genio que les seleccionara algunos temas para interpretar. Entre estos
se encuentran Marc Ribot, Medeski Martin & Wood, Mark Feldman y Ben
Goldberg.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><a href="http://ecx.images-amazon.com/images/I/71eNPzbT9jL._SL1425_.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://ecx.images-amazon.com/images/I/71eNPzbT9jL._SL1425_.jpg" width="320" /></a></span></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Unos meses atrás, mediante una charla via email, Metheny le
comentó a Zorn acerca de sus ganas de interpretar algunas de las canciones de
este libro. Eran enormes fanáticos uno del otro pero nunca habían trabajado
conjuntamente. Metheny creía que podía aportar en esta serie de
interpretaciones y Zorn no dudo ni un segundo en aceptar la propuesta e hizo
una selección de canciones para el brillante guitarrista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Metheny comenta que el trabajo empezó a partir de la
improvisación, analizando los parámetros de estas canciones y viendo cuales eran
las posibilidades musicales e instrumentales que las reglas permitían. La
improvisación empezó con el arsenal instrumental que finalmente sería el que
utilizaría en el disco: guitarras, sitar, bajo, tiple, teclados, bandoneón,
percusión, fliscorno y el sistema orchestrionics que diseñó para su álbum
“Orchestrion” (un set de instrumentos controlados mediante medios electrónicos
que permite a Metheny tocarlos todos a la vez, algo así como una pianola
multi-instrumental). También lo acompaña Antonio Sánchez, increíble baterista
con el cual ha colaborado en los últimos 11 años.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">En este álbum titulado “Tap: John Zorn’s Book of Angels, Vol.20”
y lanzado en Mayo de este año 2013, nos encontramos con 6 de las centenares de
canciones de este libro. Debido a que hay una edición lanzada por el sello Nonesuch y otra por el Tzadik (el sello de Zorn), hay 2 arte de tapa diferentes, una para cada sello discográfico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El álbum es estilísticamente bastante versátil. Aunque hay
una gran predominancia de influencias de tradición judía con una base de klezmer
y músicas de medio oriente, ya que las melodías e ideas principales de las
canciones fueron compuestas por Zorn en esa índole, el álbum va viajando entre
ambientes semi-rockeros, acústicos tranquilos, unos tonos jazzeros, un lado
algo progresivo y bastante experimentalismo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Es claro que Metheny adoptó 2 caras musicales. Por un lado,
es evidente que en cada canción hay planificación, tanto instrumental como en
el desarrollo, ya que en todos los temas podemos notar secciones con conexiones
muy bien logradas y arreglos que no suceden por arte de magia. Pero a su vez,
siendo un jazzero, hay mucha improvisación. Nos encontramos con excelentes
solos de guitarra y otros instrumentos del arsenal de este músico y participaciones en constante cambio por parte
de Antonio Sánchez. Metheny siempre ha sido un maestro de estos 2 caras, que
por lo general, deja en duda cuando empieza una y termina la otra (el ejemplo
máximo de esto es su obra maestra para su grupo titulada “The Way Up”, una
verdadera obra de unos 70 minutos sin parar donde estas 2 caras son llevadas al
límite).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El disco abre con “Mastema”. Ya desde el inicio nos damos
cuenta de las evidentes influencias de tradición judía. Pero a su vez notamos,
por el lado de Zorn, esa deformidad musical, utilizando un compás de 10/16. Por
el lado de Metheny, quien es el que eligió el instrumental y le dio forma a
esta música, es claro que aquí se aleja de su sonido más jazzero y se acerca a
esas influencias de otras tradiciones musicales ajenas a lo anglosajón, influencias
que se pudieron escuchar perfectamente en discos como “Secret Story” e
“Imaginary Day”. A la vez, el riff que da inicio a la canción recuerda mucho al
trabajo de Robert Fripp en los’80 con su String Quintet. Luego de la
introducción de la melodía principal, empezamos a escuchar la guitarra
improvisada de Metheny con un sonido totalmente ajeno al que estamos
acostumbrados. No hay nada de ese sonido de micrófono de puente con un timbre
suave con pocos agudos. Acá nos encontramos, en los 2 casos de improvisación,
con un Metheny distorsionado y sucio a un punto chirriante y destructivo. Lo
interesante es que en cada caso, el sonido de la guitarra es diferente y ambas
improvisaciones son muy diferentes. Es que Metheny siempre comenta que detesta
usar efectos de guitarra como un simple coloreo del sonido. El usa muy pocos
efectos y cada efecto lo piensa como instrumento diferente. La canción a su vez
está plagada de detalles que la acercan a algo electrónico experimental,
dándole una identidad muy particular.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Albim” empieza con una guitarra acústica tranquila. El
ambiente general del tema es así, más allá de que a los pocos minutos se eleva.
Tal vez sea en este tema en donde menos se siente la presencia de Zorn,
llevándonos al lado más jazz acústico de Metheny. La batería de escobillas de
Antonio Sánchez ayuda mucho a lograrlo. Nuevamente, podemos notar como Metheny
tiene un concepto totalmente diferente con la guitarra acústica, ya que sus
solos y participaciones son muy distintas a lo anterior, más allá del ambiente
generado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Con “Tharsis” volvemos a ese paisaje de medio oriente en un
ambiente bastante klezmer pintado por el lenguaje de tonos a lo Steve Reich de
los últimos tiempos de Metheny. La melodía principal es muy interesante ya que
parece un espiral interminable gracias a su carencia de pausas. Cuando empieza
la parte de improvisación nos encontramos con el efecto de guitarra más
conocido de Metheny. Aunque ha tenido varias caras en su instrumento, las 2 más
conocidas son la limpia de timbre opaco bien jazzero y el de esta canción. Lo
más interesante de este tema son la cantidad de detalles que decoran la melodía
principal, además del acompañamiento que, unido a lo anterior, forma un
contrapunto de laberinto. La gema está en el final con la participación de una
guitarra eléctrica con un efecto que logra un grito destructivo.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Sariel” nos transporta a un ambiente desértico cargado de
detalles por el arsenal guitarrístico de la canción. Es muy interesante el
ambiente imponente y gigante que se logra en la 1era sección, con una manada de
guitarras rasgueadas acompañadas de solos destellantes, y el ambiente tranquilo
y meditativo que le continúa, con un contrapunto lento de esas guitarras. <o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Phanuel” es la canción más tranquila del disco. Es la
guitarra acústica quien tiene la voz principal durante el transcurso del tema,
tanto en la parte de acompañamiento como en la solista. Sin embargo, nos
encontramos con teclados y acordiones delirantes y experimentales en la 1er
sección del tema y una percusión más que nada de platillos en la 2da, la cual
no llega a marcarnos el pulso y ritmo, ayudando a mantener ese ambiente
tranquilo y flotante durante la duración total. Es un tema muy contemplativo y
reflexivo. <o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Hurmiz” cierra el disco con el lado experimental de
Metheny. Desde un principio nos encontramos con un piano tonal pero totalmente
loco y caricaturesco que resuena mucho a las piezas de Erik Satie. Pero lo
interesante es que a los pocos segundos aparece Antonio Sánchez con un
interminable e increíble solo de batería, demostrando que este hombre
trasciende el lenguaje de jazz y puede llegar a niveles de experimentalismo increíble.
Más llamativo aún son los planos del tema, ya que, por más que el piano sea el
único instrumento melódico, debido a su repetición y poca variabilidad y por
ende carencia de factor sorpresa, este se encuentra en un segundo plano y es la
percusión que nos mantiene atentos constantemente. <o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Algo que sucede en cada canción excepto en “Tharsis” y
“Hurmiz”, es que cierran con una coda que generalmente va hacia un lado más
experimental y de improvisación libre, como si de a poco nos fueran anunciando
el final del disco. En el 1er tema nos encontramos con una especie de remix
desenfrenante de un solo de la guitarra que cierra el tema. En el 2do con un pasaje
con enlaces de acordes inconexos, dejando un ambiente impresionista cargado de
duda. “Sariel” cierra con una
improvisación libre entre una guitarra super distorsionada y chillante y la
batería de Antonio Sánchez. Finalmente
“Phanuel” cierra con una coda oscura y grave dejando una sensación
apocalíptica. Es verdad que estas codas poco tienen que ver con lo que les
precedía y en cierto modo no tienen sentido alguno, o sea, no tienen mucha
razón de ser en el discurso de cada canción. Sin embargo, están muy bien
logradas y tienen gran valor. Tal vez es una intención de ruptura
descontextualizada que de alguna forma borra todo lo escuchado previamente, como
una limpieza sonora, y así empezar el siguiente tema con los oídos en un estado
neutro.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">“Tap” está cargado de detalles. Aunque obviamente hay 2
planos, el melódico y el acompañamiento, uno puede desmantelar el 2do y notar
pequeños detalles, tanto percusivos como melódicos, que le dan color y vida a
toda esta música. No hay ninguna canción que sea simplemente 3-4 instrumentos.
En todas hay un arsenal instrumental en un estilo minimalista que hace que la
carga de instrumentos no vaya para el lado de un contrapunto inmenso y así una
decena de voces al mismo tiempo, sino por un lado más tímbrico. Muchos
instrumentos hacen lo mismo o algo muy parecido y lo que se escucha no son 2
instrumentos, sino la sumatoria que crea un timbre rico, complejo y diferente.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Una vez más, John Zorn demuestra que no tiene nada que
envidiarle como compositor a ninguno de los más reconocidos, ya que su abanico
musical es tan grande que no hay tiempo ni palabras para clasificar cada uno de
los estilos que lo conforman. Es un hombre con ideas originales y bien
desarrolladas, tanto en un nivel más tradicional por el lado melódico y
armónico como por el lado conceptual trayendo ideas y propuestas típicas de la
música clásico-contemporánea de la post-guerra del siglo XX.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Pero más que nada, se evidencia nuevamente que el mundo de
Pat Metheny es inmenso y en constante expansión. Es un hombre que suma y no
remplaza. Podemos escuchar influencias y sonidos del pasado, detalles e ideas
que ha utilizado previamente. Pero estas son reformuladas y adaptadas a este
nuevo contexto y surgen combinaciones que no habían aparecido antes. A su vez,
hay una suma, ya que se trata de música hecha por otra persona de otra rama
musical. <o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">El resultado de “Tap: John Zorn’s Book of Angels, Vol.20” es
algo bastante único y es una nueva rama en la música de Metheny, demostrando
una vez más que este artista siempre se mantiene vivo y en constante cambio, en
constante evolución.<o:p></o:p></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Aquí les dejo un link para que puedan escucharlo online: <a href="http://grooveshark.com/#!/album/Tap+Book+Of+Angels+Volume+20/8955182"><span style="color: red;">http://grooveshark.com/#!/album/Tap+Book+Of+Angels+Volume+20/8955182</span></a></span></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">HASTA LA PRÓXIMA SEMANA!!!</span></div>
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Santiago Bogaczhttp://www.blogger.com/profile/01100663117634806905noreply@blogger.com2