Avishai Cohen with Nitai Hershkovits - "Duende"

Siguiendo con la línea del jazz, hoy les traigo un artista que se ha vuelto de mis preferidos de las más jóvenes generaciones de jazz de hoy en día.

Avishai Cohen es un contrabajista y muchas veces bajista eléctrico nacido en Israel. Luego de terminar sus estudios de secundaria, se mudó a New York donde estudió música en el Mannes College The New School for Music. Aunque la vida en esos primeros años no fue fácil, teniendo que trabajar de obrero en construcciones y tocar en la calle para ganarse alguna moneda, un tiempo después fue invitado por Danilo Perez a formar parte de su trio. Sin embargo, lo mejor sucedería cuando el mismísimo Chick Corea lo invitara a formar parte de su entonces nuevo sexteto llamado Origin. Gracias a esto, lanzó 4 álbumes solista en el sello de Corea. Ya por el 2003, cuando se encontraba tocando con Corea en formato de trío, decidió regresar a Tel Aviv e iniciar su propio sello discográfico, Razdaz Recordz, en el cual ha lanzado varios álbumes desde entonces.

La música de Cohen tiene un lenguaje muy particular. Partiendo de una base jazzera, rápidamente nos encontramos con influencias de medio oriente, Europa del este, flamenco, jazz latino y por supuesto tradiciones israelíes (aunque son menos evidentes que en el disco de Metheny y Zorn). En ningún momento deja de lado estas influencias. Nunca llega a un lenguaje puramente jazzístico.

Como es típico en las nuevas generaciones de jazzeros, como Brad Mehldau, la armonía se aleja bastante de la tradición del jazz, tomando de ella, más que nada, el ritmo y por supuesto la improvisación.

Hay 2 aspectos que caracterizan la música de Cohen, haciéndola fácilmente identificable.

Por un lado, la forma de tocar el contrabajo. Es un toque muy percusivo y super rítmico, con líneas que generan un gran contrapunto con los demás instrumentos y que, en vez de hacer un walking bass, hace líneas puramente melódicas que cambian la armonía constantemente. Es interesante porque generalmente no es la percusión la que da el ritmo, sino el contrabajo.

Por otro lado, viniendo de la mano con lo anterior, los pianos, siempre con un toque bastante clásico-romántico y manejando un lenguaje de las influencias que mencioné previamente, acompañan con motivos que se transponen junto a ese constante cambio armónico.

La música de Cohen tiene un carácter profundo. Rara vez queda en temáticas que no despierten un espíritu contemplador y filosófico. Siempre hay alguna historia o pensamiento en el relato musical. Es una música que evoca sentimientos más que sensaciones.

Algo interesante es la estructura de las canciones. En gran cantidad de casos hay un pensamiento más bien vertical que horizontal (en términos musicales, refiriéndose a una partitura). Con esto me refiero a que generalmente la música de Cohen se preocupa más por los cambios armónicos, los acordes que se forman y como se conectan entre ellos, más que por la melodía. Esto hace que la banda funcione como un bloque, como un todo. Cuando hay una melodía, es con un pensamiento más cercano al riff. Esto, a su vez, hace que la improvisación, en muchos casos, tenga una identidad muy particular, ya que varias veces se tratan de pequeñas improvisaciones con pocas notas, como si fueran pequeños pasajes.

El disco que les traigo hoy se titula “Duende”, lanzado en Mayo del 2012. Es un disco especial para Cohen, pues es de dúos entre contrabajo y piano. Quien lo acompaña es Nitai Hershkovits.

Debido a la escasez instrumental, el disco es muy personal y por ende bastante más contemplativo que los demás. Sin embargo, esta escasez no es razón para bajar la energía y nos encontramos con ritmos potentes como los suelen ser en la música de Cohen.

Como gran melómano, soy de tener ciertos momentos para escuchar ciertos tipos de música. El jazz generalmente lo prefiero escuchar de noche. Y en este caso, siendo tranquilo, diría que es para una buena noche de lluvia a oscuras. Es algo subjetivo y sin valor en realidad, pero entre melómanos nos entendemos.

En este disco, Cohen se ha tomado el trabajo de llevar ambas concepciones musicales a un extremo.

Por un lado, nos encontramos con canciones super estructuradas con enorme cantidad de detalles.

Aunque nunca hay modulación armónica (es decir, pasar de una tonalidad a otra), la armonía es muy rica ya que, como siempre, se encuentra en constante cambio. Gracias a esto, las melodías de carácter minimalista se ven enriquecidas, ya que cambian su personalidad en cada momento dependiendo del acompañamiento y finalmente las melodías parecen ser más largas de lo que realmente son a pesar de su carácter cuasi-repetitivo.

Los temas, en su mayoría, no parecen tener una estructura típica de jazz, con su introducción, improvisación y vuelta al tema o trabajo en conjunto. Parecen ser piezas escritas, de partitura, donde todo fue pensado y arreglado previamente. Sin duda hay improvisación, pero en la escucha, parecería que en el trabajo previo a la grabación se hubieran establecido las reglas para la misma.

También es muy rico el juego instrumental. Siendo solo 2 instrumentos, las posibilidades de juego tímbrico y contrastes es más difícil, pero aquí, Cohen y Hershkovits explotan las posibilidades instrumentales y la combinación al máximo.

El piano vive en un eterno baile de arpegios, acordes, melodías, pasajes con mayor concentración en lo rítmico que lo melódico y con grandes contrastes de dinámica, saltando de algo super suave a algo fuerte repentinamente. Y es este baile que crea unas participaciones pianísticas muy personales, porque rara vez algo es puramente arpegiado o puramente acórdico. Siempre es una combinación.

Si el piano es quien le da los colores a estos paisajes, es el contrabajo quien le da el dinamismo y carácter. Sus participaciones siempre son las que marcan la personalidad del tema. Nos podemos encontrar con contrabajos tocados con arco de forma muy sutil y suave, dándole un sonido más puro y de reflexión al tema. También hay contrabajos tocados a dedo, dándonos un poco más de movimiento y solos de gran calidad. Y finalmente tenemos aquellos punteos agresivos cercanos al slap que le dan a los temas la energía suficiente para olvidarse de que no hay batería.

Aunque son variados, hay un ambiente homogéneo y un punto de partida en común. Sin embargo, vale destacar ciertos temas que caracterizan al disco.

El disco abre con “Signature”, careciente de improvisación y minuciosamente armado. Cuenta con enorme cantidad de detalles. Al principio nos encontramos con una entrada muy cantábile, cuasi flotante y en constante cambio armónico que de a poco se transforma en algo super rítmico gracias al contrabajo, volviendo finalmente a algo como el comienzo. Una perfecta introducción para lo que nos espera en lo que sigue del disco.

“Criss Cross” es la que tiene un lenguaje de jazz más clásico. Pero lo interesante es que este paisaje claramente influenciado por Thelonious Monk está pintado con un aire italianesco, dándole un toque muy bello. Algo que llama la atención: Cohen haciendo un walking-bass, algo que raramente hace. A su vez, gracias a la instrumentación y el aire del tema, recuerda mucho a los trabajos más tradicionales de Ron Carter.

“Soof” es un ejemplo perfecto de lo que hablaba anteriormente acerca de la melodía. Aquí claramente se puede notar como la melodía superior (la aguda) es bastante minimalista y no hace grandes saltos pero gracias al constante cambio armónico y luego del bajo a un estilo de bajo continuo de estilo barroco, esta parecería ser más móvil de lo que de verdad es. Lo interesante es que los acordes de a poco se van transformando en ese bajo continuo y este, finalmente, toma el rol de la voz principal. Un ejemplo excelente del trabajo realizado por el dúo. Aquí se notan claramente las influencias clásicas más cercanas al barroco pintadas con armonías y ritmos de medio oriente.

“All of You” es la alegre y divertida del disco, con un lenguaje más cercano al bebop y con toques de hard-bop, aunque cerca del final nos lleva a los paisajes típicos de Cohen. Es jazz del más puro lleno de improvisaciones excelentes. Aquí es el piano quien se lleva todos los premios, aunque hay que destacar la comunicación entre ambos instrumentos.

El disco cierra con “Ballad for an Unborn”. Como lo dice el título, es una balada y como tal tranquila. Igual va por un lado introspectivo y filosófico más que de tranquilidad o algún sentimiento banal. Aquí solo participa el piano. Es un tema muy bello que resume de excelente manera lo generado en todo lo anterior.

Estilísticamente no es un disco novedoso. Es actual sin lugar a dudas, ya que el sonido y estilo de composición es el que está sucediendo hoy en día por parte de las generaciones más recientes del jazz como Brad Mehldau, Mathias Eick y otros, donde las armonías de jazz son de a poco sustituidas con las de otros estilos musicales populares, sobre todo del rock alternativo.

La magia y originalidad de la música de Cohen es el ritmo, el constante cambio armónico y el detallismo. En este disco todo eso se encuentra presente pero llevado a su apogeo, sobre todo por el gran trabajo de los arreglos, tornando los temas en composiciones de partitura prácticamente.

“Duende” es otro trabajo discográfico que demuestra que Avishai Cohen es de las voces más originales e interesantes del jazz actual, tal vez aún no reconocida lo suficiente.

Aquí les dejo para que puedan escuchar el disco entero: http://www.youtube.com/watch?v=XG-81iAjGEk&list=PLED1FC791D4F6660E

HASTA LA SEMANA QUE VIENE!!!!!